Callas Callas Callas - prova aperta
2023-10-04 17:00 - 18:15 (Europe/Rome) | Fonderia, via della Costituzione, 39, Reggio Emilia, 42124, Italy
PROVA APERTA
La stagione 2023/24 della Fonderia si apre con CALLAS CALLAS CALLAS, la nuova produzione di COB Compagnia Opus Ballet.
La serata omaggia la grande cantante riunendo per la prima volta tre tra i più interessanti nomi della coreografia d’autore italiana, Adriano Bolognino, Carlo Massari e Roberto Tedesco (ex danzatore di Aterballetto), in una lettura contemporanea e innovativa di uno dei personaggi più iconici del Novecento.
Ogni coreografo porta in scena un diverso aspetto della vita e dell’opera di Maria Callas in un vero e proprio “trittico coreografico”, un inedito affresco in cui elementi biografici, ispirazioni musicali e iconografia si fondono con la danza contemporanea nella creazione di un linguaggio inedito.
Il progetto continua idealmente il percorso di ricerca artistica che la compagnia persegue già da anni e che vede dialogare la danza contemporanea con storie e musiche classiche, considerate “di repertorio” che diventano terreno fertile per la creazione di qualcosa di completamente diverso. Il classico diventa chiave di lettura per il mondo contemporaneo, con l’obiettivo di destrutturare e arricchire il repertorio per parlare di una realtà vissuta, tangibile, a noi vicina.
Lo spettacolo è mercoledì 4 ottobre ore 20.30.
Crediti
CALLAS, CALLAS, CALLAS
Coreografie di Adriano Bolognino, Carlo Massari e Roberto Tedesco
Una produzione COB Compagnia Opus Ballet
In coproduzione con Fondazione Festival La Versiliana
Direzione artistica Rosanna Brocanello
Consulente artistica Laura Pulin
Light designer Giacomo Ungari
Repetiteur Giulia Orlando
Organizzazione Margherita Fantoni
Distribuzione Laura Montagna
prima nazionale 12 luglio 2023, Teatro “La Versiliana” (Marina di Pietrasanta)
***
/DIVINA
Coreografia Adriano Bolognino
Interpreti Giuliana Bonaffini, Aura Calarco, Sofia Galvan, Ginevra Gioli, Gaia Mondini
Assistente alla coreografia Rosaria Di Maro
Musiche Vito Pizzo
Costumi realizzati da Tns Brand
/STANDPOINTS
Coreografia Roberto Tedesco
Interpreti Matheus Alves De Oliveira, Giuliana Bonaffini, Aura Calarco, Emiliano Candiago, Ginevra Gioli, Gaia Mondini, Riccardo Papa, Frederic Zoungla
Musiche Giuseppe Villarosa
Costumi realizzati da Opificio della Moda e del Costume
/TOUJOURS LA MORT
Creazione originale Carlo Massari
Interpreti Matheus Alves De Oliveira, Aura Calarco, Emiliano Candiago, Riccardo Papa, Frederic Zoungla
Editing musicale Luca Martone
Supporto alla realizzazione abiti di scena Giovanna Ficaccio
***
Durata complessiva 75 minuti
Tra le coreografie è prevista una pausa di circa 6 minuti
Callas, Callas, Callas
Dotata di “tre voci”, è stato detto, per la sua eccezionale estensione vocale. E ancora: talento da “soprano drammatico d’agilità”, descrizione ottocentesca per il suo timbro unico. Donna e artista carismatica, voce potente e teatrale per tecnica e abilità nel fondere canto e recitazione, capace di interpretazioni infuocate e coinvolgenti nell’incarnare personaggi femminili seducenti e tragici. Il suo nome è inciso nella storia del melodramma. E non solo. Arte e stile, trionfi e consensi, mondanità e vicende private si sono intrecciati nella vita di Maria Callas, “La Divina”. Di lei si ricordano anche le sfuriate da diva, il mistero del drastico dimagrimento, l’insonnia cronica, il figlio mai avuto, l’amicizia con Pasolini, e, soprattutto, l’infausta liaison con l’armatore Aristotele Onassis, che lasciò la moglie per lei, per poi abbandonarla e sposare Jackie Kennedy. Callas morirà, sofferente e sola, nel suo appartamento parigino, il 16 settembre 1977, per cause non ancora accertate. Nel centenario della nascita, tra omaggi già celebrati e altri in corso, quello della COB Compagnia Opus Ballet diretta da Rosanna Brocanello, ha una particolare valenza anche per l’originalità che l’ha ispirato: affidare a tre giovani, e già affermati, coreografi dal linguaggio contemporaneo, una creazione a serata, che rifletta la loro personale visione della leggendaria artista, senza però volerla raccontare descrivendola. Tre sguardi differenti, quindi, tre approcci e restituzioni in danza che il bel titolo Callas, Callas, Callas già evidenzia. Titolo che è anche un invito, per lo spettatore, a scoprire o ritrovare tra le pieghe di un movimento o la coralità dell’ensemble, tra le sonorità elettroniche o i frammenti di arie celebri disseminati nell’architettura coreografica, tra una luce o un costume che sagoma gesti e posture, la propria Callas. O magari un’altra, inedita, che la danza astratta può suggerire, evocare, imprimere nell’atmosfera e nella memoria. Di sicuro riconosceremo, contaminate o appena palesate, tre celebri arie: da Tosca, Norma, Carmen.
STANDPOINTS di Roberto Tedesco (ph. Paolo Bonciani)
Roberto Tedesco amalgama le note di Vissi d’arte sulla partitura musicale elettronica composta da Giuseppe Villarosa dentro la quale mixa anche brani d’interviste e interferenze di voci. Nelle parole della celebre aria, estrapolate da Tosca, il coreografo calabrese identifica il momento in cui Callas è in punto di morte, e vuol ribadire a tutti che ha vissuto profondamente d’arte e di amore essendo semplicemente una persona, una donna, prima di essere considerata una diva. È soprattutto nella struttura sonora che il coreografo imprime la sua visione della vita di Callas, quasi un voler predisporre lo spettatore – citando George Balanchine – a “vedere la musica e ascoltare la danza”. Tedesco tesse una drammaturgia immaginaria con un percorso musicale, quasi cronologico, che va dagli anni a New York dove Callas nacque, alle sue origini greche; dall’Italia che, col Teatro alla Scala, le ha dato il maggior successo, alla Francia dove infine si è ritirata. Vaghe sonorità jazz iniziali rimandano all’America, poi quelle del Bouzouki alla Grecia, e una canzone di musica leggera degli anni Settanta allo stato d’animo di sofferenza che l’ha accompagnata. Su un ritmo crescente, quasi techno, s’innesta una danza corale che pulsa nei corpi – maschili e femminili, un’unica entità -, rivestiti di stilizzati corsetti rossi e maschere nere a forma di abatjour. Un’estetica che rimanda ai costumi teatrali dell’opera, e a quel mondo della moda del quale Callas, ispirando molti stilisti, è stata anche un’icona.
DIVINA di Adriano Bolognino (ph. Paolo Bonciani)
Questo divismo fashion lo rimarca nella sua creazione il coreografo napoletano Adriano Bolognino – appassionato di tutto ciò che fa parte di quell’universo glamour -, enfatizzando così il suo “immaginario Callas” anche sotto l’aspetto estetico, unito alla forza, al rigore e all’estrosità della danza.
Velocità e ritmo caratterizzano il suo linguaggio. Lo incarnano le cinque danzatrici con una gestualità combattiva che sottende alcuni riferimenti della vita del soprano: il canto, la sua radice greca, la mancata maternità, la storia d’amore tormentata. Sempre in scena il quintetto gioca tra morbidezze e movimenti spezzati, ritmi e pause, sulla musica introduttiva composta da Vito Pizzo che funge da preludio per sfociare e chiudere con Casta diva (da una registrazione dell’Opéra de Paris).
TOUJOURS LA MORT di Carlo Massari (ph. Paolo Bonciani)
Non interviene, invece, con particolari contaminazioni sonore Carlo Massari nel suo viaggio creativo dell’universo Callas. Con una drammaturgia legata ad una componente anche ironica che s’impatta con la dimensione sonora, ad avvolgere l’etere è, dopo averla udita in loop, la voce riconoscibile della cantante nella celeberrima Habanera della Carmen – all’opera di Bizet rimanda il semplice bolerino dei costumi -, e più avanti l’Aria delle carte, momento in cui le carte da gioco predicono alla gitana l’avvicinarsi della morte. Ed è questa visione a permeare la coreografia di Massari, con Callas che, nel suo perire fisicamente, vive sapendo della fine che l’attende. Gli applausi che udiamo all’inizio l’accompagneranno a ritroso ripercorrendo il filo della sua esistenza, fino a lasciarci il ricordo della sua voce sublime, dell’artista immortale. “Non c’è movimento se non c’è pensiero e non c’è pensiero se non c’è senso” è l’assunto che anima sempre il lavoro di Massari. In linea con una propria modalità che attraversa e unisce i diversi linguaggi dell’arte performativa – teatro, danza, musica -, il coreografo bolognese mette in scena la protagonista accompagnata dalle “anime nere”, sorta di spiritelli colorati – i colori della voce – che la seguono e la sostengono in un suo ultimo afflato di vita.
Tutto concorre, nelle tre creazioni, alla comprensione dell’accadimento scenico da parte dello spettatore, sollecitato così a trovare ciascuno la propria Callas, identificare il proprio mito.
di Giuseppe Distefano
COB COMPAGNIA OPUS BALLET
Diretta da Rosanna Brocanello fin dalla fondazione, la compagnia è costituita da un nucleo stabile di danzatori professionisti e ad oggi ha dato vita ad un vasto repertorio di produzioni. Tra le ultime ricordiamo: Le Quattro stagioni (2020) di Vivaldi a cura della coreografa Aurelie Mounier e con le musiche eseguite dal vivo dall’Orchestra di Padova e del Veneto; RIGHT. La Sagra della Primavera (2021) di Carlo Massari in coproduzione con C&C Company e Teatro Stabile del Veneto, Oriente Occidente Dance Festival, Associazione Culturale Mosaico Danza/Interplay Festival (Progetto vincitore del Premio CollaborAction XL 2020 azione Network Anticorpi XL coordinata dall’Ass. Cantieri Danza supporto per la danza d’autore); Il labirinto. Il mito di Arianna e il Minotauro (2021) di Arianna Benedetti; White Room (2022) di Adriano Bolognino in collaborazione con il Centro Nazionale Virgilio Sieni; La diversità che mi fece stupendo. Pasolini, l’irrealtà del quotidiano (2022) di Giovanni Leonarduzzi in coproduzione con la Compagnia Bellanda; Coding dance (2023) di Leonardo Diana in coproduzione con Versiliadanza; OTOTEMAN_what if di Sofia Galvan e Stefania Menestrina, Progetto vincitore della XIII edizione del Premio Internazionale Prospettiva Danza Teatro e realizzato in coproduzione con Festival Danza In Rete-Teatro Comunale Città di Vicenza. Dal 2021 la compagnia è finanziata dal Ministero della Cultura.
Info & Biglietti
BIGLIETTI
Intero: 3 euro
Under 6: omaggio
ACQUISTO BIGLIETTI
I biglietti possono essere acquistati online su www.biglietteriafonderia39.it.
Il servizio di biglietteria in Fonderia è attivo dalle ore 17.30.
I biglietti non sono numerati.
CONTATTI
Cell e whatsapp 3341023554
Email biglietteria@aterballetto.it

Callas Callas Callas
2023-10-04 20:30 - 21:45 | Fonderia, via della Costituzione, 39, Reggio Emilia, 42124, Italy
La stagione 2023/24 della Fonderia si apre con CALLAS CALLAS CALLAS, la nuova produzione di COB Compagnia Opus Ballet.
La serata omaggia la grande cantante riunendo per la prima volta tre tra i più interessanti nomi della coreografia d’autore italiana, Adriano Bolognino, Carlo Massari e Roberto Tedesco (ex danzatore di Aterballetto), in una lettura contemporanea e innovativa di uno dei personaggi più iconici del Novecento.
Ogni coreografo porta in scena un diverso aspetto della vita e dell’opera di Maria Callas in un vero e proprio “trittico coreografico”, un inedito affresco in cui elementi biografici, ispirazioni musicali e iconografia si fondono con la danza contemporanea nella creazione di un linguaggio inedito.
Il progetto continua idealmente il percorso di ricerca artistica che la compagnia persegue già da anni e che vede dialogare la danza contemporanea con storie e musiche classiche, considerate “di repertorio” che diventano terreno fertile per la creazione di qualcosa di completamente diverso. Il classico diventa chiave di lettura per il mondo contemporaneo, con l’obiettivo di destrutturare e arricchire il repertorio per parlare di una realtà vissuta, tangibile, a noi vicina.
Crediti
CALLAS CALLAS CALLAS
Coreografie di Adriano Bolognino, Carlo Massari e Roberto Tedesco
Una produzione COB Compagnia Opus Ballet
In coproduzione con Fondazione Festival La Versiliana
Direzione artistica Rosanna Brocanello
Consulente artistica Laura Pulin
Light designer Giacomo Ungari
Repetiteur Giulia Orlando
Organizzazione Margherita Fantoni
Distribuzione Laura Montagna
prima nazionale 12 luglio 2023, Teatro “La Versiliana” (Marina di Pietrasanta)
***
/DIVINA
Coreografia Adriano Bolognino
Interpreti Giuliana Bonaffini, Aura Calarco, Sofia Galvan, Ginevra Gioli, Gaia Mondini
Assistente alla coreografia Rosaria Di Maro
Musiche Vito Pizzo
Costumi realizzati da Tns Brand
/STANDPOINTS
Coreografia Roberto Tedesco
Interpreti Matheus Alves De Oliveira, Giuliana Bonaffini, Aura Calarco, Emiliano Candiago, Ginevra Gioli, Gaia Mondini, Riccardo Papa, Frederic Zoungla
Musiche Giuseppe Villarosa
Costumi realizzati da Opificio della Moda e del Costume
/TOUJOURS LA MORT
Creazione originale Carlo Massari
Interpreti Matheus Alves De Oliveira, Aura Calarco, Emiliano Candiago, Riccardo Papa, Frederic Zoungla
Editing musicale Luca Martone
Supporto alla realizzazione abiti di scena Giovanna Ficaccio
***
Durata complessiva 75 minuti
Tra le coreografie è prevista una pausa di circa 6 minuti
Callas, Callas, Callas
Dotata di “tre voci”, è stato detto, per la sua eccezionale estensione vocale. E ancora: talento da “soprano drammatico d’agilità”, descrizione ottocentesca per il suo timbro unico. Donna e artista carismatica, voce potente e teatrale per tecnica e abilità nel fondere canto e recitazione, capace di interpretazioni infuocate e coinvolgenti nell’incarnare personaggi femminili seducenti e tragici. Il suo nome è inciso nella storia del melodramma. E non solo. Arte e stile, trionfi e consensi, mondanità e vicende private si sono intrecciati nella vita di Maria Callas, “La Divina”. Di lei si ricordano anche le sfuriate da diva, il mistero del drastico dimagrimento, l’insonnia cronica, il figlio mai avuto, l’amicizia con Pasolini, e, soprattutto, l’infausta liaison con l’armatore Aristotele Onassis, che lasciò la moglie per lei, per poi abbandonarla e sposare Jackie Kennedy. Callas morirà, sofferente e sola, nel suo appartamento parigino, il 16 settembre 1977, per cause non ancora accertate. Nel centenario della nascita, tra omaggi già celebrati e altri in corso, quello della COB Compagnia Opus Ballet diretta da Rosanna Brocanello, ha una particolare valenza anche per l’originalità che l’ha ispirato: affidare a tre giovani, e già affermati, coreografi dal linguaggio contemporaneo, una creazione a serata, che rifletta la loro personale visione della leggendaria artista, senza però volerla raccontare descrivendola. Tre sguardi differenti, quindi, tre approcci e restituzioni in danza che il bel titolo Callas Callas Callas già evidenzia. Titolo che è anche un invito, per lo spettatore, a scoprire o ritrovare tra le pieghe di un movimento o la coralità dell’ensemble, tra le sonorità elettroniche o i frammenti di arie celebri disseminati nell’architettura coreografica, tra una luce o un costume che sagoma gesti e posture, la propria Callas. O magari un’altra, inedita, che la danza astratta può suggerire, evocare, imprimere nell’atmosfera e nella memoria. Di sicuro riconosceremo, contaminate o appena palesate, tre celebri arie: da Tosca, Norma, Carmen.
STANDPOINTS di Roberto Tedesco (ph. Paolo Bonciani)
Roberto Tedesco amalgama le note di Vissi d’arte sulla partitura musicale elettronica composta da Giuseppe Villarosa dentro la quale mixa anche brani d’interviste e interferenze di voci. Nelle parole della celebre aria, estrapolate da Tosca, il coreografo calabrese identifica il momento in cui Callas è in punto di morte, e vuol ribadire a tutti che ha vissuto profondamente d’arte e di amore essendo semplicemente una persona, una donna, prima di essere considerata una diva. È soprattutto nella struttura sonora che il coreografo imprime la sua visione della vita di Callas, quasi un voler predisporre lo spettatore – citando George Balanchine – a “vedere la musica e ascoltare la danza”. Tedesco tesse una drammaturgia immaginaria con un percorso musicale, quasi cronologico, che va dagli anni a New York dove Callas nacque, alle sue origini greche; dall’Italia che, col Teatro alla Scala, le ha dato il maggior successo, alla Francia dove infine si è ritirata. Vaghe sonorità jazz iniziali rimandano all’America, poi quelle del Bouzouki alla Grecia, e una canzone di musica leggera degli anni Settanta allo stato d’animo di sofferenza che l’ha accompagnata. Su un ritmo crescente, quasi techno, s’innesta una danza corale che pulsa nei corpi – maschili e femminili, un’unica entità -, rivestiti di stilizzati corsetti rossi e maschere nere a forma di abatjour. Un’estetica che rimanda ai costumi teatrali dell’opera, e a quel mondo della moda del quale Callas, ispirando molti stilisti, è stata anche un’icona.
DIVINA di Adriano Bolognino (ph. Paolo Bonciani)
Questo divismo fashion lo rimarca nella sua creazione il coreografo napoletano Adriano Bolognino – appassionato di tutto ciò che fa parte di quell’universo glamour -, enfatizzando così il suo “immaginario Callas” anche sotto l’aspetto estetico, unito alla forza, al rigore e all’estrosità della danza.
Velocità e ritmo caratterizzano il suo linguaggio. Lo incarnano le cinque danzatrici con una gestualità combattiva che sottende alcuni riferimenti della vita del soprano: il canto, la sua radice greca, la mancata maternità, la storia d’amore tormentata. Sempre in scena il quintetto gioca tra morbidezze e movimenti spezzati, ritmi e pause, sulla musica introduttiva composta da Vito Pizzo che funge da preludio per sfociare e chiudere con Casta diva (da una registrazione dell’Opéra de Paris).
TOUJOURS LA MORT di Carlo Massari (ph. Paolo Bonciani)
Non interviene, invece, con particolari contaminazioni sonore Carlo Massari nel suo viaggio creativo dell’universo Callas. Con una drammaturgia legata ad una componente anche ironica che s’impatta con la dimensione sonora, ad avvolgere l’etere è, dopo averla udita in loop, la voce riconoscibile della cantante nella celeberrima Habanera della Carmen – all’opera di Bizet rimanda il semplice bolerino dei costumi -, e più avanti l’Aria delle carte, momento in cui le carte da gioco predicono alla gitana l’avvicinarsi della morte. Ed è questa visione a permeare la coreografia di Massari, con Callas che, nel suo perire fisicamente, vive sapendo della fine che l’attende. Gli applausi che udiamo all’inizio l’accompagneranno a ritroso ripercorrendo il filo della sua esistenza, fino a lasciarci il ricordo della sua voce sublime, dell’artista immortale. “Non c’è movimento se non c’è pensiero e non c’è pensiero se non c’è senso” è l’assunto che anima sempre il lavoro di Massari. In linea con una propria modalità che attraversa e unisce i diversi linguaggi dell’arte performativa – teatro, danza, musica -, il coreografo bolognese mette in scena la protagonista accompagnata dalle “anime nere”, sorta di spiritelli colorati – i colori della voce – che la seguono e la sostengono in un suo ultimo afflato di vita.
Tutto concorre, nelle tre creazioni, alla comprensione dell’accadimento scenico da parte dello spettatore, sollecitato così a trovare ciascuno la propria Callas, identificare il proprio mito.
di Giuseppe Distefano
COB COMPAGNIA OPUS BALLET
Diretta da Rosanna Brocanello fin dalla fondazione, la compagnia è costituita da un nucleo stabile di danzatori professionisti e ad oggi ha dato vita ad un vasto repertorio di produzioni. Tra le ultime ricordiamo: Le Quattro stagioni (2020) di Vivaldi a cura della coreografa Aurelie Mounier e con le musiche eseguite dal vivo dall’Orchestra di Padova e del Veneto; RIGHT. La Sagra della Primavera (2021) di Carlo Massari in coproduzione con C&C Company e Teatro Stabile del Veneto, Oriente Occidente Dance Festival, Associazione Culturale Mosaico Danza/Interplay Festival (Progetto vincitore del Premio CollaborAction XL 2020 azione Network Anticorpi XL coordinata dall’Ass. Cantieri Danza supporto per la danza d’autore); Il labirinto. Il mito di Arianna e il Minotauro (2021) di Arianna Benedetti; White Room (2022) di Adriano Bolognino in collaborazione con il Centro Nazionale Virgilio Sieni; La diversità che mi fece stupendo. Pasolini, l’irrealtà del quotidiano (2022) di Giovanni Leonarduzzi in coproduzione con la Compagnia Bellanda; Coding dance (2023) di Leonardo Diana in coproduzione con Versiliadanza; OTOTEMAN_what if di Sofia Galvan e Stefania Menestrina, Progetto vincitore della XIII edizione del Premio Internazionale Prospettiva Danza Teatro e realizzato in coproduzione con Festival Danza In Rete-Teatro Comunale Città di Vicenza. Dal 2021 la compagnia è finanziata dal Ministero della Cultura.
Info & Biglietti
BIGLIETTI
Intero: 10 euro
Ridotto under 30, scuole di danza, Liceo Coreutico Matilde di Canossa, over 65, soci CRAL Comune di Reggio Emilia: 6 euro
Ridotto under 8: 3 euro
ACQUISTO BIGLIETTI
I biglietti possono essere acquistati online su www.biglietteriafonderia39.it.
Il servizio di biglietteria in Fonderia è attivo dalle ore 19.30.
I biglietti non sono numerati.
CONTATTI
Cell e whatsapp 3341023554
Email biglietteria@aterballetto.it

