NUBIVAGO
2022-02-09 20:30 - 22:00 (Europe/Rome) | Fonderia, via della Costituzione, 39, Reggio Emilia, 42124, Italy
Equilibrio Dinamico Dance Company – Simple Love – ph. Stefano Sasso

Nubìvago, un termine che evoca sospensione e magia, descrive chi vaga tra i propri pensieri, tra le nuvole dell’immaginazione, restando affascinato dai panorami che può scorgervi. Chi è nubìvago non si perde, ma trae piacere da un viaggio che si svolge fra ragione e sogno.
Le sensazioni evocate dalla parola Nubìvago legano, nella visione di Roberta Ferrara, i tre titoli portati in scena da Equilibrio Dinamico: tre coreografie creatrici di cosmi, interrogativi, emozioni ed empatia.

WALKING AND TALKING
Coreografia e Set Concept: Jiří Pokorný
Disegno Luci: Jiří Pokorný
Costumi: Enzo Toma
Produzione: Equilibrio Dinamico
Durata: 20′
Realizzato durante la residenza coreografica “Experimental” sostenuta daI Teatro Pubblico Pugliese, Regione Puglia – Fondi Fesr 2007-2013.
Nessun cammino si compie in solitudine, perché il pensiero, mai immobile, tormenta il nostro viaggio. Un dialogo incoerente spinge, sposta e arresta il passo. Il ritmo vacilla istante dopo istante. La vita passa mentre i pensieri si evolvono, fluiscono e ci trascinano via. Si può credere alle contraddizioni? La risposta di Jiří Pokorný è sì.

CONTINUUM
Coreografia e set concept: Matthias Kass & Clément Bugnon
Disegno Luci: Matthias Kass & Clément Bugnon
Costumi: Matthias Kass & Clément Bugnon
Durata: 15′
Si parla costantemente di tempo: “hai tempo di parlare con me” o “Non ho abbastanza tempo per terminare questo lavoro”. Ciò che si invoca però non è che un semplice intervallo, una finestra temporale che circoscrive il compiersi delle azioni. L’alba e il tramonto, la notte e il giorno, si succedono senza che si comprenda davvero quanto in fretta si stia esaurendo il tempo che abbiamo a disposizione. Se poi lo sguardo si volge verso un orizzonte più ampio, ecco che tutto diventa sfuggente, e la complessità del tempo ci lascia totalmente impotenti.

SIMPLE LOVE
Coreografia e Set Concept: Roberta Ferrara
Disegno Luci: Roberta Ferrara
Consulenza Musicale: Vito Causarano
Costumi: Franco Colamorea
Durata: 20′
Spettacolo vincitore Festival InDivenire 2018 sezione Danza. Miglior danzatrice e miglior danzatore
Un canto all’amore perduto, un racconto fragile e celebrativo. La gestualità prende il posto della parola e racconta corpi che con impeto si snodano, si confrontano, si attendono e si osservano. Un vortice, una sfida di equilibri e compromessi da trovare sia col corpo che col cuore, e la mente.