Night Stories
2023-10-11 20:30 - 22:00 | Fonderia, via della Costituzione, 39, Reggio Emilia, 42124, Italy
MM Contemporary Dance Company – Short Stories – cor. Michele Merola, foto di Creativite
NIGHT STORIES è la nuova serata della MM Contemporary Dance Company composta da Quarto Canto di Enrico Morelli, Short Stories di Michele Merola e Skirk di Adriano Bolognino.
Produzione: MM Contemporary Dance Company
Coproduzione Skirk: Comune di Bassano del Grappa – Operaestate Festival Veneto
WEIRDO_Primo Studio
Coreografia: Enrico Morelli
Musiche originali: Giuseppe Villarosa
Luci: Gessica Germini
Costumi Nuvia Valestri
Assistente alla coreografia Paolo Lauri
Interpreti: Filippo Begnozzi, Emiliana Campo, Lorenzo Fiorito, Mario Genovese, Matilde Gherardi, Fabiana Lonardo, Alice Ruspaggiari, Rossana Samele, Nicola Stasi, Giuseppe Villarosa, Leonardo Zannella
Durata: 25 minuti
Il senso di inadeguatezza: l’unico, vero ostacolo ad ogni forma di rapporto, compreso quello con sé stessi. Chi, nella propria vita, non ne è mai stato pervaso? Spesso questo stato deriva dalla voglia di soddisfare le aspettative degli altri: sentire il peso del rischio, della paura di fallire e del giudizio. Partendo da queste sensazioni Enrico Morelli presenta un primo studio coreografico prendendo ispirazione non solo dal suo vissuto personale, ma anche da quello degli interpreti, a cui ha rivolto la stessa domanda che lui fa a se stesso: “Quando avete la sensazione di essere inadeguati e fuori posto, come vi sentite?”
SHORT STORIES
Coreografia: Michele Merola
Musica composta ed eseguita dal vivo da Natalia Abbascià
Costumi: Nuvia Valestri
Assistente alla coreografia: Paolo Lauri
Interpreti: Emiliana Campo, Lorenzo Fiorito, Mario Genovese, Fabiana Lonardo, Nicola Stasi, Giuseppe Villarosa
Durata: 28 minuti
Short Stories coinvolge i corpi danzanti in un disegno continuo, costruito su ripetizioni e differenze, momenti di assoli, duetti e partiture corali, un susseguirsi di brevi storie, quadri generati dal sound della musica live: Natalia Abbascià, che suonerà dal vivo, ha creato una colonna sonora che mette insieme suggestive parti liriche per violino e voce solista. I danzatori faranno perdere il senso del confine che separa pubblico e spazio scenico.
I brani che compongono il lavoro si articoleranno come un paesaggio espressivo che lascerà alla soggettività del pubblico la lettura intima dei sentimenti che la danza e la musica suggeriscono.
SKRIK
Coreografia: Adriano Bolognino
Musica: Max Richter
Disegno luci: Gessica Germini
Realizzazione costumi: Nuvia Valestri
Assistente alla coreografia: Rosaria Di Maro
Maestro ripetitore: Paolo Lauri
Danzatori: Emiliana Campo, Lorenzo Fiorito, Mario Genovese, Matilde Gherardi, Fabiana Lonardo, Alice Ruspaggiari, Rossana Samele, Nicola Stasi, Giuseppe Villarosa, Leonardo Zannella
Durata: 25 minuti
Creazione nata nell’ambito di Prove d’Autore – azione del Network Anticorpi XL.
Il nuovo lavoro di Adriano Bolognino per la MM Contemporary Dance Company, dal titolo Skrik, si ispira al dipinto L’Urlo di Edvard Munch, opera che ha portato il coreografo a indagare il tema della tragedia, dell’angoscia e della piccolezza dell’uomo nell’immensità dell’universo. Spiega lo stesso coreografo: “Il grido sordo del quadro – di cui ho deciso di conservare il titolo norvegese “Skrik”, che fonicamente riporta ad un suono sgradevole, un urto, una scossa – sembra deformare il paesaggio donandoci instabilità e paura, conservando comunque la sua immensa bellezza. Aggrappandomi a questo dualismo che sento vicino, ho voluto creare un momento danzante che possa essere un accumulo senza fiato di tutto il malumore di questi ultimi anni, ma anche arrivare agli occhi del pubblico come una cascata rigeneratrice.”

MM Contemporary Dance Company
La MM Contemporary Dance Company è una compagnia di danza contemporanea diretta dal coreografo Michele Merola, nata nel 1999 come centro di produzione di eventi e spettacoli e come promotrice di rassegne e workshop con l’obiettivo di favorire scambi e alleanze fra artisti italiani e internazionali, testimoni e portavoce della cultura contemporanea.
Il repertorio della compagnia, che ha sede a Reggio Emilia, è ricco e variegato, grazie ai lavori di Michele Merola e alle creazioni firmate da coreografi europei e italiani come Maguy Marin, Mats Ek, Mauro Bigonzetti, Thomas Noone, Gustavo Ramirez Sansano, Karl Alfred Schreiner, Silvia Gribaudi, Eugenio Scigliano, Emanuele Soavi, Enrico Morelli, Daniele Ninarello, Ginevra Panzetti ed Enrico Ticconi, Roberto Tedesco, Camilla Monga, Adriano Bolognino.
Nel 2010 la MM Contemporary Dance Company ha vinto il prestigioso Premio Danza&Danza come migliore compagnia emergente e oggi, è, a tutti gli effetti, una realtà di eccellenza della danza italiana, con una consolidata attività di spettacoli su tutto il territorio nazionale. Da alcuni anni ha conquistato un mercato internazionale con spettacoli in paesi europei ed extraeuropei (Corea, Colombia, Canada, Germania, Russia, Marocco, Belgio, Spagna, Slovenia, Ungheria, Repubblica Ceca…).
Nel 2017 la MM Contemporary Dance Company ha vinto il Premio Europaindanza 2017 – Premio al Merito alla coreografia, per lo spettacolo Bolero di Michele Merola. Nel 2022 la MMCDC ha vinto il premio Danza&Danza per la migliore produzione italiana con lo spettacolo Ballade (cor. Mauro Bigonzetti, Enrico Morelli). Il 1° gennaio 2021 e il 1° gennaio 2022 la MMCDC è stata presente su RAI 1 nella trasmissione “Danza con me” di Roberto Bolle interpretando coreografie di Mauro Bigonzetti e Lorca Massine.
Dal 2018 la MM Contemporary Dance Company è compagnia associata del Circuito InDanza del Trentino Alto Adige.
La MMCDC è sostenuta dal Ministero della Cultura, Regione Emilia-Romagna, Comune di Reggio Emilia, Fondazione Nazionale della Danza/Aterballetto, Centro Permanente Danza Danza/Reggio Emilia.

Info & Biglietti
BIGLIETTI
Intero: 10 euro
Ridotto under 30, scuole di danza, Liceo Coreutico Matilde di Canossa, over 65, soci CRAL Comune di Reggio Emilia: 6 euro
Ridotto under 8: 3 euro
ACQUISTO BIGLIETTI
I biglietti possono essere acquistati online su www.biglietteriafonderia39.it.
Il servizio di biglietteria in Fonderia è attivo dalle ore 19.30.
I biglietti non sono numerati.
CONTATTI
Cell e whatsapp 3341023554
Email biglietteria@aterballetto.it

Davidson
2023-10-18 20:30 - 21:30 | Fonderia, via della Costituzione, 39, Reggio Emilia, 42124, Italy
Balletto Civile – Davidson – ph. Donato Aquaro
A metà strada tra racconto e sceneggiatura, Il Padre Selvaggio, scritto nel 1962 e pubblicato postumo nell’anno della sua morte, è un abbozzo di film che Pasolini non ha mai realizzato, nonostante fosse quasi tutto pronto e il regista avesse anche fatto un viaggio in Africa con Alberto Moravia e Dacia Maraini per trovare i posti dove girare.
Balletto Civile porta in scena Davidson, un oggetto coreografico con un giovane performer di talento: una messinscena danzata, una vertigine tra opera letteraria e teatro fisico.
Crediti
liberamente tratto dalla sceneggiatura Il Padre Selvaggio di Pier Paolo Pasolini
Concept e drammaturgia: Maurizio Camilli
Coreografia: Michela Lucenti
Con Maurizio Camilli e Confident Frank
Disegno luci: Vincenzo De Angelis
Disegno sonoro: Andrea Gianessi
Assistente alla regia: Ambra Chiarello
Assistente alla coreografia: Francesco Collavino
Produzione Balletto Civile, in collaborazione con ERT Emilia Romagna Teatro / Teatro Nazionale / focus CARNE
con il sostegno di ATER (Modena) e ICK (Amsterdam) e del Ministero della Cultura Italiana MIC
Davidson
– Che cos’è la poesia, signore?” chiede Davidson
– Ma tu lo sai! – dice il professore.
– No, non lo so! – protesta il ragazzo scuotendo la testa ricciuta.
– Sì, lo sai!
– No, non lo so!
– Sei un africano, sei immerso nella poesia!
– No, la poesia è una cosa dei bianchi.
– Canta una canzone del tuo villaggio!
Davidson si mette a cantare uno dei canti del suo villaggio.
Ma il canto è nella sua testa strettamente unito alla danza. E allora cantando si mette a danzare.
Un lungo canto, una lunga danza.
– Ecco, questa è la poesia!
Balletto Civile – Davidson – ph. Donato Aquaro
Il Padre Selvaggio è un abbozzo di sceneggiatura scritta nel ’63 e pubblicata postuma nel fatale 1975. Il regista non trovò finanziatori, spaventati dalla sua libertà di pensiero, e il film non si realizzò. È la storia di Davidson, un ragazzo nero sensibile e acuto, proveniente da una tribù dell’Africa e del suo incontro con un insegnante progressista e tormentato – una figura di frontiera alter ego dello stesso Pasolini – che cerca di dare ai suoi ragazzi un’istruzione moderna e anticolonialista. Questa opera sospesa racconta soprattutto il conflitto tra l’insegnante e Davidson, diffidente alle novità di metodo e di cultura del nuovo insegnante proprio perché è il più intelligente. Il cuore di questo contrasto è il dilemma del rapporto tra bianchi e neri, il problema della libertà e della democrazia, della tensione verso l’altro da sé.
Uno scritto breve ed intenso, con una forte valenza politica e non solo poetica, una sorta di canovaccio che sfugge alle definizioni concepito da Pasolini soprattutto come una successione di immagini e di indicazioni di azioni. Una sceneggiatura ibrida che mischia codici e linguaggi differenti e proprio nell’assenza della sua realizzazione offre un grande potenziale espressivo.
Una forma indefinita che presenta qualità visive che si prestano alla messa in scena danzata, in una vertigine tra opera letteraria e teatro fisico.
Balletto Civile ha incontrato nei suoi viaggi il suo scaltro Davidson a Modena.
Questo spettacolo sarà fatto con lui.
Balletto Civile – Davidson – ph. Donato Aquaro
Balletto Civile
Gruppo nomade per definizione, animato da una forte tensione etica, Balletto Civile nasce nel 2003 fondato da Michela Lucenti. L’approccio creativo è una ricerca basata sul movimento che emerge dalla profonda relazione scenica tra gli artisti. Lavora su un linguaggio totale dove il teatro, la danza e il canto originale interagiscono naturalmente.
Info & Biglietti
BIGLIETTI
Intero: 10 euro
Ridotto under 30, scuole di danza, Liceo Coreutico Matilde di Canossa, over 65, soci CRAL Comune di Reggio Emilia: 6 euro
Ridotto under 8: 3 euro
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I biglietti possono essere acquistati online su www.biglietteriafonderia39.it.
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BODY INTO THE FIGHT - ROMAEUROPA FESTIVAL
2023-10-19 22:00 - 23:00 | Mattatoio, Piazza Giustiniani, 4, Roma, Italia
Body into the fight è la performance curata da Diego Tortelli e nata dalla ricerca insieme a Sony CSL e al ricercatore Ken Endo, al centro del progetto Dis.abile | Iper.abile. Lo spettacolo sarà presentato per la prima volta durante la Opening Conference di Maker Faire Rome il 19 ottobre.
Grazie alla disponibilità di Romaeuropa Festival, in occasione dei Dancing Days, selezione curata da Francesca Manica nell’ambito dell’edizione 2023 del Festival, CCN/Aterballetto avrà modo di ripresentare la performance. L’evento avverrà il 19 ottobre al Mattatoio, alle ore 22:00.

BODY INTO THE FIGHT
Coreografia e concept Diego Tortelli
Consulenza scientifica Ken Endo
Musica Oneohtrix Point Never
Performer Giuseppe Morello e Karim Randé
Una produzione Fondazione Nazionale della Danza/Aterballetto
In partnership con SONY CSL
Grazie alla ricerca che faremo con Ken Hendo e SONY CSL avremo la possibilità di addentrarci nell’idea di protesi come estensione del corpo in grado di renderlo iper-abile. Un’estensione del corpo, che aumenta la prestazione fisica e non è più solo un ricorso a risolvere un trauma fisico o a nascondere una disabilità. Si tratta di estendere l’idea di abilità in una chiave poetica che si possa avvicinare il più possibile alla definizione di “corpo contemporaneo”. O per lo meno di stimolare una riflessione, in grado di entrare nelle sale del teatro, con una poetica al servizio del mondo esterno tale da far tornare il corpo a sorprenderci.
Diego Tortelli

Dis.abile | Iper.abile
Dis.abile | Iper.abile nasce dalla volontà dei due partner di sostenere un welfare “improntato non già alla risoluzione delle emergenze ma incentrato sulla promozione del benessere e delle capacità delle persone, quale motore dello sviluppo e dell’occupazione e fattore di inclusione sociale” secondo la definizione dell’urbanista Carolina Giaimo.
La società si sta trasformando e la sanità si trova ad affrontare nuove esigenze. In questo scenario, l’innovazione è una sfida. Ausili per la disabilità, ma anche per la vita quotidiana, dispositivi biomedicali, accessori tech e digitali per lo sport: questo e molto altro sarà presentato a Maker Faire Rome 2023.
LA COLLABORAZIONE CON SONY CSL
Sony CSL mira a dare un contributo al futuro dell’umanità e del pianeta, promuovendo lo sviluppo delle scienze e delle nuove tecnologie e la loro applicazione nei settori più disparati. In particolare, nel laboratorio di Roma, diretto da Vittorio Loreto, una delle linee di ricerca ha come obiettivo quello di partecipare alla riprogettazione delle nostre società con un approccio transdisciplinare che usa la creatività come strumento di partenza per affrontare le sfide della società odierna. Il commento di Vittorio Loreto di Sony CSL:
“È proprio in questa direzione che il progetto Dis.abile | Iper.abile, muove i suoi primi passi. Una delle nostre linee di ricerca ha proprio questo obiettivo: osservare e sperimentare l’interazione tra essere umano e nuove tecnologie (come, ad esempio, l’IA) e capire come entrambi possano trarre vantaggio da questo scambio virtuoso, dove l’essere umano riceve dalla macchina input che lo aiutano a migliorarsi. Quando abbiamo conosciuto il lavoro artistico di CCN/Aterballetto, abbiamo subito pensato alla tecnologia di Ken Endo, per questo siamo qui oggi insieme pronti a presentare questo nuovo progetto in occasione del più importante evento di innovazione d’Europa”.

Prova Aperta - Rhapsody in Blue
2023-10-23 18:00 - 19:00 | Fonderia, via della Costituzione, 39, Reggio Emilia, 42124, Italy
Tornano le prove aperte nelle sale della Fonderia!
Lunedì 23 ottobre, alle 18.00, il pubblico della Fonderia potrà assistere alla realizzazione del nostro nuovo spettacolo in produzione: Rhapsody in Blue. La creazione è affidata a Iratxe Ansa e Igor Bacovich, premiati coreografi di fama internazionale, ed è ispirata alla musica di George Gershwin. Da alcuni giorni i sedici danzatori sono al lavoro sulla coreografia e la prova aperta sarà un’occasione unica per assistere dal vivo al processo creativo.
Le prove aperte sono momenti unici in cui è possibile vivere il backstage di uno spettacolo, dialogare con gli artisti e sorprendersi con l’arte della danza: un’esperienza esclusiva di entrare nella routine quotidiana dei danzatori e dei coreografi.

TACA TÈ / talk
2023-10-25 20:30 - 21:30 | Fonderia, via della Costituzione, 39, Reggio Emilia, 42124, Italy
Perché ricordiamo il passato e non il futuro? Siamo noi a esistere nel tempo o il tempo esiste in noi? Cosa significa davvero che il tempo scorre? Cosa lega il tempo alla nostra natura di soggetti? Cosa ascolto, quando ascolto lo scorrere del tempo?
Carlo Rovelli
Dopo il debutto al Teatro Elfo Puccini di Milano, all’interno del festival MILANoLtre, TACA TÈ approda in Fonderia. Lo spettacolo è prodotto da Compagnia Sanpapié con la direzione artistica di Lara Guidetti, in coproduzione con la Fondazione Nazionale della Danza / Aterballetto.
Taca Tè, in dialetto emiliano “comincia tu”, è una sfida al diritto di esistere nel tempo, giocata tra due corpi anagraficamente lontani che convergono nel presente della danza. In scena, Antonio Caporilli e Francesca Lastella affrontano il grande tema del tempo e dell’incontro intergenerazionale attraverso un dibattito fisico senza sosta. Passato e futuro si specchiano l’uno nell’altro nel tentativo di costruire una relazione in grado di muoversi senza timore sulla linea del tempo in entrambe le direzioni. Così i codici del ballo liscio, che invitano a ruoli, melodie e spazi, si diluiscono in un ambiente “altro” che progressivamente si libera dalle strutture per aprire molteplici sguardi sul corpo e sulla relazione. La coreografia sviluppa un flusso di movimento unico e in continuo divenire dove i tempi interni dei danzatori si allontanano e si oppongono per poi ritrovarsi in spazi comuni che permettono il superamento dei ruoli in un gioco ironico, a tratti teatrale e surreale.
Al termine dello spettacolo, seguirà un talk con Elisabetta Donati, sociologa e Responsabile area cultura e ricerca per la Fondazione Ravasi-Garzanti, partner scientifico del progetto Over Dance che orienta interamente la sua attività a ricerche e politiche per l’ageing.
CREDITI
Una coproduzione Sanpapié, Fondazione Nazionale della Danza/Aterballetto e MILANoLTRE
Coreografia: Lara Guidetti
Interpreti: Antonio Caporilli, Francesca Lastella
Assistente alla coreografia e costumi: Fabrizio Calanna
Realizzazione scene: Maria Croce
Musiche originali e rielaborazioni: Marcello Gori, Alberto Sansone
Première: 30 settembre 2023, Teatro Elfo Puccini – Festival MILANoLTRE, Milano (replica 1 ottobre)
COMPAGNIA SANPAPIÉ / LARA GUIDETTI
Emiliana, dopo studi di acrobatica a livello agonistico e recitazione teatrale, nel 2006 si diploma come danzatrice e coreografa presso l’Atelier di teatro-danza della Scuola Paolo Grassi di Milano, studiando con grandi maestri nazionali ed internazionali come Susanne Linke, Emio Greco, André Minvielle, Franco Brambilla, Luciana Melis, Reinhild Hoffman, Lucinda Childs, Susanna Beltrami; Yong Min Cho e Sarah Taylor. Prosegue nella formazione, sia legata al mondo della danza e della performing art sia ai diversi metodi di pedagogia e training dell’attore seguendo laboratori e produzioni di artisti internazionali come Rimas Tuminas, Cesar Brie, Paz Rojo, Carolina Bolouda, Joao Garcia Miguel, Virgilio Sieni e molti altri ancora.
Nel 2006 fonda la Compagnia Sanpapié di cui è direttrice artistica, coreografa ed interprete. Firma, per la compagnia, le coreografie di 40 opere e performance presentate in tutta Europa ed in Cina. Nel 2017, il suo spettacolo Lei ha vinto il Premio Sonia Bonacina, dedicato alle donne di teatro. Parallelamente al lavoro con Sanpapié, lavora come coreografa ed interprete nel campo del teatro, della danza e della musica colta collaborando con importanti registi e compositori. Accanto allo sviluppo di moduli didattici e percorsi permanenti, ha costruito collaborazioni e tiene workshop intensivi e tematici in varie parti d’Italia e in Europa.
ANTONIO CAPORILLI / FRANCESCA LASTELLA
Antonio Caporilli
Antonio è performer, danzatore, insegnante, ideatore di eventi multimediali e videomaker.  Dopo aver maturato esperienze con Jerome Savary, Robert Wilson, Amy Luckenbach e altri, ha collaborato in qualità di danzatore/performer con Il Teatro alla Scala di Milano, L’Opera National De Paris, Staatsoper Berlin, The Place Theater of London, etc. L’interesse verso l’atto performativo come fatto sociale, condiviso con altri artisti e con persone diverse per età, formazione e cultura, si è gradualmente concretizzato in diversi interventi compiuti sul territorio, con le persone che lo vivono, come il Festival “Blu del Lago” a Trevignano R., Roma. Negli ultimi anni la sua attenzione si è rivolta verso la quotidianità dei contesti urbani, con blitz o performance collettive a sorpresa mirate a sovvertire di colpo i ritmi e le abitudini di un luogo.
Francesca Lastella
Francesca è danzatrice e docente. Dopo aver frequentato il conservatorio di danza Duncan Centre e aver approfondito la formazione con maestri internazionali come Forsythe Dance Company e Sasha Waltz & Guest, ha lavorato a numerosi progetti insieme a professionisti come Lara Russo e Anna Albertarelli. Dal 2019 è docente a Artemente, centro di alta formazione per la danza. Ha collaborato con le compagnie Déjà Donné, Compagnia Balafori e Veicolo Danza, mentre attualmente danza per le compagnie Sanpapié, Lost Movement e Luna Cenere.
ELISABETTA DONATI
Responsabile area cultura e ricerca Fondazione Ravasi-Garzanti di Milano, ente filantropico con finalità di promozione del benessere delle persone anziane, Elisabetta ha partecipato, in qualità di esperta, alla stesura di un documento sul ruolo della famiglia nel promuovere la parità di genere e l’eguaglianza nell’istruzione per conto dell’Organizzazione Mondiale della Famiglia (WFO) al Summit di Parigi 2010. In passato è stata responsabile dell’area Ricerche della società Pari e Dispari, consulente dell’Istituto di Ricerca Sociale della Regione Piemonte nei programmi di ricognizione degli studi internazionali sul fenomeno dell’invecchiamento e docente a contratto di Sociologia della famiglia nel Corso di Servizio Sociale presso l’Università degli Studi di Torino. È stata anche presidente della Commissione Pari Opportunità del Comune di Brescia e presidente del Consultorio Familiare Onlus di Brescia. È socia fondatrice del Centro Documentazione ed Informazione sulla salute di genere di Brescia e autrice di diverse pubblicazioni.

Hold Your Horses
2023-10-29 18:00 - 19:00 | Fonderia, via della Costituzione, 39, Reggio Emilia, 42124, Italy
De Dansers – Hold Your Horses – ph. Bart Grietens
Hold Your Horses di De Dansers può essere visto come un’ode alle nostre braccia versatili e desiderose, oltre che come un grido di aiuto in un mondo sempre più sfuggente. – NRC
La Fonderia è una delle poche tappe del tour italiano di De Dansers, compagnia di Utrecht che almeno una volta nella vita deve essere vista.
Spettacolo adatto a tutte le età.
Suggerimento alle assicurazioni sanitarie: includere nel piano sanitario standard una visita a questa allegra compagnia di danza e musica. Ridurrà significativamente il costo degli antidepressivi. Daily paper Theaterfestival Boulevard

Crediti
Coreografia: Josephine van Rheenen
Musica (live): Guy Corneille
Realizzato con Yeli Beurskens, Liam McCall, Youri Peters, Arturo Vargas, Marie Khatib-Shahidi, Noëmi Wagner, Yoko Haveman, Guy Corneille
Scene e luci: Timme Afschrift
Drammaturgia: Moniek Merkx
Costumi: Nicky Nina de Jong
Una coproduzione di De Dansers e Theater Strahl Berlin
Con il sostegno di Gemeente Utrecht, Fonds Podiumkunsten, Prins Bernhard Cultuurfonds, K.F. Hein Fonds, Fonds 21, Schäxpir Festival
Durata: 1h
Hold Your Horses
Hold Your Horses è uno spettacolo sul desiderio di resistere. I ballerini della Compagnia De Dansers raccontano la loro storia con dodici mani, con i loro corpi e alcune chitarre in sottofondo. Vediamo mani afferrare, confondere, toccare, levarsi, cadere e pizzicare le corde della chitarra. Vediamo passione e distanza. Vediamo lo scorrere del tempo, scandito da un ritmo serrato. Vediamo persone a volte vicine tra loro, a volte infinitamente lontane. Non vediamo i cavalli anche se li sentiamo. Non vediamo il mondo stravagante che non riusciamo a controllare. Ma lo sentiamo scivolare tra le nostre dita.
De Dansers – Hold Your Horses – ph. Bart Grietens
Hold Your Horses si incentra sulla necessità di aggrapparsi a qualcosa o a qualcuno in un mondo che sta diventando sempre più sfuggente. Sei artisti animano lo spettacolo con la loro passione e musicalità. Hold Your Horses è caratterizzato da un linguaggio del movimento spettacolare e acrobatico che non perde mai la sua sensibilità umana. Come un unico corpo, i ballerini si muovono in un flusso continuo, spinti dalla musica dal vivo di Guy Corneille e della sua chitarra.
Hold Your Horses è stato in parte creato a Berlino e ha debuttato a Berlino e a Utrecht nel settembre/ottobre 2021.
De Dansers
De Dansers è una Compagnia di ballerini e musicisti di Utrecht diretta dalla coreografa/ballerina Josephine van Rheenen e dal compositore/musicista Guy Corneille. I loro spettacoli sono dei ‘concerti di danza’, un incontro tra danza moderna e musica dal vivo sul tema della liberazione da tutto ciò che può far sentire bloccato l’individuo, il tutto in un’atmosfera di anarchia giocosa.
Spettacoli che richiamano la vivacità dei bambini e il desiderio quasi dimenticato degli adulti di abbandonarsi al contatto fisico.
Josephine van Rheenen // Coreografa Ha studiato danza alla Theaterschool di Amsterdam e, parallelamente, si è esibita come ballerina insieme a De Dansers. Dopo aver danzato per cinque anni con De Dansers, Vloeistof e Breekgoed, nel 2014 ha sostituito Wies Merkx alla direzione artistica di De Dansers insieme a Guy Corneille. Da allora, ha creato per questa Compagnia spettacoli per bambini e adulti. Come coreografa, si dedica alla ricerca dell’umanità nella danza e di un linguaggio del movimento basato sull’istinto. Apertura, abbandono e interazione sono le parole chiave delle sue opere.
Guy Corneille // Compositore e musicista È direttore artistico di De Dansers insieme a Josephine van Rheenen dal 2014. Sul palco è musicista e performer fisico allo stesso tempo. Inoltre, partecipa alla creazione degli spettacoli della coreografa Josephine van Rheenen come compositore e drammaturgo musicale. Ha studiato antropologia socioculturale e ha un passato nel pop con la sua band indie La Corneille. Il suo interesse artistico è nel comunicare l’esperienza fisica ed emotiva, l’improvvisazione tipica dei concerti pop e l’accessibilità a qualsiasi musica senza essere superficiali o di bassa qualità. Nel 2017 Guy Corneille ha vinto un VSCD Gouden Krekel per la sua multiperformance a The Basement (De Dansers / Theater Strahl / Wies Merkx).
THEATER STRAHL BERLIN
Theater Strahl è stato fondato nel 1987 a Berlino come gruppo teatrale indipendente e dal 2013 produce spettacoli di danza contemporanea per un pubblico giovane in collaborazione con artisti internazionali. Con il Theatrer Strahl i giovani sono coinvolti nella selezione e nello sviluppo degli spettacoli, venendo così attivamente a contatto con il mondo teatrale.
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Esercizi di fantastica
2023-11-18 18:00 - 18:50 | Fonderia, via della Costituzione, 39, Reggio Emilia, 42124, Italy
Sosta Palmizi – Esercizi di Fantastica – ph. Vincenzo Siniscalco
Spettacolo perfetto per ogni età – per la complessità, la raffinatezza delle azioni in un crescendo gioioso – ben si comprende come abbia potuto meritare il Premio della giuria e del pubblico Vimercate Ragazzi Festival 2021. Valeria Ottolenghi, Gazzetta di Parma
Esercizi di Fantastica, produzione Sosta Palmizi, si ispira ai racconti di Gianni Rodari ed è un’occasione imperdibile per portare i bambini e le bambine dai 4 anni in su a teatro.