EQUILIBRIO DINAMICO
Voluta e guidata dalla coreografa Roberta Ferrara, la compagnia Equilibrio Dinamico nasce in Puglia nel 2011 per offrire, ad un selezionato gruppo di danzatori del Sud Italia, la possibilità di cimentarsi in un repertorio eclettico e di caratura internazionale. L’apertura ad una sperimentazione di qualità, un lavoro drammaturgico certosino ed efficace, definiscono la produzione della stessa Ferrara e quella dei coreografi chiamati a collaborare con Equilibrio Dinamico. Nel 2014 Vincenzo Losito si unisce alla compagnia assumendo il ruolo di responsabile organizzativo e di produzione, e contribuendo ad aumentare la visibilità internazionale del gruppo. Grazie ad un efficace network di scambi con l’Europa e l’Asia, sostenuto dal Teatro Pubblico Pugliese e, fra gli altri, degli Istituiti Italiani di Cultura di Colonia, Messico, New York, Atene, San Paolo del Brasile, San Francisco e Zagabria, la compagnia va in scena in paesi quali Stati Uniti, Messico, Singapore, Belgio, Germania, Grecia, Albania, Kosovo, India, Giappone, Spagna, Brasile, ODT International – Singapore, Korea Ballet House – Seoul, Staatstheater Ballet Augsburg – Germania e Teatrul De Balet Sibiu – Romania.
equilibriodinamico.org
INFO & BIGLIETTI
BIGLIETTI
Intero: 9 euro
Ridotto under 30, scuole di danza, Liceo Coreutico Matilde di Canossa, over 65, soci CRAL Comune di Reggio Emilia: 6 euro
Ridotto under 8: 3 euro
ACQUISTO BIGLIETTI
Nel rispetto delle normative anti-Covid, i biglietti possono essere acquistati soltanto online su www.biglietteriafonderia39.it.
Pertanto i biglietti non possono essere prenotati al telefono o via e-mail.
Il servizio di biglietteria in Fonderia è sospeso.
I biglietti non sono numerati.
INGRESSO
È possibile accedere in Fonderia 15 minuti prima dello spettacolo, mostrando l’acquisto online.
All’ingresso verrà provata la temperatura, impedendo l’accesso in caso di temperatura superiore a 37,5°C. In base all’ultimo decreto legge in materia di norme anticovid, l’accesso in Fonderia è consentito esclusivamente agli spettatori muniti di Green Pass rafforzato in corso di validità e mascherina di tipo Ffp2. La disposizione non si applica ai soggetti di età inferiore ai 12 anni e ai soggetti esenti sulla base di idonea certificazione medica rilasciata secondo i criteri definiti dal Ministero della Salute.
Il personale addetto al servizio di controllo ha l’obbligo di verificare tale certificazione al momento dell’ingresso.
Il pubblico è tenuto a indossare correttamente la mascherina di tipo Ffp2 per tutta la durata dell’evento.

PATCHWORK, UN MOSAICO DI STORIE
2022-02-12 17:30 - 18:30, 2022-02-13 17:30 - 18:30
Patchwork, un mosaico di storie, scritto e diretto a quattro mani, è frutto di una coproduzione internazionale.
La produzione ha due cast gemelli uno italiano e uno canadese. Lo spettacolo, più visuale ed espressivo che di parola, affronta il tema dell’identità nella società contemporanea e multiculturale di oggi mettendo in scena l’incontro di due personaggi che si esprimono in italiano, inglese e francese senza ostacolare la comprensione del racconto.