Crediti
Da un’idea di Giorgio Rossi
Una creazione di Elisa Canessa, Federico Dimitri, Francesco Manenti, Giorgio Rossi
Interpreti Elisa Canessa, Federico Dimitri e Francesco Manenti
Scenografie Francesco Givone, Francesco Manenti, Francesca Lombardi
Costumi Beatrice Giannini, Francesca Lombardi
Illustrazioni Francesco Manenti
Disegno luci Elena Tedde
Esecuzione tecnica Massimiliano Ferrari
Produzione Associazione Sosta Palmizi
Con il contributo di MiBACT, Ministero per i Beni e le Attività Culturali e del Turismo/Direzione generale per lo spettacolo dal vivo; Regione Toscana/Sistema Regionale dello Spettacolo
Con il sostegno di Armunia (Rosignano LI), Wintergarten – Atelier di Teatro Permanente (Livorno), Comune di Castiglion Fiorentino (Ar)
Ringraziamenti Spazio Nunc, Elena Giacomin
Esercizi di fantastica
Una casa grigia. Tre personaggi grigi. Annoiati, scialbi e obnubilati dal mezzo tecnologico, si muovono come prigionieri di un meccanismo prestabilito, gli occhi sempre attaccati agli schermi. Ma ecco arrivare un elemento inaspettato! Una farfalla sposterà il loro sguardo altrove e la casa diventerà teatro di nuove avventure e di trasformazioni. Un crescendo di emozioni e peripezie in cui i tre personaggi riscopriranno finalmente il potere della fantasia, in un continuo gioco a liberare i corpi e le menti.
Sosta Palmizi – Esercizi di fantastica
Esercizi di fantastica racconta, con il linguaggio della danza e del movimento, il potere dell’immaginazione che trasforma cose e persone in qualcosa di sempre inaspettato e straordinario. Gli autori sono stati ispirati dall’idea di “Fantastica” dello scrittore Gianni Rodari. Vicino al surrealismo degli anni ’50 e ispirandosi all’opera di Alfred Jarry e alla sua patafisica (la scienza delle soluzioni immaginarie), Rodari affermava infatti l’esistenza di una Fantastica in totale contrapposizione alla Logica.
Sosta Palmizi – Esercizi di fantastica
Gli Autori
Giorgio Rossi
Come direbbe E. Satie‚ “è un mammifero danzante”. All’età di 4 anni‚ vedendo il clown svizzero Dimitri esibirsi nel surreale tempo della scena‚ ha capito che il teatro era la sua vita. Deve la sua fortuna artistica all’aver potuto assistere ai lavori di grandi maestri (Kantor, Brook, Bausch, Carlson), con alcuni dei quali ha imparato l’arte scenica‚ sia come allievo che come interprete. Nel 1984‚ è co–fondatore della Sosta Palmizi‚ sigla sotto la quale‚ in 30 anni‚ hanno lavorato oltre 400 danzatori e non, che hanno trovato lavoro nelle maggiori compagnie di teatro danza italiane ed europee o hanno fondato propri gruppi: alcuni di questi fanno parte del nucleo dell’associazione come Artisti Associati. Con i suoi spettacoli‚ oltre 30 produzioni, ha girato il mondo‚ grazie all’universalità dell’arte poetica del movimento. In questi anni ha collaborato con artisti provenienti dai più svariati ambiti come: Andrea Pazienza, Paolo Fresu, Bernardo Bertolucci, Terry Gilliam, Stefano Benni, Paola Turci, Lucia Poli, David Riondino, Paolo Rossi, Banda Osiris, Gabriele Mirabassi, Danilo Rea, Elisabetta Pozzi, Jovanotti e tanti altri, oltre a lavorare con persone di ogni età, con gli studenti, comunità terapeutiche e gruppi di recupero sociale.
Federico Dimitri
Si diploma nel 2004 presso l’Accademia Teatro Dimitri, Verscio (CH). Nel 2005 vince in Belgio il Premio Pinokkio con un suo spettacolo dal titolo Perfectly Coupled. Nello stesso anno e co-fondatore della compagnia I Tre Secondi, e crea gli spettacoli Zurigo Stazione Centrale (2005), I Doganieri (2010) e Kaspar (2015). Nel 2006 si trasferisce a Ginevra dove continua a lavorare come attore. Nello stesso periodo l’incontro con la regista Teresa Ludovico lo porta a collaborare con il Teatro Stabile d’Innovazione Kismet Opera di Bari. È protagonista dello spettacolo La Regina delle Nevi, regia Teresa Ludovico. Nel 2008 partecipa alla fondazione del gruppo di ricerca Progetto Brockenhaus, con sede in Ticino, con il quale crea gli spettacoli Non facciamone una tragedia e Sagra. Nelle estati 2009-2010-2012 partecipa al festival Origen, Riom (CH) sotto la direzione artistica di Giovanni Netzer. Arrivato a Livorno nel 2010, continua la sua collaborazione artistica tra l’Italia, la Svizzera e la Germania. Dal 2012 collabora con la Theater Werkstatt Gleis 5 di Frauenfeld (CH), con i quali crea Laina Viva. Nel 2013, assieme ad Elisa Canessa, fonda la Compagnia Dimitri/Canessa. Punto centrale, sempre, il corpo, contenitore del tutto, del gesto come della parola del concreto e del sottile; strumento fondamentale di comunicazione. La compagnia lavora ormai da anni sia in Italia che all’estero, in particolare in Svizzera, ed ha al suo attivo quattro spettacoli: Bruno (2013), spettacolo vincitore del FIT, Festival Internazionale di Teatro di Lugano; …di Giulietta e del suo Romeo (2014) e Hallo!I’m Jacket! (2016), Ad esempio questo cielo (2019). Realizza inoltre i videoclip Show me, per la cantante francese Marina P. e Lettera di San Paolo agli operai, Virginiana Miller, Targa Tenco 2014.
Da anni lavora attivamente con il coreografo ticinese Giorgio Rossi, della compagnia Sosta Palmizi. Collaborazione che lo vedrà coinvolto da ottobre 2016 nella creazione dello spettacolo per ragazzi Col naso all’insù.
Elisa Canessa
Elisa inizia la sua formazione nel 1999, dedicandosi sia allo studio dei linguaggi più specificatamente corporei. Nel 2001 si diploma presso la Scuola di Teatro di Bologna, corso di formazione in Nouvea-Cirque. Dal 2002 Studia Commedia dell’Arte con la compagnia Pantakin da Venezia. Nel 2003 consegue una borsa di studio dall’Ass. Sosta Palmizi. Frequenta numerosi seminari di Contact Improvvisation con i maestri Dieter Hetikamp (Berlino) e Benno Voorham (Stoccolma) e con quest’ultimo collabora per due anni ad un progetto atto allo sviluppo della Danza Contemporanea nei paesi dell’Est Europa. Tra gli altri, studia con i Maestri Giorgio Rossi, Raffaella Giordano, Michele Modesto Casarin, Gey Pin Ang, Chiara Guidi, Francesca della Monica, Daniel Lepkoff, Dal 2001 Elisa lavora attivamente come interprete per: Compagnia Agar, Sant’Arcangelo dei Teatri; Arcipelago Circo- Teatro, La Biennale di Venezia; Compagnia Pantakin da Venezia, Commedia dell’arte; Benno Voorham for the ADDM Fest (Moldavia); Massimiliano Barrachini, Resolution Festival (London); Compagnia Sosta Palmizi, Giorgio Rossi/Raffaella Giordano; Teatro Kismet Opera – Teresa Ludovico; Teatro all’Improvviso, Mantova; Segni Particolari/Amina Amici; Origen Festival (CH). Dal 2002, parallelamente al lavoro di interprete, dà vita ad una propria ricerca teatrale. È autrice degli spettacoli Esercizi e Drunk. Nel 2008 è co-fondatrice, in Svizzera, dell gruppo di ricerca Progetto Brockenhaus, con il quale crea gli spettacoli Non facciamone una tragedia e Sagra. Nel 2010 si diploma presso il Teatro Stabile di Torino in “Scritture per la Danza Contemporanea”, corso di specializzazione professionale tenuto da Raffaella Giordano. È interprete protagonista di uno dei videoclip di Lorenzo Jovanotti, Mezzogiorno. Nel 2013, Federico Dimitri fonda la Compagnia Dimitri/Canessa. Da anni lavora attivamente con il coreografo ticinese Giorgio Rossi, della compagnia Sosta Palmizi.
Francesco Manenti
Lavora nel campo del teatro, della performance e dell’arte visiva. È diplomato al Corso di Formazione Professionale in NoveauCirque, presso la scuola di Teatro di Bologna Galante Garrone.Studia e approfondisce la ContactImprovisation, in particolare seguendo i seminari di D.Heitkamp e Benno Voorham. Nel 2003-2004 gli viene assegnata una Borsa di Studi da Raffaella Giordano e Giorgio Rossi, coi quali studia frequentando i seminari di teatrodanza tenuti presso la Sosta Palmizi. Dal 2010 segue il lavoro di Masaki Iwana frequentando i suoi laboratori intensivi presso L’Atelier duButohBlanc in Normandia. Si è diplomato al Master internazionale WTTL (World Theatre Training Library) sotto la direzione artistica del Maestro Yuri Alschitz che si è svolto presso l’Università UNAM di Città del Messico con la finalità di sviluppare la pedagogia teatrale. Da diversi anni studia arti marziali (Ki Aikido, Kung Fu, TaiJiQuan), arti circensi (in particolare acrobatica aerea e danza con bastoni infuocati); nel 2011 si è diplomato come Insegnante di Dao Yin Fa Qi Gong presso la Scuola Tao Yin Italia. Con Elisa Canessa dà vita al Progetto Agatharandagio ed insieme creano gli spettacoli Esercizi e Drunk (coproduzione TIR-Danza) partecipando a diversi festival tra i quali: Lavori in Pelle, Premio Iceberg 2005, Festival DANAE 2006, ItaliaWave2009, GD’A 2004-2005 e Festival Inequilibrio-Armunia 2009. Nel 2008 crea insieme a E. di Terlizzi, E. Canessa, F. Dimitri, E. Rosenberg e P. Gianotti la compagnia svizzera di teatro del movimento Progetto Brockenhaus. Ha lavorato e tuttora collabora come interprete per alcune tra le più interessanti compagnie Italiane e straniere quali Sosta Palmizi (Giorgio Rossi), Pantakin (Michele Modesto Casarin), Teatro Kismet Opera (Teresa Ludovico), Eccentrici Dadarò. Ha lavorato inoltre con: Riccardo Palmieri-ArterieCIRT, PierrNosari-Acidi Alteri, Maria Carpaneto-Filo di Paglia, Company Mafalda, Dimensioni Parallele Teatro (Stefano Cenci). Parallelamente porta avanti una ricerca personale nel campo delle arti visive.
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Prova Aperta - Secus
2023-11-20 18:00 - 19:00 | Fonderia, via della Costituzione, 39, Reggio Emilia, 42124, Italy
Anche questo mese la Fonderia apre le porte ad una prova aperta con la Compagnia Aterballetto.
Lunedì 20 novembre, alle 18.00, il pubblico potrà assistere alla prova di Secus, coreografia creata da Ohad Naharin nel 2019: uno di quegli spettacoli difficili da dimenticare, capace di esaltare in modo unico le doti tecniche e l’espressività di danzatori e danzatrici.
La creazione vanta un collage musicale che si estende dagli insoliti stili elettronici di AGF alle seducenti melodie indiane di Kaho Naa Pyar Hai, fino alle armonie risonanti dei Beach Boys. Questo mix avventurosamente eclettico si compone sotto i nostri occhi nella forma di un alfabeto umano fatto di corse, assoli, gesti tersi e puliti, duetti interrotti. Gioia, vulnerabilità, paura, innocenza, confusione e rabbia tessono una tela armonica e dinamica che oscilla fra delicatezza ed esagerazione.
Le prove aperte sono momenti unici in cui è possibile vivere il backstage di uno spettacolo, dialogare con gli artisti e sorprendersi con l’arte della danza: un’occasione speciale che permette al pubblico di entrare nella routine quotidiana dei danzatori e dei coreografi.

THE DAY WHEN I CHOSE TO BE A DAUGHTER
2023-12-05 20:30 - 21:30 | Fonderia, via della Costituzione, 39, Reggio Emilia, 42124, Italy
DaCru – The day when I chose to be a daughter – ph. Sara Meliti
La Dacru Dance Company ritorna in Fonderia con il nuovissimo spettacolo The day when I chose to be a daughter (Il giorno in cui scelsi di essere una figlia).
Danzatori con una tecnica propria ed estremamente virtuosa, interpreti con immediatezza comunicativa, hanno il talento per trasformare la danza urbana in un vero e proprio racconto teatrale.

Crediti
Concept e regia: Marisa Ragazzo
Coreografie: Marisa Ragazzo e Omid Ighani
Di e con Elda Bartolacci, Davide Angelozzi, Alessandra Ruggeri
Musiche: Jocelyn Pook , Julia Kent, David Lang, The Books, Max Richter , Nils Frahm
Produzione: Compagnia Naturalis Labor
Coproduzione: Festival Abano Danza 2022
Con il sostegno di Mic / Regione Veneto / Comune di Vicenza
Con la collaborazione di DanceLab / Latina
The day when I chose to be a daughter
Tre danzatori che indagano sullo stato di “figlianza”. Un’analisi profonda, poetica e intrisa di visioni segrete che rispondono ad un unico quesito principale: essere figli dura tutto il corso della vita?…e da altri che seguono spontaneamente…questo stato di privilegiata appartenenza permane anche quando formalmente viene meno il punto che lo concede?…senza genitori, si è ancora figli?Lo stato di figlianza si modifica quando si diviene madri o padri?
La nuova produzione della company nasce da un coinvolta ed individuale visione della coreografa sull’argomento che diviene collettiva attraverso incontri e approfondite indagini con i danzatori.
È stato un lungo e complesso lavoro di riflessione sullo stato di figlianza quello che mettiamo in scena, una ricerca attraverso i ricordi specifici di ognuno di noi, coreografa e danzatori. Dettagliati ricordi scritti, condivisi, resi narrazione e quasi sempre riferiti soprattutto alla madre, nella quale per mesi abbiamo danzato immersi nella sua pasta vitale.
DaCru – The day when I chose to be a daughter – ph. Sara Meliti
Abbiamo iniziato il processo creativo relativo al progetto “THE DAY WHEN I CHOSE TO BE A DAUGHTER” prendendoci il tempo per ogni cosa, parlando a lungo, condividendo memorie e stati emotivi…quattro figli che riflettono sullo stato di figlianza. Nessuna madre, nessun padre, solo figli. Sulla maternità e paternità è stato scritto molto, narrazioni estese e articolate ma sullo stato di figlianza, pochissimo. Che cos’è lo stato di figlianza? La prima di tante domande che ci spinge ad una condivisione attiva: voremmo dialogare con altri figli per arrivare ad una narrazione più estesa ed approfondita intrecciando un dialogo silenzioso con il pubblico, spingendo ognuno ad intraprendere un processo per recuperare i ricordi e le piccole storie nascoste nei segreti luoghi della mente.
Marisa Ragazzo e Omid Ighani
Marisa Ragazzo e Omid Ighani iniziano la loro collaborazione artistica nel 1996, mescolando sistematicamente le personali curiosità artistiche, il proprio background, i propri talenti, attenti a mantenere integre le diversità e spesso riuscendo ad esaltarle.
La loro diversa formazione artistica, accademica per Marisa (Prebil, Trayanova, Lupov, Peter Goss, Sebron) e street per Omid (freestyler, come molti talenti nati e cresciuti nella cultura hip hop degli anni ’80), produce un codice artistico fortemente innovativo e di certo singolare.
Innamorati entrambi della sperimentazione estrema e delle contaminazioni di stili e linguaggi, creano una dimensione coreografica insolita, restando allo stesso tempo assolutamente raggiungili. Amano la velocità, il virtuosismo tecnico, la fusione dello spazio teatrale con il codice artistico della strada, dalla quale attingono le spinte verso l’arte nei diversi suoi aspetti, cosa che li porta spesso a collaborare con musicisti underground e visual artist.
Il loro primario obiettivo resta quello di uscire dagli spazi convenzionali, attraverso originalità, invenzione, innovazione e ricerca.
Nel 1996 Marisa Ragazzo e Omid Ighani aprono due scuole di formazione professionale di hip hop, tutt’ora in attività, nel Lazio ed in Sardegna, alle quali si aggiungono, negli anni, altre 8 sedi condivise nell’ organizzazione con Cruisin Arts (MC Hip Hop School: Milano, Verona, Jesi, Firenze, Roma, Bari, Catania, Cagliari), ed una scuola di specializzazione per il Video Dance e l’House (Cruisin’ Urban Dance Hdemy: Modena e Roma).
Oltre alle scuole di formazione professionale, svolgono un’intensa attività d’insegnamento, in Italia e all’estero.
Info & Biglietti
BIGLIETTI
Intero: 10 euro
Ridotto under 30, scuole di danza, Liceo Coreutico Matilde di Canossa, over 65, soci CRAL Comune di Reggio Emilia: 6 euro
Ridotto under 8: 3 euro
ACQUISTO BIGLIETTI
I biglietti possono essere acquistati online su www.biglietteriafonderia39.it.
Il servizio di biglietteria in Fonderia è attivo dalle ore 19.30.
I biglietti non sono numerati.
CONTATTI
Cell e whatsapp 3341023554
Email biglietteria@aterballetto.it

Darwin - M/eta/morfosi
2023-12-17 18:00 - 19:00 | Fonderia, via della Costituzione, 39, Reggio Emilia, 42124, Italy
Darwin – M/eta/morfosi è uno spettacolo di danza e teatro per ragazzi e famiglie sul tema della crescita e della trasformazione, che strappa al pubblico più di un sorriso.

Gli autori Christian Pellino e Francesco Marchi sono artisti associati della Compagnia Artemis Danza / Monica Casadei.

Crediti
Di e con Francesco Marchi e Christian Pellino
Regia e drammaturgia: Francesco Marchi
Coreografie: Christian Pellino
Durata: 50′
Adatto ad un pubblico dagli 8 ai 14 anni
Una coproduzione Artemis Danza ed Europa Teatri
Con il contributo di Mic, Regione Emilia Romagna Assessorato alla Cultura, Comune di Parma
Darwin
Come il bruco si trasforma e diventa farfalla attraverso un ciclo biologico chiamato metamorfosi, anche l’uomo passa attraverso più fasi prima di compiere un’evoluzione. Dagli organismi monocellulari all’Homo Sapiens, dal neonato all’adulto tutto evolve alla continua ricerca della perfezione… ma qualcosa è andato storto! Il pianetaè in pericolo e l’umanità non è certo senza difetti. Così uno scienziato eccentrico prova a raccontarci cosa, nel bene e nel male, è accaduto all’umanità e alla Terra dal Big Bang a oggi. Ad aiutarlo nell’impresa un personaggio poliedrico ed in continuo mutamento , che non comunica a parole ma con il corpo e il movimento, incarnerà le diverse fasi di questa pazza metamorfosi. Una sinergia fra danza e teatro di prosa, espressività del gesto e della parola che accompagna i ragazzi in un viaggio divertente e formativo in cui si incontrano fantasia, scienza e creatività.
Darwin – M/eta/ morfosi nasce dal bisogno di provare ad avvicinare il pubblico più giovane al mondo del teatro danza, percepito spesso come distante dalle nuove generazioni e quindi di difficile comprensione. Attraverso un percorso che prevederà incontri con le scuole, formazione dei docenti e rappresentazione scenica, Darwin – M/eta/ morfosi proverà a indagare il concetto di trasformazione combinando il linguaggio della danza, curato dal coreografo Christian Pellino con la parola e il gesto del teatro di prosa dell’attore Francesco Marchi.
Obiettivo avvicinare i ragazzi a un linguaggio nuovo, facilitandone la comprensione e arrivando a coinvolgerli in un percorso di approfondimento del genere mentre , parallelamente , potranno elaborare riflessioni personali sul tema della crescita e della trasformazione.
Info & Biglietti
BIGLIETTI
Intero: 6 euro
ACQUISTO BIGLIETTI
I biglietti possono essere acquistati online su www.biglietteriafonderia39.it.
Il servizio di biglietteria in Fonderia è attivo dalle ore 17.00.
I biglietti non sono numerati.
CONTATTI
Cell e whatsapp 3341023554
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Made in Italy 30.0
2023-12-22 18:00 - 22:00 | Fonderia, via della Costituzione, 39, Reggio Emilia, 42124, Italy
Lo spettacolo andrà in scena il 22 dicembre con due repliche:
1° replica: h 18.00
2° replica: h 21.00

Protagonisti della serata sono i danzatori di Agora Coaching Project, un progetto di alta formazione promosso e sostenuto dalla MM Contemporary Dance Company e dall’A.S.D Progetto Danza di Reggio Emilia con la direzione artistica di Michele Merola ed Enrico Morelli. Iniziato nel 2010, il corso sta ottenendo pieno riconoscimento nel mondo della danza europea e vanta collaborazioni con insegnanti e coreografi di fama internazionale.
B.7 SYMPHONY di Emanuele Soavi
L’instancabile spinta di Beethoven rivolta al rinnovamento artistico e la sua visione dissezionata e persino visionaria dei movimenti sociali e politici della sua epoca conferiscono alla sua opera un’energia inesauribile, come un flusso continuo, proprio come il diluvio in natura quando cambia la forma del paesaggio e le condizioni di vita. Questa idea di cambiamento costante, di giustapposizione degli opposti, di interazione, di scambio, di emozioni ed esperienze condivise è essenzialmente la fonte di partenza di questa composizione coreografica. Sia il palcoscenico stesso, sia i protagonisti che lo popolano con i loro movimenti che assumono continuamente nello spazio una nuova forma in ciascuna delle singole parti, creano immagini astratte che consciamente e inconsciamente in maniera contemporanea definiscono l’idea di un io multiforme, che vive oggi in una società moderna che è in uno stato di continuo sconvolgimento e cambiamento.
GERSHWIN SUITE di Michele Merola
Nelle note di George Gershwin (1898-1937), musicista tra i più rappresentativi del Novecento, si riflette lo spirito del tempo in cui sono create, gli umori e le atmosfere degli Anni Ruggenti. Partendo dai migliori brani del compositore, e dalle suggestioni delle opere pittoriche di un altro grande artista americano del ‘900, Edward Hopper (1882-1967), Michele Merola ha realizzato Gershwin Suite. In scena tanta varietà assume i modi di un set cinematografico, grazie anche ad una scenografia che cambia in continuazione, proprio come in un set, e ad una coreografia che tocca più tasti, opera di un coreografo capace di declinare la propria creatività e il proprio talento al passo con i tempi della contemporaneità.
INTERPRETI
Ore 18:00
Corrado Azzollini, Jasmine Begici, Elisa Bocconi, Laura Dell’Agnese, Sara Ferrentino, Nicole Forni, Giulia Lusetti, Lucrezia Maggiore, Maya Maselli, Carlotta Maucioni, Martina Procacci, Federico Musumec, Filippo Penco, Jada Piccinini, Susanna Russing, Gennaro Todisco, Gaia Camilla, Zorrilla Leonini.
Ore 21:00
Chiara Barril, Jacopo Bellan, Giulia Boccarossa, Giovanni Karol Borriello, Salvatore Bruno, Lucrezia Capuzzell, Anna Dal Maso, Vittoria Facci, Chiara Gionti, Aurora Lattanzi, Luna Lefebvre, Gioele Marcante, Laura Miotti, Martina Pagliari, Alessia Russo, Diletta Suman.
AGORA COACHING PROJECT
Agora Coaching Project è un progetto annuale di perfezionamento nella danza rivolto a danzatori di età compresa fra i 18 e i 22 anni, che ha sede a Reggio Emilia. Nato nel 2010, è diretto da Michele Merola ed Enrico Morelli, ed è promosso e sostenuto dalla MM Contemporary Dance Company e dal Centro Permanente Danza di Reggio Emilia. Si prefigge di formare artisti pronti ad affrontare in maniera flessibile la varietà del mercato internazionale della danza, artisti capaci di rispondere alle richieste di diversa natura, tecnico/stilistica, che provengono da questo stesso mercato. Il progetto vuole offrire un ampio ventaglio di stimoli, di carattere tecnico, culturale e di scambio tra allievi e coreografi, ciascuno dei quali proviene da realtà diverse e interessanti del panorama internazionale. Agora ai ragazzi di incontrare affermati coreografi di orientamento stilistico diverso e ha visto in questi anni la presenza di tanti nomi illustri: con Michele Merola ed Enrico Morelli collaborano alla realizzazione del progetto diversi docenti, dotati, ciascuno, di provata e qualificata esperienza nel settore.
MICHELE MEROLA
Michele Merola è direttore artistico e coreografo principale della MM Contemporary Dance Company, compagnia di danza contemporanea fondata nel 1999 a Reggio Emilia, che nel 2010 ha vinto il prestigioso Premio Danza & Danza come migliore compagnia emergente. Con essa ha portato sulla scena, sia in Italia che all’estero, molte sue coreografie, tra cui La metà dell’ombra, vincitrice del premio Anita Bucchi nel 2010 e Bolero, Premio Europaindanza 2017 – Premio al Merito alla coreografia. Dal 2000 numerose sono le sue creazioni per altre compagnie, tra cui Aterballetto, Teatro San Carlo di Napoli, Dominic Walsh Dance Theatre, Teatro Massimo di Palermo, Junior Balletto di Toscana, Teatro Nazionale di Belgrado, la Tanzcompagnie Landesbühnen Sachsen di Dresda, il Teatro dell’Opera di Roma. Nel 2003 vince il Concorso Internazionale di Coreografia di Hannover, nel 2008 riceve il Premio Positano Leonide Massine per l’Arte della Danza e nel 2016 il premio GD Awards 2016 come Migliore Coreografo italiano. Nel 2017 vince il premio L’Abella Danza presso l’Anfiteatro Romano di Avella (AV). Nel 2018 riceve il premio “Incontro con la danza” istituito da Basilicata ArteDanza. Dal 2010 Merola è, con Enrico Morelli, direttore artistico di Agora Coaching Project, progetto di perfezionamento professionale per danzatori che ha sede a Reggio Emilia.
EMANUELE SOAVI
Emanuele Soavi inizia i suoi studi di danza a Ferrara e successivamente presso il Balletto di Toscana. Dal 1996 inizia a lavorare in diversi teatri italiani tra cui il Teatro Petruzzelli di Bari, il Teatro dell’Opera di Roma. Nel 1998 si trasferisce in Germania dove lavora per tre anni come solista per il Ballet Dortmund, per poi passare in Olanda nella celeberrima compagnia Introdans. Durante la sua carriera interpreta lavori di coreografi tra cui Maurice Béjart, Jiri Kylian, Hans van Manen, Nils Christe, Renato Zanella, William Forsythe, Ton Wiggers, Nacho Duato, Karole Armitage, Mats Ek. Dal 1999 Soavi inizia il suo lavoro di coreografo in numerosi teatri tra cui Theater Dortmund,Theater Duisburg, Staatstheater Regensburg, TheaterAachen, Introdans, Staatstheater am Gartnerplatz di Monaco, Opera Köln, Dansateliers Rotterdam, Folkwang Essen, ZHdK Zürich, Dance Limerick, MM Contemporary Dance Company e AGORA Coaching Project. Dal 2012 è direttore, sempre a Colonia, del collettivo Emanuele Soavi Incompany. Riceve il premio come miglior Artista Interprete in Germania, collabora e firma coproduzioni dal 2016 con Susanne Linke, Jone San Martin della Forsythe Company, Cora Bos e Joris-Jan Bos del Netherlands Dance Theatre.

INFO E BIGLIETTI
BIGLIETTI
Intero: 10 euro
Ridotto under 30, scuole di danza, Liceo Coreutico Matilde di Canossa, over 65, soci CRAL Comune di Reggio Emilia: 6 euro
Ridotto under 8: 3 euro
ACQUISTO BIGLIETTI
I biglietti possono essere acquistati online su www.biglietteriafonderia39.it.
Il servizio di biglietteria in Fonderia è attivo dalle ore 19.30.
I biglietti non sono numerati.
CONTATTI
Cell e whatsapp 3341023554
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Golden Days
2024-01-12 20:30 | Fonderia, via della Costituzione, 39, Reggio Emilia, 42124, Italy
A gennaio Aterballetto torna a danzare nella Fonderia di Reggio Emilia con Golden Days di Johan Inger, un cavallo di battaglia del repertorio: l’occasione ideale per iniziare il nuovo anno e la nuova stagione di danza con il piede giusto!
Nella serata, le atmosfere fumose di Rain Dogs incontrano BLISS e i suoi sorrisi attraverso l’ironico solo femminile di Birdland, per accompagnare il pubblico in un viaggio nostalgico e dolce sulle note indimenticabili di Tom Waits, Patti Smith e Keith Jarret.
“A mano a mano che invecchiamo, ci soffermiamo spesso a riflettere sul nostro percorso di vita e io, per una volta, mi guardo indietro con un autentico sorriso, ripensando a quando tutto era radioso e spensierato.”
Johan Inger
“Un andante cantabile, un adagio e un rondò. Praticamente un concerto. Di danza però e tuttavia con una colonna sonora grandiosa.”
Sergio Trombetta, La Stampa
I biglietti sono acquistabili dal 23 dicembre, la biglietteria sarà disponibile per prenotazioni e informazioni dal 27 dicembre.

Info & Biglietti
BIGLIETTI
Intero: 10 euro
Ridotto under 30, scuole di danza, Liceo Coreutico Matilde di Canossa, over 65, soci CRAL Comune di Reggio Emilia: 6 euro
Ridotto under 8: 3 euro
ACQUISTO BIGLIETTI
I biglietti possono essere acquistati online su www.biglietteriafonderia39.it.
Il servizio di biglietteria in Fonderia è attivo dalle ore 19.30.
I biglietti non sono numerati.
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POP UP - Un fossile di cartone animato
2024-01-20 18:00 - 19:00, 2024-01-21 18:00 - 19:00 | Fonderia, via della Costituzione, 39, Reggio Emilia, 42124, Italy
Reinventando il libro animato in forma teatrale, Pop up – Un fossile di cartone animato intreccia le microstorie di un bambino di carta e di una piccola, enigmatica sfera: le evoluzioni ritmiche, cromatiche e sonore del loro rapporto, i loro incontri, le loro specularità, le loro trasformazioni.
Le avventure del bambino e della sua piccola palla danno così origine a un gioco simbolico di geometrie e di metamorfosi che tocca aspetti centrali di quell’immaginario: la fantasia, l’invito, la minaccia, il sogno. Due attrici, che sono insieme animatrici, danno vita e voce ai due protagonisti di carta, giocando sull’apparizione delle figure e delle forme nel tempo, sugli intrecci di esse con i loro corpi, sul movimento e sull’illusione del movimento, sulla sincronicità tra voci e immagini.
Adatto a bambini dai 3 anni
CREDITI
Un progetto di Giulia Gallo, Giovanni Guerrieri | I Sacchi di Sabbia
Con la collaborazione di Giulia Solano
Con Marta Capaccioli, Lucrezia Palandri e Paolo Romanini
Libri di Giulia Gallo
Ideazione luci Emiliano Curà
Realizzazione scene Paolo Romanini
Produzione Teatro delle Briciole – Solares Fondazione delle Arti
POP UP: LO SPETTACOLO
La scansione cromatica dei diversi cartoon di cui si compone lo spettacolo è un mezzo potente per indagare le emozioni-base e per creare insiemi di associazioni tra sentimenti, forme e colori. La forma delle variazioni sul tema, assecondando musicalmente la ricerca rumoristica, si fa strumento flessibile per un’esplorazione sperimentale dell’immaginario infantile.
L’idea della reinvenzione scenica del libro pop up, la sfida di creare un cartone artigianale, una sorta di fossile di cartone animato nell’epoca del 3D, è la preziosa occasione per una riflessione sull’animazione, sulla saturazione e l’invasività delle sue tecniche contemporanee, per intraprendere una direzione più evocativa e meno aggressiva che lasci più spazio all’immaginazione nell’era della dittatura digitale. Ed è, anche, l’occasione per fondere sperimentalmente manipolazione, teatro d’oggetti e suoni, linee di ricerca amate da I Sacchi di Sabbia che ora per la prima volta vengono rivolte e confrontate con un pubblico infantile.
GLI AUTORI
I SACCHI DI SABBIA
Negli anni la Compagnia si è distinta sul piano nazionale, ricevendo importanti riconoscimenti per la particolarità di una ricerca improntata nella reinvenzione di una scena popolare contemporanea. Già vincitori di due Premi ETI “Il Debutto di Amleto”, I Sacchi di Sabbia ricevono una nomination al Premio Ubu 2003 per lo spettacolo Orfeo. Il respiro (“…per il loro intreccio di ironia, storia e metafisica”) e vincono il Premio Speciale Ubu 2008. In perenne oscillazione tra tradizione e ricerca, tra comico e tragico, il lavoro di I Sacchi di Sabbia ha finito per concretizzarsi in un linguaggio in bilico tra le arti (arti visive, danza, musica), nella ricerca di luoghi performativi inconsueti, e sempre con uno sguardo vivo e attento al territorio in cui l’evento spettacolare è posto.
INFO & BIGLIETTI
BIGLIETTI
Intero: 6 euro
ACQUISTO BIGLIETTI
I biglietti possono essere acquistati online su www.biglietteriafonderia39.it.
Il servizio di biglietteria in Fonderia è attivo dalle ore 17.00.
I biglietti non sono numerati.
CONTATTI
Cell e whatsapp 3341023554
Email biglietteria@aterballetto.it

PROVA APERTA - RUGGINE / PLAY_BACH DIVERTISSEMENT
2024-01-24 18:00 - 19:00 | Fonderia, via della Costituzione, 39, Reggio Emilia, 42124, Italy
Prova aperta– ore 18.00
Spettacolo – ore 20.30