CREDITI
Testo e regia Cristina Cazzola e Carol Cassistat
Scritto in collaborazione con Lucio Diana
Con Sara Zoia e Daniele Tessaro
Scene e Luci Lucio Diana
Musiche originali Nicolas Jobin
Produzione Accademia Perduta/Romagna Teatri, Théâtre du Gros Mécano (Québec City), Segni d’infanzia Associazione, Atrium de Chaville (Parigi), Musée national des beaux arts du Québec (Parigi), Museo Benaki (Atene)
Durata 55′
Età consigliata dai 5 anni in su
L'ISPIRAZIONE
Chi siamo noi?
Come si costruisce la nostra identità?
Siamo partiti da un’immagine.
Una coperta patchwork, una courtepointe come la chiamano in Québec, fatta di tanti pezzi di stoffa diversi.
Spesso tessuta a più mani, può raccontare la storia di una persona, di unevento, di un’intera famiglia o di una generazione. Parla dell’identità fatta di tanti frammenti diversi, parla di noi, e del nostro essere multiculturali, dell’umanità sempre più multicolore e multietnica, ma con radici che si intrecciano.
Storie di famiglia e alberi genealogici che non possono che contenere ed essere il frutto di molti viaggi. Un’identità generata da incontri e scontri, frutto di mille migrazioni.
E così si costruisce la nostra storia privata, la nostra identità, un mosaico di storie che partendo dall’Africa con la nostra antenata Lucy la prima australopiteco, ripercorre i grandi viaggi dell’umanità.
Patchwork, un mosaico di storie – ph. Gianluca Bonazzi
LA TRAMA
Due personaggi s’incontrano in un luogo senza spazio e senza tempo.
Lui è un antropologo, lei una sarta si trovano per motivi di lavoro in un luogo di passaggio, un aeroporto.
Non parlano la stessa lingua ma comunicando con sguardi, gesti e parole semplici usando il potere narrativo degli oggetti creano un linguaggio comune che rende possibile e divertente la comunicazione.
Ogni dettaglio del loro bagaglio racconta qualcosa, alcuni oggetti li accomunano, altri li sorprendono e iniziano così a raccontare viaggi e avventure di famiglia. L’incontro presto si trasforma in un gioco teatrale dove adulti e bambini sono coinvolti nella riflessione su due domande che da sempre ci accompagnano: chi siamo e da dove veniamo.
Un divertente percorso a ritroso fra i rami degli alberi genealogici e le migrazioni che hanno costruito la storia dell’umanità, per scoprire che, da sempre, la nostra identità è un patchwork, parte di una Storia più grande dove ciascuno di noi è un unico e indispensabile tassello.
Patchwork, un mosaico di storie – ph. Leon Biagi
INFO & BIGLIETTI
BIGLIETTI
Unico: 6 euro
ACQUISTO BIGLIETTI
Nel rispetto delle normative anti-Covid, i biglietti possono essere acquistati soltanto online su www.biglietteriafonderia39.it.
Pertanto i biglietti non possono essere prenotati al telefono o via e-mail.
Il servizio di biglietteria in Fonderia è sospeso.
I biglietti non sono numerati.
INGRESSO
È possibile accedere in Fonderia 15 minuti prima dello spettacolo, mostrando l’acquisto online.
All’ingresso verrà provata la temperatura, impedendo l’accesso in caso di temperatura superiore a 37,5°C. In base all’ultimo decreto legge in materia di norme anticovid, l’accesso in Fonderia è consentito esclusivamente agli spettatori muniti di Green Pass rafforzato in corso di validità e mascherina di tipo Ffp2. La disposizione non si applica ai soggetti di età inferiore ai 12 anni e ai soggetti esenti sulla base di idonea certificazione medica rilasciata secondo i criteri definiti dal Ministero della Salute.
Il personale addetto al servizio di controllo ha l’obbligo di verificare tale certificazione al momento dell’ingresso.
Il pubblico è tenuto a indossare correttamente la mascherina di tipo Ffp2 per tutta la durata dell’evento.

ANTIdoti
2022-02-20 20:30 - 21:15
INC InNprogressCollective – ANTIdoti – ph. Francesco Agnello
ANTIdoti rimedi alla decadenza culturale contemporanea
6 giovanissimi danzatori, 6 personalità diversissime tra loro diventano lo specchio della gioventù contemporanea che, insieme al coreografo, esplorano e si interrogano su “facciate” e “contenuti”, facendo di se stessi portavoci di una intelligenza collettiva, o di uno stato di consapevolezza, a tratti rara, tramite cui riuscire ad individuare realtà e inganno.