Ruggine / Manfredi Perego
“Autoritratto
Rumore stride
Naturale dentro”
Ruggine è una riflessione sul prodotto dell’antagonismo tra buio e luce nell’uomo. Ruggine è un pensiero drammaturgico che tratta dell’oscuro, l’inquietudine, del capriccio,
della sofferenza; osservando senza giudizio queste emozioni e le azioni che provocano. Ruggine è una dedica alla zona che di solito si occulta con tanto impegno. La coreografia non genera una risposta, ma piuttosto crea un sentiero che permette di immergersi ed attraversare questi stati d’animo e sviscerarli senza pregiudizi. Come in una dedica liberatoria alla parte fastidiosa di noi stessi, la coreografia tratteggia ed attraversa una sequenza priva di cronologia una rappresentazione ideale di ciò che solitamente viene considerato un difetto.
PLAY_BACH DIVERTISSEMENT / Balletto Teatro di Torino
“La sfida coreografica è quella di dare concretezza visiva e dinamica all’emozione che ogni nota esprime, cogliendo le sfumature della musica di Bach traducendo in danza un processo di analisi emotiva su ciò che la partitura musicale suggerisce.
La violenza e la dolcezza che nascono dalla vibrazione del suonato dovranno avere una corrispondenza fisica creando danze che attraversano mondi di nuove frequenze carnali. Il progetto parte dalla necessità di sfidarsi con le partiture musicali classiche, mai affrontate prima per scoprire nuovi approcci alla coreografia ed aprirsi a nuove visioni dinamiche. Gli studi su Bach saranno una palestra di coreografia, un luogo coreutico mutevole, che non termina la sua evoluzione. La musica dal vivo cuce l’epidermide del danzatore al luogo portandolo ad un altro livello di interpretazione e di ascolto. Al contempo l’aria mossa dai corpi impatta sui musici, rendendo tangibile l’azione della danza sullo strumento.” – Manfredi Perego

CREDITI
RUGGINE
Coreografia/danza di Manfredi Perego
Musiche originali di Paolo Codognola
Disegno luci di Roberta Faiolo
Durata 20 minuti
Un lavoro prodotto da Tirdanza, con la coproduzione di Milanoltre Festival, in collaborazione con Fondazione TeatroDue Parma, Europa Teatri
PLAY_BACH DIVERTISSEMENT
Coreografia di Manfredi Perego
Danzatoritrici Flavio Ferruzzi, Lisa Mariani, Luca Tomasoni, Nadja Guesewell, Viola Scaglione
Musiche di J.S. Bach eseguite dal vivo da Janine Bratu
Light design di Roberta Faiolo
Costumi di Majatai
Produzione Balletto Teatro di Torino
In collaborazione con Conservatorio Statale di Musica “Giuseppe Verdi” di Torino
Durata 30 minuti
GLI AUTORI
MANFREDI PEREGO
Nasce a Parma nel 1981 e inizia a studiare danza contemporanea nella scuola di sua madre Lucia Perego. Si laurea all’Accademia di Belle Arti di Bologna e prosegue i suoi studi di danza iniziando al contempo l’attività professionale di danzatore freelance in Svizzera e Germania. Nel 2013 sviluppa il primo progetto personale di movement research. Nel 2014 fonda MP.ideograms e l’anno successivo debutta al Festival Equilibrio e alla Vetrina della Giovane danza d’autore di Ravenna. Nel 2016 partecipa al progetto “VITA NOVA” della Biennale di Venezia con il primo capitolo del progetto “Primitiva”, che prosegue nel 2017 presso Scenario Pubblico di Catania. Nello stesso anno vince il Premio GD’A Giovane Danza D’Autore. Dal 2017 collabora con il BTT Balletto Teatro di Torino come Maestro ospite e dal 2019 come coreografo. È stato Coreografo Associato presso il Centro Nazionale di Produzione della Danza Scenario Pubblico/CZD nel triennio 2019-2021. Nel triennio 2022-24 diventa Coreografo Associato presso il Festival MilanOltre. Attualmente insegna come freelance in diverse formazioni professionali in Italia e all’Estero.
BALLETTO TEATRO DI TORINO
Il Balletto Teatro di Torino è un organismo di produzione, formazione e programmazione nell’ambito della danza.
Sostenuto da MIC, Regione Piemonte, Fondazione Compagnia di San Paolo, Fondazione CRT, Città di Torino, TAP Torino Arti Performative. In rete con NEST Rete degli Organismi di Produzione di Danza del Piemonte.
INFO & BIGLIETTI
BIGLIETTI
Intero: 3 euro
ACQUISTO BIGLIETTI
I biglietti possono essere acquistati online su www.biglietteriafonderia39.it.
Il servizio di biglietteria in Fonderia è attivo dalle ore 17.00.
I biglietti non sono numerati.
CONTATTI
Cell e whatsapp 3341023554
Email biglietteria@aterballetto.it

Ruggine / PLAY_BACH DIVERTISSEMENT
2024-01-24 20:30 - 21:30 | Fonderia, via della Costituzione, 39, Reggio Emilia, 42124, Italy
Prova aperta– ore 18.00
Spettacolo – ore 20.30

Ruggine / Manfredi Perego / Tir Danza
“Autoritratto
Rumore stride
Naturale dentro”
Ruggine è una riflessione sul prodotto dell’antagonismo tra buio e luce nell’uomo. Ruggine è un pensiero drammaturgico che tratta dell’oscuro, l’inquietudine, del capriccio,
della sofferenza; osservando senza giudizio queste emozioni e le azioni che provocano. Ruggine è una dedica alla zona che di solito si occulta con tanto impegno. La coreografia non genera una risposta, ma piuttosto crea un sentiero che permette di immergersi ed attraversare questi stati d’animo e sviscerarli senza pregiudizi. Come in una dedica liberatoria alla parte fastidiosa di noi stessi, la coreografia tratteggia ed attraversa una sequenza priva di cronologia una rappresentazione ideale di ciò che solitamente viene considerato un difetto.
PLAY_BACH DIVERTISSEMENT / Balletto Teatro di Torino
La sfida coreografica è quella di dare concretezza visiva e dinamica all’emozione che ogni nota esprime, cogliendo le sfumature della musica di Bach traducendo in danza un processo di analisi emotiva su ciò che la partitura musicale suggerisce. La violenza e la dolcezza che nascono dalla vibrazione del suonato dovranno avere una corrispondenza fisica creando danze che attraversano mondi di nuove frequenze carnali. Il progetto parte dalla necessità di sfidarsi con le partiture musicali classiche, mai affrontate prima per scoprire nuovi approcci alla coreografia ed aprirsi a nuove visioni dinamiche. Gli studi su Bach saranno una palestra di coreografia, un luogo coreutico mutevole, che non termina la sua evoluzione. La musica dal vivo cuce l’epidermide del danzatore al luogo portandolo ad un altro livello di interpretazione e di ascolto. Al contempo l’aria mossa dai corpi impatta sui musici, rendendo tangibile l’azione della danza sullo strumento.

CREDITI
RUGGINE
Coreografia/danza di Manfredi Perego
Musiche originali di Paolo Codognola
Disegno luci di Roberta Faiolo
Durata 20 minuti
Un lavoro prodotto da Tirdanza, con la coproduzione di Milanoltre Festival, in collaborazione con Fondazione TeatroDue Parma, Europa Teatri
PLAY_BACH DIVERTISSEMENT
Coreografia di Manfredi Perego
Danzatoritrici Flavio Ferruzzi, Lisa Mariani, Luca Tomasoni, Nadja Guesewell, Viola Scaglione
Musiche di J.S. Bach eseguite dal vivo da Janine Bratu
Light design di Roberta Faiolo
Costumi di Majatai
Produzione Balletto Teatro di Torino
In collaborazione con Conservatorio Statale di Musica “Giuseppe Verdi” di Torino
Durata 30 minuti
GLI AUTORI
MANFREDI PEREGO
Nasce a Parma nel 1981 e inizia a studiare danza contemporanea nella scuola di sua madre Lucia Perego. Si laurea all’Accademia di Belle Arti di Bologna e prosegue i suoi studi di danza iniziando al contempo l’attività professionale di danzatore freelance in Svizzera e Germania. Nel 2013 sviluppa il primo progetto personale di movement research. Nel 2014 fonda MP.ideograms e l’anno successivo debutta al Festival Equilibrio e alla Vetrina della Giovane danza d’autore di Ravenna. Nel 2016 partecipa al progetto “VITA NOVA” della Biennale di Venezia con il primo capitolo del progetto “Primitiva”, che prosegue nel 2017 presso Scenario Pubblico di Catania. Nello stesso anno vince il Premio GD’A Giovane Danza D’Autore. Dal 2017 collabora con il BTT Balletto Teatro di Torino come Maestro ospite e dal 2019 come coreografo. È stato Coreografo Associato presso il Centro Nazionale di Produzione della Danza Scenario Pubblico/CZD nel triennio 2019-2021. Nel triennio 2022-24 diventa Coreografo Associato presso il Festival MilanOltre. Attualmente insegna come freelance in diverse formazioni professionali in Italia e all’Estero.
BALLETTO TEATRO DI TORINO
Il Balletto Teatro di Torino è un organismo di produzione, formazione e programmazione nell’ambito della danza.
Sostenuto da MIC, Regione Piemonte, Fondazione Compagnia di San Paolo, Fondazione CRT, Città di Torino, TAP Torino Arti Performative. In rete con NEST Rete degli Organismi di Produzione di Danza del Piemonte.
INFO & BIGLIETTI
BIGLIETTI
Intero: 10 euro
ACQUISTO BIGLIETTI
I biglietti possono essere acquistati online su www.biglietteriafonderia39.it.
Il servizio di biglietteria in Fonderia è attivo dalle ore 17.00.
I biglietti non sono numerati.
CONTATTI
Cell e whatsapp 3341023554
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Prova Aperta - Rhapsody in Blue
2024-01-30 18:00 - 19:00 | Fonderia, via della Costituzione, 39, Reggio Emilia, 42124, Italy
Anche questo mese la Fonderia apre le porte ad una prova aperta con la Compagnia Aterballetto.
Martedì 30 gennaio, alle 18.00, il pubblico della Fonderia potrà assistere alla preparazione di Rhapsody in Blue, la nuova creazione per 16 danzatori che debutterà al Teatro Regio di Parma il 17 febbraio 2024. La creazione, sulle note della celebre rapsodia di George Gershwin, è affidata a Iratxe Ansa e Igor Bacovich, premiati coreografi di fama internazionale.
Le prove aperte sono momenti unici in cui è possibile assistere alla realizzazione di uno spettacolo, dialogare con gli artisti e sorprendersi con l’arte della danza: un’occasione speciale che lascia entrare il pubblico nella routine quotidiana dei danzatori e dei coreografi.

PROVA APERTA - FÀTICO
2024-02-06 20:30 - 21:30 | Fonderia, via della Costituzione, 39, Reggio Emilia, 42124, Italy
Lo spettacolo FÀTICO sarà presentato in prima assoluta il prossimo 18 febbraio, da ORBITA|Spellbound in collaborazione con Festival Equilibrio, al Teatro Palladium di Roma.
FÀTICO è un progetto coreografico e musicale in cui il canto e la danza battono il tempo di tre orazioni. In scena due performer, dotati di un microfono a contatto con la pelle, estensione del corpo, punto di innesco della relazione quasi-fisica con gli spettatori, grazie allo strumento fornito dall’atto vocale.
Qui il canto non è un atto di spontaneità, ma il prodotto di una modificazione, integrazione e potenziamento dell’enciclopedia di questa corporeità. Nelle parole che scandiscono i tempi della coreografia, i riferimenti alla natura e ai sensi lasciano spazio ai ricordi nel loro spazio mentale prima di sciogliersi nelle parole del culto. Procedendo per raccordi e collisioni tra le materie sonica e coreutica, si compone un discorso laico sulla sacralità, chiedendo al pubblico di lasciarsi indirizzare il fàtico ascolta!

Non è dal nulla, è la cima raggiunta dopo una lunga scalata.
La vista delle stelle ora che sai guardare. Questo spettacolo è un canto, la voce che persiste.
Il ritornello mormorato nel campo quando hai le mani ancora sporche dal lavorare.
Fàtico non è solo tempo che scorre, è medicina.
La pozione che esalta e condanna la vita.
Per reinventare la discendenza e la legittimità. Perchè mancava un passo.
Fàtico è una corda, una protesi, un atto, quella potenza che non si può sfruttare.
Quella distanza in cui non ci si è mai toccati, ma quasi.

CREDITI
Progetto, coreografia, scrittura vocale e performance Irene Russolillo
Creazione del suono, scrittura vocale e performance Edoardo Sansonne/Kawabate
Disegno luci e direzione tecnica Valeria Foti
Creazione dei costumi Marta Genovese
Modellista Sandra Barlocci
Collaborazione alla drammaturgia vocale e vocal coaching Patrizia Rotonda
Testi Ladan Osman, Adam Zagajewski, Annamaria Ortese, David Thoreau, Irene Russolillo
Produzione ORBITA|Spellbound – Centro Nazionale di Produzione della Danza di RomaSostegno per le residenze creative Cango – Centro di Rilevante Interesse per la Danza Virgilio Sieni, Fondazione Nazionale della Danza Aterballetto/Centro Coreografico Nazionalecon il supporto di TRAC – Teatri di residenza artistica contemporanea in Puglia e la collaborazione di SPINTIME labs
Durata 45′
GLI AUTORI
IRENE RUSSOLILLO
Irene Russolillo è danzatrice, vocalist, performer e coreografa. Il suo percorso è caratterizzato da un approccio ibrido e transdisciplinare alla scena. Realizza progetti solisti o in collaborazione con artisti visivi, della musica e della danza, in Italia e a livello internazionale. È artista associata di ORBITA|Spellbound centro nazionale di produzione della danza di Roma, città in cui ha base. Le sue ultime creazioni 2022 sono “Dov’è più profondo”, realizzato insieme al producer e compositore Edoardo Sansonne e la ricercatrice e curatrice Irene Pipicelli che debutta al Festival T*Danse di Aosta e “If there is no sun”, di cui è co-autrice insieme al video-artista e regista Luca Brinchi e alla musicista e perfomer Karima DueG, che debutta al Teatro India di Roma. A partire dal 2014, ha ricevuto numerosi riconoscimenti: Premio Equilibrio Best Performer, Premio Masdanza Best Performer, Premio Virginia Reiter Miglior Attrice Under 35 (nomination), Premio Prospettiva Danza; è stata artista selezionata per “Le promesse dell’arte” dell’IIC di Parigi, CROSS Award, Selezione “Bando Abitante” di Virgilio Sieni Danza. È stata artista associata di Oriente Occidente Dance festival, è stata selezionata dai network Crisol e Crossing the Sea, ha collaborato con GRIOT per la produzione “Mirrors” all’interno di Italia Culture Africa 2019. Come danzatrice ha lavorato molti anni per Roberto Castello. Ha inoltre lavorato con Lisi Estaras, Abbondanza-Bertoni e molti altri coreografi. La sua formazione nomadica le ha consentito incontri importanti con pedagoghi sparsi per l’Italia e l’Europa. Su tutti, i primi incontri determinanti per la sua carriera, quelli con Gabriella Musacchio per la danza classica, Ivan Wolfe e il suo movement research, l’Ensemble di Micha Van Hoecke, con cui ha fatto le sue prime esperienze professionali. In seguito con i maestri italiani di Sosta Palmizi e formatori come David Zambrano, Thomas Hauert, o ancora Company Blu per l’improvvisazione, Julyen Hamilton e molti altri. Il suo background include anche la laurea in Scienze Politiche e il DE – diploma francese per l’insegnamento della danza contemporanea.
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Anastasia - L'ultima figlia dello Zar
2024-02-11 18:00 - 19:00 | Fonderia, via della Costituzione, 39, Reggio Emilia, 42124, Italy
Berlino, 1920. Una donna, dopo essere stata salvata dalla morte in un canale e dopo mesi di mutismo in ospedale, rivela di essere Anastasia, l’ultima figlia dei Romanov, i reali russi trucidati dalle milizie bolsceviche nel 1918. Una sopravvissuta. Uno dei casi più misteriosi del Novecento. È lei o non è lei?
Un particolare lo potrebbe svelare… il colore degli occhi… la cicatrice nascosta sotto gli abiti consunti dal tempo e dalla follia. Un modo di dire! Una parola segreta mai rivelata che ora passa di bocca in bocca. Il popolo la vuole, ora. Sono io o non sono io? La memoria giocherà con la sua immagine riflessa nei vetri di una finestra dell’ospedale, chiuso al mondo; lo rivelerà il fischio del treno perso nella neve, la musica di un carillon che improvvisamente la incanterà. Un desiderio, un sogno, un ricordo o la realtà?
La musica batte il tempo e il tempo scorre, fugge come un cavallo, senza tregua e lascia particelle di memoria e desiderio, che diventano una danza senza tempo. La danza esplode nello spazio e, in dialogo con le proiezioni video, ricrea luoghi lontani che trasformano, allargano, sbriciolano le pareti di quell’ospedale nel quale Anastasia è intrappolata nella ricerca di sé stessa.
Ma la realtà è sempre necessaria?
Spettacolo adatto ad un pubblico di tutte le età

CREDITI
Da un’idea di Roberta Ferrara
Regia, drammaturgia, scene e disegno luci Michelangelo Campanale (direttore artistico La luna nel letto)
Coreografie Roberta Ferrara
Interpreti Antonello Amati e Moreno Guadalupi / Giulia Bertoni, Serena Angelini e Rebecca Moriondo
Visual artists Alessandro Vangi e Raffaele Fiorella
Voce narrante Maria Pascale
Costumista Franco Colamorea
Produzione Equilibrio Dinamico Company e La luna nel letto
GLI AUTORI
FERRARA ROBERTA
Roberta Ferrara (1988) fondatrice, direttrice artistica e coreografa dal 2011 di Equilibrio Dinamico Dance Company, con sede nella città di Bari, Puglia, Italia. Nel 2020/21 ricopre il ruolo di direttrice artistica associata per Odyssey Dance Theatre, Singapore, tra le principali organizzazioni di arti professionali della danza in Asia. Da oltre dieci anni è direttrice artistica e coordinatrice dei due programmi internazionali di pedagogia TEEN e ENSEMBLE, ospitando annualmente oltre 30 artisti internazionali. La sua metodologia ha creato un vivaio sempre verde di generazioni future della danza realizzando sinergici interscambi formativi-culturali con diverse formazioni in Inghilterra, India, Giappone, Corea.
Laureata in Lettere Moderne – indirizzo Cultura Teatrale presso l’Università degli Studi di Bari A.Moro, con una tesi sperimentale sul valore del movimento istintivo quale dono terapeutico per danzatori e non danzatori. Appassionata pedagoga, la sua ricerca si amplia attraverso uno studio immersivo con diversi artisti di tecniche, pratiche e linguaggi della danza contemporanea internazionale. Questo connubio pone le basi ad un lavoro creativo personale dedito ad una poetica sempre connessa all’uomo e al suo universo interiore, creando una propria metodologia didattica che si approccia su più livelli di ascolto: corpo – mente – spirito.
Ospite per diverse rinomate realtà della danza tra cui Theater Basel (CH), Teatrul de Balet Sibiu (RO), English National Ballet School (UK), Delattre Dance Company (DE), Northern School of Contemporary Dance (UK), Copenaghen Dance Festival (DNK) Conservatorio Professional de Danza, Lugo (ES), Korea Ballet House (KR), Staatstheater Augsburg (DE), Conservatorio Internacional Annarella Sanchez (PT) Eko Dance Project (IT), Experimental Film Virginia (USA), Teatro Moravo Olomuc (CZ), Odt (SGP).
Le sue creazioni sono state selezionate e invitate in diversi festival internazionali tra cui Masdanza, FIDCMX Mexico, Cortoindanza, Network Danza Urbana XL e Festival Ammutinamenti Anticorpi XL, ZED Festival, Puglia Showcase, DanzInc, BallettGala Staatstheater Bremerhaven, Prospettiva Danza Teatro, Festival delle 100 Scale, Danza in Rete Festival, Lucky Trimmer, Fuoriformato Festival, Vivadança, Albania Dance Meeting, SoloCoreografico USA, Solo Contemporary Dance Festival Ankara, Sid Festival Seattle, Interdans, Split Summer Festival, Quinzena de Dança de Almada e nei Festival Solo Tanz Theater dove riceve il premio migliore coreografa e premio residenza dal direttore e chief choreographer R. Fernando dello Staatstheater Augsburg, Linkage-Contemporary Dance Miniatures Sophia dove riceve l’invito in qualità di coreografa ospite per lo Stara Zagora State Opera dalla direttrice S. Tomova e Premio InDivenire dove riceve il premio miglior progetto di danza consegnato dall’etoile L.Savignano.
Le sue classi e creazioni sono state invitate in Italia, Città del Messico, America, Albania, Kosovo, Vietnam, Belgio, Germania, Croazia, Singapore, India, Giappone, Corea, Portogallo, Turchia, Brasile, Libano, Spagna, Romania, Bulgaria, Svizzera, Repubblica Ceca, Danimarca.

EQUILIBRIO DINAMICO
Equilibrio Dinamico è stata fondata nel 2011 dalla sua attuale direttrice artistica Roberta Ferrara. La compagnia, oggi con sede a Bari, si è posta sotto i riflettori per essere un unicum nel panorama della danza italiana. Riconosciuta dal 2021 dal Ministero della cultura quale Organismo di Produzione della Danza Under35, unica realtà della Regione Puglia. Equilibrio Dinamico viene definita […]“una voce fuori dal coro”, ad evidenziare una strategia artistica in controtendenza rispetto alle “mode” della giovane danza italiana […]* con l’intento di creare una realtà dal profilo europeo che alimenta sinergie tra artisti.
Sin da subito, infatti, Roberta Ferrara ha teso a costruire una compagnia di repertorio contemporaneo dal respiro internazionale chiamando diversi coreografi a creare nuovi lavori. Diverse le voci autoriali che compongono il cahier de danse: Jiří Pokorný, Igor Kirov, Bert Uyttenhove, Matthias Kass & Clément Bugnon, Marco Blázquez, Riccardo Buscarini, Aida Vainieri, Brandon Lagaert sono solo alcune delle voci che hanno contribuito a creare un repertorio a più sguardi affiancato ad un altrettanto significativo repertorio educational a firma di: Imre van Opstal, Guy Shomroni, Lior Tavori, Alejando Moya, Miguel Altunaga Verdecia, Alice Godfrey, Isaiah Wilson, Manuel Rodriguez, Sasha Riva&Simone Repele, Pablo Girolami. Equilibrio Dinamico è invitata in stagioni e festival in Europa, America e Asia stringendo collaborazioni con diversi Istituti Italiani di cultura tra cui Messico, New York, Atene, San Paolo, San Francisco, Ankara, Colonia e Zagabria grazie alla collaborazione dell’attuale direttore generale Vincenzo Losito, responsabile di produzione.
Inoltre, Equilibrio Dinamico sviluppa progetti collaterali di formazione e promozione del pubblico creando un dialogo attivo con il circuito regionale Teatro Pubblico Pugliese e i Comuni consorziati. Dal 2022, anno di celebrazione dei dieci anni del programma internazionale di formazione ENSEMBLE, la compagnia ha siglato una partnership con VERVE, compagnia del corso di laurea specialistica della Northern School of Contemporary Dance, Leeds (UK). Attenta alle nuove voci autoriali nazionali, Equilibrio Dinamico supporta lo sguardo delle nuove generazioni attraverso l’annuale call di residenza ABITARE, un progetto di sostegno produttivo in collaborazione con l’oltre trentennale Festival internazionale multidisciplinare Castel dei Mondi, Andria.
*Carmelo Zapparrata su Hystrio, ANNO XXXV 2/2022 Aprile/Giugno
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Prova Aperta - Rhapsody in Blue
2024-02-12 18:00 - 19:00 | Fonderia, via della Costituzione, 39, Reggio Emilia, 42124, Italy
Anche questo mese la Fonderia apre le porte ad una prova aperta con la Compagnia Aterballetto.
Lunedì 12 febbraio, alle 18.00, il pubblico della Fonderia potrà assistere alla preparazione di Rhapsody in Blue, la nuova creazione per 16 danzatori che debutterà al Teatro Regio di Parma il 17 febbraio 2024. La creazione, sulle note della celebre rapsodia di George Gershwin, è affidata a Iratxe Ansa e Igor Bacovich, premiati coreografi di fama internazionale.
Le prove aperte sono momenti unici in cui è possibile assistere alla realizzazione di uno spettacolo, dialogare con gli artisti e sorprendersi con l’arte della danza: un’occasione speciale che lascia entrare il pubblico nella routine quotidiana dei danzatori e dei coreografi.

YELED / RHAPSODY IN BLUE / SECUS
2024-02-22 20:30 - 21:30, 2024-02-23 20:30 - 21:30 | Fonderia, via della Costituzione, 39, Reggio Emilia, 42124, Italy
Giovedì 22 / venerdì 23 febbraio 2024 – ore 20.30
A febbraio la Compagnia Aterballetto torna a danzare nella Fonderia di Reggio Emilia con un doppio appuntamento.

In scena, un trittico composto da due coreografie di repertorio: Yeled di Eyal Dadon in apertura di serata e Secus di Ohad Naharin a conclusione. Ad intervallarle, la nuova produzione creata da Iratxe Ansa e Igor Bacovich sulle note di George Gershwin, in debutto al Teatro Regio di Parma il 17 febbraio: Rhapsody in Blue.
La serata coinvolge l’intera compagnia di 16 danzatori e danzatrici: nella prima creazione il coreografo israeliano Eyal Dadon conduce una riflessione sul momento della vita in cui si perde l’innocenza dei bambini; con Rhapsody in Blue Iratxe Ansa e Igor Bacovich offrono una lettura innovativa della celebre rapsodia di Gershwin, proprio all’alba dei 100 anni dalla composizione; conclude Secus, il capolavoro eclettico di Ohad Naharin, una coreografia audace e stravagante fatta di corse, assoli, gesti tersi e duetti interrotti.

E’ consigliato l’acquisto di biglietti online. Sarà possibile prenotare telefonicamente, tramite e-mail e WhatsApp, da martedì 13 febbraio 2024.

CREDITI
YELED
Creazione per 16 danzatori della compagnia
Coreografia Eyal Dadon
Musica Eyal Dadon
Set e luci Fabiana Piccioli
Costumi Bregje Van Balen
Produzione Fondazione Nazionale della Danza / Aterballetto
Coproduzione Fondazione I Teatri di Reggio Emilia
Con il contributo dell’Ufficio Culturale dell’Ambasciata di Israele in Italia
Premiere 27 Aprile 2022, Reggio Emilia, Teatro Municipale Valli
Durata 30′
—
RHAPSODY IN BLUE
Creazione per 16 danzatori della compagnia
Coreografia Iratxe Ansa e Igor Bacovich
Musica George Gershwin, Rhapsody in Blue
Scene e costumi Fabio Cherstich
Luci Eric Soyer
Produzione Fondazione Nazionale della Danza / Aterballetto
In coproduzione con Fondazione Teatro Regio di Parma
Premiere 17 febbraio 2024, Teatro Regio di Parma
Durata 20′
—
SECUS
Riallestimento per 16 danzatori della compagnia
Coreografia Ohad Naharin
Musica Chari Chari, Kid 606 + Rayon (mix: Stefan Ferry), AGF, Chronomad (Wahed), Fennesz, Kaho Naa Pyar Hai, Seefeel, The Beach Boys
Sound design & editing Ohad Fishof
Costumi Rakefet Levy
Luci Avi Yona Bueno (Bambi)
Assistenti alla coreografia Rachael Osborne, Ian Robinson
Creazione per Batsheva Dance Company (all’interno di Three, 2005)
Produzione Fondazione Nazionale della Danza / Aterballetto
Coproduzione Festival Oriente Occidente (I), Les Halles de Schaerbeek (B), Malraux scène nationale Chambéry Savoie (F)
Premiere 6 Settembre 2019, Festival Oriente Occidente, Teatro Zandonai, Rovereto
Durata 30’

Info & Biglietti
BIGLIETTI
Intero: 10 euro
Ridotto under 30, scuole di danza, Liceo Coreutico Matilde di Canossa, over 65, soci CRAL Comune di Reggio Emilia: 6 euro
Ridotto under 8: 3 euro
ACQUISTO BIGLIETTI
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Il servizio di biglietteria in Fonderia è attivo dalle ore 19.30.
I biglietti non sono numerati.
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PROVA APERTA - LENA
2024-02-29 18:00 - 19:00 | Fonderia, via della Costituzione, 39, Reggio Emilia, 42124, Italy
Lena è una performance che nasce dall’indagine attorno al gesto della spinta, inteso come gesto relazionale plurivalente.
L’oggetto a cui questa ricerca fa riferimento è l’altalena: un oggetto dalla semplicità ancestrale di cui tutti conosciamo la sensazione e la condizione. Un oggetto in grado di restituirci una dinamica di movimento specifica ed esclusiva.A partire da queste premesse e dall’indagine attorno all’oggetto altalena, del quale viene riportata anche la dimensione ludica, la performance si indirizza nella ricerca di quella zona grigia che sta tra il gioco e il violento, tra il ludico e il sadico, tra lo scherzo e il dispetto.La spinta nella sua ripetizione cambia di senso, sprigiona diversi immaginari, acquisisce nuovi valori: è un gesto che nella sfera relazionale va spesso a definire ruoli di potere e forza.
Questa ricerca intende indagare i diversi significati che questo gesto porta con sé, racchiudendoli, mostrandoli e trasformandoli attraverso la ripetizione di una dinamica. In questo dialogo fisico si compone un meccanismo di corpi spinti e spingenti, una macchina umana fatta di azioni e reazioni, in cui l’intenzione all’origine del gesto si perde e si confonde.

CREDITI
La ricerca si è sviluppata grazie al confronto in sala, nei diversi momenti del processo, con le performer Teodora Grano, Chiara Luccisano, Michael Incarbone, Erica Bravini, Daria Greco, Elena Bastogi, Luca Della CorteE con il Light Designer Francesco Tasselli
Interpreti Giulia Cannas, Claudio Larena, Marta Magini
Consulenza artistica Sofia Naglieri
Sound Designer Lorenzo Minozzi
Light Designer Francesco Tasselli
Progetto sostenuto da Artisti Associati; Associazione Culturale Chiasma; Fondazione Nazionale della Danza / Aterballetto
GLI AUTORI
CLAUDIO LARENA
Giovane autore e performer che spazia tra i linguaggi dell’installazione, della danza e della performance. Dopo il debutto in forma di studio del suo primo lavoro, presso il RomaEuropaFestival 2020, prosegue il suo percorso autoriale con l’ideazione di tre nuovi progetti: -LENA; Le Spinte; Stiamo Lavorando per voi (ci scusiamo per il disagio). Si forma prendendo parte a workshop con artistI nazionali ed internazionali, con particolare attenzione all’ambito performativo. I suoi progetti autoriali si declinano sempre in diversi formati: la performance urbana e la scrittura scenica; la performance di parola e la ricerca coreografica. Artigiano per formazione, si interroga spesso sull’entità degli oggetti, sui loro significati, sulla relazione fisica, storica o concettuale che scaturisce dal nostro rapporto con questi.

INFO & BIGLIETTI
BIGLIETTI
Intero: 3 euro
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PROVA APERTA - THE RED SHOES
2024-03-02 18:00 - 19:00 | Fonderia, via della Costituzione, 39, Reggio Emilia, 42124, Italy
Prova aperta ore 18.00 – Spettacolo ore 20.30
Danzatori e danzatrici del Nuovo Balletto di Toscana portano in scena The Red Shoes, firmato dal pluripremiato coreografo tedesco Philippe Kratz, dedicato all’omonima fiaba di Hans Christian Andersen.
Come nella fiaba della ragazza Karen e di un paio di strane scarpe rosse, Andersen sfida ripetutamente nelle sue opere la tradizionale giustapposizione tra soggetto e oggetto. La creazione di Kratz, con musiche appositamente composte da Pierfrancesco Perrone, affronta questo legame stranamente indissolubile, che non è determinato solo dall’utilità funzionale o dal vano desiderio di possesso, ma può comportare anche una perdita di autonomia. Le proiezioni legate ai desideri che dominano il nostro mondo delle merci e dei consumi vengono riprese anche dividendo in due lo spazio scenografico. In contrasto con la fiaba, che si conclude con la violenta liberazione della protagonista dalle scarpette rosse e con la sua redenzione, la coreografia di Kratz si concentra infine sulla messa in discussione del ruolo degli oggetti nelle relazioni interpersonali.
Non percepisco Karen come disobbediente o vanitosa; una prospettiva che è enfatizzata nella fiaba. Al giorno d’oggi siamo così abituati a consumare e spesso vediamo i prodotti come un mezzo per raggiungere un fine, per farci notare dagli altri, per relazionarci con gli altri e per enfatizzare la nostra individualità. Anche Karen cerca di entrare in contatto con gli altri e di trovare sicurezza attraverso le scarpe rosse. In questo fallisce miseramente. Eppure, ciò che cerca corrisponde a un desiderio che molti di noi probabilmente conosciamo: appartenere a un collettivo e tuttavia rimanere un individuo.
Philippe Kratz

.

CREDITI
Coreografia e scenografia: Philippe Kratz (Reggio Emilia/Leverkusen)
Drammaturgia: Sarah Ströbele (Lipsia/Magdeburgo)
Musica: Pierfrancesco Perrone
Luci: Giulia Maria Carlotta Pastore (Light Designer)
Costumi: Grace Lyell (Parigi)
Prima Rappresentazione: 19 Ottobre 2023, Teatro Sociale Di Trento
Durata: 60 Minuti
Interpreti: Nuovo Balletto Di Toscana, 10 Danzatrici E Danzatori (Firenze)
GLI AUTORI
NUOVO BALLETTO DI TOSCANA

Il Nuovo Balletto Di Toscana è una struttura produttiva di rigoroso impianto professionale, nato nel 2018 con un organico formato da 10 danzatori. Il programma artistico della compagnia fiorentina, anche grazie a una équipe di collaboratori e autori di fama, a fianco di Cristina Bozzolini, richiama una costante e coerente linea culturale con l’affermazione del primato della coreografia contemporanea e una pluralità di linguaggi espressivi.