CREDITI
Coreografia e regia Afshin Varjavandi
con INC innprogress collective: Giorgia Aluigi, Jenny Mattaioli, Chiara Morelli, Gioele Papa, Chiara Parretta, Emma Viceconti
Music editing Francesco Fiorucci Chiskee
Art-work Sara Lanzi
con il contributo di spazio performativo CentroDanza Perugia
Durata: 45’
PRESENTAZIONE
6 giovanissimi danzatori, 6 personalità diversissime tra loro diventano lo specchio della gioventù contemporanea che, insieme al coreografo, esplorano e si interrogano su “facciate” e “contenuti”, facendo di se stessi portavoci di una intelligenza collettiva, o di uno stato di consapevolezza, a tratti rara, tramite cui riuscire ad individuare realtà e inganno.
Giovani e potenti, i danzatori rincorrono costantemente la fisica e la metafisica, in una danza di radice urbana, destrutturata e ricomposta in un movement research scevro da definizioni di generi, fino a giungere in alcuni momenti a uno stato plastico, una sorta di annullamento, di omologazione, da cui sentono la necessità si svegliarsi per riscoprire la loro reale identità.
INC InNprogressCollective – ANTIdoti – ph. Francesco Agnello
Diventano anche eroi di una fase storica, quella del presente, che li ha costretti ad allontanarsi da tutto e da tutti, costringendoli forse a guardare dentro di sé, e a trovare rimedi alla decadenza culturale dell’epoca contemporanea.
O più semplicemente a trovare una risposta a come convivere in un mondo in bilico tra cliché e desiderio anticonformista.
INC InNprogressCollective
INC InNprogressCollective dance | visual | urban art è un gruppo indipendente che si occupa di danze urbane, visual art e performing art.
Nasce nel 2006 a seguito della creazione “HEIM”, che sarà vincitrice unica assoluta della Settimana Internazionale della Danza di Spoleto, attirando l’interessamento di Elisabetta Terabust, del Prof. Alberto Testa, Susan Sentler, Clarissa Mucci, Gigi Caciuleanu, Luc Bouy e degli addetti del settore. La coreografia Heim sarà ospitata nei più grandi festival italiani, tra i quali Amores (Bologna), Cross Roads (Firenze), Giffoni Film Festival (Giffoni), Notte Bianca (Roma), Fringe Festival (Spoleto).
Da lì l’idea di costituire un gruppo stabile di giovani artisti, promotori di nuove forme di street art contemporanea, danze urbane e tendenze.
Seguiranno le produzioni:
Departure (2007), Underskin (2008, vincitore della Settimana Internazionale della Danza di Spoleto), Protest! (2009-2010, vincitore S.I.D. Spoleto, LatinArte, premio UISP, premio Positano Leonide Massine), Oceania (2012, in produzione con LaMaMa Umbria, presentato al Festival LaMaMa Moves presso Ellen Stewart Theater di New York).
Nel 2015 l’ultima produzione toPRAY debutta alla 58a edizione del Festival dei Due Mondi di Spoleto, riscuotendo il sold-out per tutte tre le repliche.
Il regista Giuseppe Tornatore sceglie la compagnia INC per una scena danzata del suo ultimo film “La Corrispondenza”, in uscita nelle sale cinematografiche a gennaio 2016.
innprogresscollective.com
INFO & BIGLIETTI
BIGLIETTI
Intero: 9 euro
Ridotto under 30, scuole di danza, Liceo Coreutico Matilde di Canossa, over 65, soci CRAL Comune di Reggio Emilia: 6 euro
Ridotto under 8: 3 euro
ACQUISTO BIGLIETTI
Nel rispetto delle normative anti-Covid, i biglietti possono essere acquistati soltanto online su www.biglietteriafonderia39.it.
Pertanto i biglietti non possono essere prenotati al telefono o via e-mail.
Il servizio di biglietteria in Fonderia è sospeso.
I biglietti non sono numerati.
INGRESSO
È possibile accedere in Fonderia 15 minuti prima dello spettacolo, mostrando l’acquisto online.
All’ingresso verrà provata la temperatura, impedendo l’accesso in caso di temperatura superiore a 37,5°C. In base all’ultimo decreto legge in materia di norme anticovid, l’accesso in Fonderia è consentito esclusivamente agli spettatori muniti di Green Pass rafforzato in corso di validità e mascherina di tipo Ffp2. La disposizione non si applica ai soggetti di età inferiore ai 12 anni e ai soggetti esenti sulla base di idonea certificazione medica rilasciata secondo i criteri definiti dal Ministero della Salute.
Il personale addetto al servizio di controllo ha l’obbligo di verificare tale certificazione al momento dell’ingresso.
Il pubblico è tenuto a indossare correttamente la mascherina di tipo Ffp2 per tutta la durata dell’evento.

QUEL CHE RESTA
2022-03-09 20:30 - 21:30
Simona Bertozzi / Nexus – Quel che resta – ph. Luca Del Pia

Un dialogo coreografico che invita ad esplorare le relazioni tra due corpi che lavorano come un organismo vivente in continua espansione. In questa sua crescita, l’organismo moltiplica le coordinate e rende continuamente possibili nuovi equilibri e nuovi legami, senza sottrarsi al sopraggiungere di mutazioni.
Quel che resta è un viaggio verso lo stupore del movimento, fatto di attimi in cui la danza si congela in un gesto e sorprendenti esplosioni, irruzioni improvvise, sbilanciamenti e riposizionamenti del corpo nello spazio. Un cammino verso un territorio fatto di approdi e nuove ripartenze.

CREDITI
Concept e coreografia: Simona Bertozzi
Danza: Marta Ciappina, Simona Bertozzi
Musica: Stravinsky: Diversions, Ray Chen, Timothy Young Divertimento: IV. Pas de deux, Coda Presto
Soundscape: Roberto Passuti
(con un estratto dal documentario Big Animals survival strategies)
Luci: Giuseppe Filipponio
Organizzazione: Chiara Boscariol
Press: Michele Pascarella
Foto e video: Luca Del Pia
Durata: 45’
Produzione: Nexus 2021
Con il contributo di Mic, Regione Emilia-Romagna, Comune di Bologna
Con il sostegno di Centro Nazionale di Produzione della Danza Virgilio Sieni e di Fondazione CR Firenze
Residenze creative nell’ambito di Residenze per artisti nei Territori a cura di Masque teatro, Artists in ResidenSì Bologna, in collaborazione con Dialoghi – Residenze delle Arti Performative a Villa Manin 2021, CSS Teatro stabile di innovazione del FVG, AlmaStudios Bologna.
PRESENTAZIONE
Sin dall’inizio del percorso con Marta ho cercato di attribuire allo spazio delle caratteristiche ambientali che potessero generare delle visioni, mutare la densità dell’aria e generare delle inattese capacità di attraversamento. Dei modi inediti dello stare.
Tutto questo affinché potessimo incontrarci in una danza sconfinata, in grado di riverberare oltre la consapevolezza del nostro agire e sorprenderci, quasi nostro malgrado, in atteggiamenti di affezione e irresistibile risonanza.
Quel che resta è stato, dapprima, uno dei territori della mappa e delle pratiche, tra glaciazione, pelli, fughe per poi divenire l’immagine sovrastante, la bolla, il grado di presenza necessario, lo sguardo condiviso, l’interrogazione inevitabile su cui sostare, per ritrovare il respiro sottile e transitare da una danza all’altra.
Simona Bertozzi / Nexus – Quel che resta – ph. Luca Del Pia
Da sezione di spazio, Quel che resta è diventato l’intero organismo, il vivente, una moltiplicazione di vettori, di prospettive, di flessioni anatomiche, di ritmo e tempo.
Ci ha rese tessuti connettivi, per immaginare e accogliere altri abitanti, per far riverberare temperature e provenienze, per generare accordi multiformi di ingresso nel movimento, cercando ogni volta delle inattese capacità di fare mondo. Di generarci stupore.
Quel che resta è l’irruenza e l’indugiare dei corpi, è il tocco senza peso: estende un vocabolario di attese e ripartenze, di geometrie reiterate, di figurine, ghiaccio, resistenza, epidermide e pupille e di ritornelli. Da agganciare.
SIMONA BERTOZZI
Simona Bertozzi, danzatrice e coreografa, laureata al DAMS di Bologna, è impegnata dal 2005 in un percorso autoriale di ricerca coreografica e nel 2008 costituisce la Compagnia