Da diversi anni vanta un rapporto consolidato con il Teatro del Maggio Musicale Fiorentino, con la rappresentazione di balletti a serata intera, come La Bella Addormentata di Diego Tortelli e Cenerentola firmata da Jiří Bubeníček, oltre alla partecipazione all’interno di alcune opere quali: Le Villi coreografia di Susanna Sastro, Fernando Cortez coreografia di Alessio Maria Romano e Die Fledermaus coreografia di Karl Schreiner.

Contemporaneamente la compagnia si è impegnata in una nuova creazione di Arianna Benedetti portando in scena lo spettacolo dal titolo Pulcinella, Uno di Noi vincitore nel 2019 del bando SIAE Per chi crea. Le collaborazioni del NBDT si estendono inoltre ad altri prestigiosi teatri italiani tra cui La Fenice di Venezia e il Teatro Regio di Parma e attualmente prosegue le tournée in Italia e all’estero con Cenerentola di Jiri Bubenicek, Bayadère – il regno delle ombre, di Michele Di Stefano (a cui è stato conferito il premio Danza&Danza come migliore produzione italiana del 2021), Quatuor pour la fin du temps di Mario Bermùdez Gil e Midnight Youth di Philippe Kratz.

PHILIPPE KRATZ
Vincitore del 32° Concorso Internazionale di Coreografia di Hannover e Coreografo dell’anno 2019 (Danza&Danza), Kratz è noto per il suo variegato linguaggio compositivo che combina la danza contemporanea con elementi tecnici provenienti dall’hip hop e dalla danza classica
europea. Recentemente ha presentato la sua coreografia ‘Solitude Sometimes‘al Teatro alla Scala di Milano, condividendo la serata con autori apprezzati nei teatri di tuttoil mondo quali Jiří Kylián, Nacho Duato, David Dawson, invitato dal direttore del corpo di ballo scaligero Manuel Legris.

INFO & BIGLIETTI
BIGLIETTI
Intero: tre euro
ACQUISTO BIGLIETTI
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Il servizio di biglietteria in Fonderia è attivo dalle ore 17.00.
I biglietti non sono numerati.
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Cell e whatsapp 3341023554
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THE RED SHOES - NBDT/PHILIPPE KRATZ
2024-03-02 20:30 - 21:30 | Fonderia, via della Costituzione, 39, Reggio Emilia, 42124, Italy
Prova aperta ore 18.00 – Spettacolo ore 20.30
Danzatori e danzatrici del Nuovo Balletto di Toscana portano in scena The Red Shoes, firmato dal pluripremiato coreografo tedesco Philippe Kratz, dedicato all’omonima fiaba di Hans Christian Andersen.
Come nella fiaba della ragazza Karen e di un paio di strane scarpe rosse, Andersen sfida ripetutamente nelle sue opere la tradizionale giustapposizione tra soggetto e oggetto. La creazione di Kratz, con musiche appositamente composte da Pierfrancesco Perrone, affronta questo legame stranamente indissolubile, che non è determinato solo dall’utilità funzionale o dal vano desiderio di possesso, ma può comportare anche una perdita di autonomia. Le proiezioni legate ai desideri che dominano il nostro mondo delle merci e dei consumi vengono riprese anche dividendo in due lo spazio scenografico. In contrasto con la fiaba, che si conclude con la violenta liberazione della protagonista dalle scarpette rosse e con la sua redenzione, la coreografia di Kratz si concentra infine sulla messa in discussione del ruolo degli oggetti nelle relazioni interpersonali.
Non percepisco Karen come disobbediente o vanitosa; una prospettiva che è enfatizzata nella fiaba. Al giorno d’oggi siamo così abituati a consumare e spesso vediamo i prodotti come un mezzo per raggiungere un fine, per farci notare dagli altri, per relazionarci con gli altri e per enfatizzare la nostra individualità. Anche Karen cerca di entrare in contatto con gli altri e di trovare sicurezza attraverso le scarpe rosse. In questo fallisce miseramente. Eppure, ciò che cerca corrisponde a un desiderio che molti di noi probabilmente conosciamo: appartenere a un collettivo e tuttavia rimanere un individuo.
Philippe Kratz

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CREDITI
Coreografia e scenografia: Philippe Kratz (Reggio Emilia/Leverkusen)
Drammaturgia: Sarah Ströbele (Lipsia/Magdeburgo)
Musica: Pierfrancesco Perrone
Luci: Giulia Maria Carlotta Pastore (Light Designer)
Costumi: Grace Lyell (Parigi)
Prima Rappresentazione: 19 Ottobre 2023, Teatro Sociale Di Trento
Durata: 60 Minuti
Interpreti: Nuovo Balletto Di Toscana, 10 Danzatrici E Danzatori (Firenze)
GLI AUTORI
NUOVO BALLETTO DI TOSCANA

Il Nuovo Balletto Di Toscana è una struttura produttiva di rigoroso impianto professionale, nato nel 2018 con un organico formato da 10 danzatori. Il programma artistico della compagnia fiorentina, anche grazie a una équipe di collaboratori e autori di fama, a fianco di Cristina Bozzolini, richiama una costante e coerente linea culturale con l’affermazione del primato della coreografia contemporanea e una pluralità di linguaggi espressivi.

Da diversi anni vanta un rapporto consolidato con il Teatro del Maggio Musicale Fiorentino, con la rappresentazione di balletti a serata intera, come La Bella Addormentata di Diego Tortelli e Cenerentola firmata da Jiří Bubeníček, oltre alla partecipazione all’interno di alcune opere quali: Le Villi coreografia di Susanna Sastro, Fernando Cortez coreografia di Alessio Maria Romano e Die Fledermaus coreografia di Karl Schreiner.

Contemporaneamente la compagnia si è impegnata in una nuova creazione di Arianna Benedetti portando in scena lo spettacolo dal titolo Pulcinella, Uno di Noi vincitore nel 2019 del bando SIAE Per chi crea. Le collaborazioni del NBDT si estendono inoltre ad altri prestigiosi teatri italiani tra cui La Fenice di Venezia e il Teatro Regio di Parma e attualmente prosegue le tournée in Italia e all’estero con Cenerentola di Jiri Bubenicek, Bayadère – il regno delle ombre, di Michele Di Stefano (a cui è stato conferito il premio Danza&Danza come migliore produzione italiana del 2021), Quatuor pour la fin du temps di Mario Bermùdez Gil e Midnight Youth di Philippe Kratz.

PHILIPPE KRATZ
Vincitore del 32° Concorso Internazionale di Coreografia di Hannover e Coreografo dell’anno 2019 (Danza&Danza), Kratz è noto per il suo variegato linguaggio compositivo che combina la danza contemporanea con elementi tecnici provenienti dall’hip hop e dalla danza classica
europea. Recentemente ha presentato la sua coreografia ‘Solitude Sometimes‘al Teatro alla Scala di Milano, condividendo la serata con autori apprezzati nei teatri di tuttoil mondo quali Jiří Kylián, Nacho Duato, David Dawson, invitato dal direttore del corpo di ballo scaligero Manuel Legris.

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Intero: 10 euro
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PROVA APERTA - Puccini’s Opera. Voci di donne
2024-03-05 18:00 - 19:00 | Fonderia, via della Costituzione, 39, Reggio Emilia, 42124, Italy
Compagnia Artemis Danza, con questa nuova creazione di Monica Casadei, dedica il suo progetto artistico alla rappresentazione, indagine e interpretazione in chiave contemporanea di quattro affascinanti eroine del compositore lucchese: Tosca, Madama Butterfly, Mimì e Turandot.
La comprensione della musica pucciniana passa dall’analisi del suo profondo rapporto con il mondo femminile. Messaggio chiaro fin dai titoli scelti per i suoi più celebri lavori: Tosca, Butterfly, Turandot, La Bohème. Un caleidoscopio di personalità diverse, un universo colmo di sfaccettature, sensibilità. Nei quattro quadri che compongono Puccini’s Opera, riconoscibili pur senza alcuna necessità didascalica, ritroviamo la lettura personale di Casadei sul tema del femminile, posto al centro di un processo di reinterpretazione coreografica, visiva e musicale. L’amore tragico, l’amore contrastato e osteggiato, l’amore crudele che annienta, la bramosia di possesso che porta alla distruzione, vivono nei volti, nei corpi, nei gesti della Compagnia e non smettono di farci riflettere sull’attualità di storie che hanno commosso il pubblico di tutto il mondo. La creazione è permeata di un’atmosfera struggente, colma di tensione e suggestione poetica.
Alla partitura orchestrale di Puccini si contrappongono le tracce elettroniche dei compositori Luca Vianini e Fabio Fiandrini che disegnano uno spazio sonoro avvolgente e a tratti apocalittico. Una danza corale, gonfia di impulsi e passioni, istintiva e a tratti selvaggia, che fa un uso vorticoso dello spazio e appare, anche simbolicamente, come visivamente piena: assoli protetti da cornici di insiemi in una dinamica accelerata da forze propulsive fanno vivere nel corpo e nelle viscere il dramma e le passioni delle protagoniste.

CREDITI
Coreografia,regia,scene, luci e costumi Monica Casadei
Musiche Giacomo Puccini
Elaborazione musicale Fabio Fiandrini
Produzione Compagnia Artemis Danza
Coproduzione Fondazione Teatro Comunale di Ferrara
Con il contributo di Ministero della Cultura, Regione Emilia-Romagna – Assessorato alla Cultura, Comune di
Parma
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Intero: 3 euro
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Il servizio di biglietteria in Fonderia è attivo dalle ore 17.00.
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PROVA APERTA - Corpi violati #DjOperaNoir
2024-03-06 18:00 - 19:00 | Fonderia, via della Costituzione, 39, Reggio Emilia, 42124, Italy
In CorpiViolati brulica una comunità di corpi, femminili e maschili, tredici in totale, stretta nella memoria di una ferita. Ancora aperta o cicatrizzata, questa ferita si riverbera sulla scena in una danza incessante nutrita di impulsi, istinti, rabbia e dolore, in cui a travolgenti danze di gruppo si intercalano duetti e assoli, e a corpi indifesi si affiancato corpi violenti e spietati di aggressori su cui non cala mai un velo di pietà almeno fino a quando non diventano loro stessi vittime.
Partita dalla ricerca di testimonianze di vittime di stupri e soprusi e da un lavoro improvvisativo in sala con i danzatori, Monica Casadei costruisce uno spettacolo oscillante tra crudo realismo e poesia dettata da un possibile riscatto. Al centro le vittime troppo spesso colpevolizzate e messa all’angolo nei lunghi iter giudiziari affrontati per ottenere giustizia in uno spazio scenico spoglio su cui troneggiano due banchi da imputati e un fondale damascato oro e nero. Colori antitetici – da un lato la brillantezza e la luce dell’oro, dall’altra l’oscurità enigmatica del nero – per una preziosa tappezzeria di un immaginario focolare domestico in cui dovrebbero regnare rispetto e amore. Sul piano musicale, il remix di campionature elettroniche di Fiandrini fluisce e rifluisce nella storia nel melodramma e nella musica sinfonica.

CREDITI
Coreografia, regia, scene, luci e costumi Monica Casadei
Live Electronics Fabio Fiandrini
Produzione Compagnia Artemis Danza/Monica Casadei
Coproduzione Festival di Danza Contemporanea Teatro Comunale di
Ferrara
In collaborazione con Comune di Rimini e Teatro Galli
Con il contributo di Ministero della Cultura, Regione Emilia Romagna,
Comune di Parma
INFO & BIGLIETTI
BIGLIETTI
Intero: 3 euro
ACQUISTO BIGLIETTI
I biglietti possono essere acquistati online su www.biglietteriafonderia39.it.
Il servizio di biglietteria in Fonderia è attivo dalle ore 17.00.
I biglietti non sono numerati.
CONTATTI
Cell e whatsapp 3341023554
Email biglietteria@aterballetto.it

COL TEMPO - AMBRA SENATORE
2024-03-13 20:30 - 21:30 | Fonderia, via della Costituzione, 39, Reggio Emilia, 42124, Italy
Ambra Senatore ama sorprendere e portare lo spettatore con malizia e una punta di provocazione su percorsi, veri o falsi, con i quali gioca e si prende gioco dello spettatore stesso. Come sempre nelle sue coreografie, i personaggi si delineano, le situazioni e le storie si sviluppano. Le discrepanze inattese, l’assurdo e la distrazione dal reale sono gli ingredienti principali delle sue coreografie. Ambra Senatore vuole creare lo stupore, se ne va per scatenare una risata. Fine osservatrice del mondo umano, è sempre attenta, l’esser altro è la sua seconda natura e dà un significato preciso alla sua danza. Ecco perché spesso rompe il quarto muro diventando complice degli spettatori, giocando con loro e interpellandoli. Dieci anni dopo la sua prima coreografia di gruppo intitolata Passo, Ambra Senatore si dedica a una nuova creazione con la complicità degli interpreti di allora. Oggi riunisce infatti questo gruppo di ballerini, ormai ben rodati dopo dieci anni di lavoro insieme, per realizzare una danza generosa e aperta verso l’altro; un passo a quattro sull’essere un gruppo, interrogandosi sull’esistenza e desiderando la felicità.

CREDITI
Coreografia Ambra Senatore con la partecipazione degli/delle interpreti
Interpretazione Caterina Basso, Claudia Catarzi, Matteo Ceccarelli, Ambra Senatore
Musica Originale Jonathan SeilmanLuci Fausto BonviniDurata 1hProduzione CNN de Nantes
Coproduzione Théâtre de La Ville (Parigi), Torinodanza Festival/Teatro Stabile – Teatro Nazionale Torino
LA COREOGRAFIA
“Abbiamo iniziato le prove a fine gennaio 2020 e uno dei motivi di base era la riflessione sull’atto creativo nel contesto storico, politico e sociale: riflessione ispirata anche dagli interessanti incontri con scienziati e filosofi con punti di vista diversi sul mondo e sul presente, realizzati attraverso il progetto Conversation, dialogue ouvert avec la danse. Essendo una piccola comunità facente parte di una comunità ben più grande, ci siamo chiesti quali erano i nostri desideri e come realizzarli insieme. Alcuni di essi possono essere realizzati sul palcoscenico. E gli altri? Non trovando sempre le risposte, abbiamo nel frattempo giocato con le domande. Poco dopo l’inizio delle prove, il tempo si è fermato per tutti. Per lungo tempo, comprimendosi. Le settimane di prove sono state ridotte della metà. I desideri e le domande non avevano più niente a che fare con l’esperienza inattesa degli ultimi mesi. Nel momento in cui scrivo queste righe, lo spettacolo non esiste ancora. Esisterà grazie all’incontro con gli spettatori. Creare uno spettacolo è come viaggiare: ci si prepara, si fanno le prove ma ci sono sempre tante sorprese e imprevisti. Siamo all’inizio del viaggio e non so quale forma prenderà esattamente. Certo, la voglia di danzare e di sentirsi bene insieme è presente fin dall’inizio, con la speranza che sia possibile su larga scala.”Ambra Senatore
AMBRA SENATORE
AMBRA SENATORE

Ambra Senatore, coreografa e interprete, direttrice del Centre Chorégraphique National de Nantes. La danza di Ambra Senatore è vicina all’essere umano e ama uscire e incontrare persone e luoghi. La coreografa crea opere che parlano della collettività e creano legami tra le persone. Le relazioni sono al centro di tutta la sua ricerca. Nel suo lavoro la vita quotidiana è “osservata con la lente d’ingrandimento”, spostata e capovolta. Amante delle sorprese, dei tagli e delle ripetizioni che ricordano il cinema, Ambra Senatore ricompone la realtà alla maniera di un regista. In Italia si è formata con R. Castello e R. Giordano, con cui ha presto collaborato. Come interprete ha lavorato con J. C. Gallotta, G. Rossi, G. Lavaudant e A. Tagliarini. All’inizio degli anni Duemila crea pezzi in collaborazione mentre completa un dottorato in danza contemporanea. Nel 2004 ha iniziato a scrivere coreografie con assoli, che ha eseguito fino al 2009, e poi con pezzi di gruppo, affermando il suo stile ibrido che unisce danza, teatro e profonda umanità. Come direttrice del CCN di Nantes dal 2016, Ambra Senatore promuove uno stile di danza generoso e curioso (creazioni site-specific in parchi pubblici, mercati, scuole, musei, siti del patrimonio, stazioni ferroviarie, ecc.), che considera un mezzo per condividere e conoscere sé stessi e gli altri.

INFO & BIGLIETTI
BIGLIETTI
Intero: 10 euro
ACQUISTO BIGLIETTI
I biglietti possono essere acquistati online su www.biglietteriafonderia39.it.
Il servizio di biglietteria in Fonderia è attivo dalle ore 17.00.
I biglietti non sono numerati.
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Cell e whatsapp 3341023554
Email biglietteria@aterballetto.it
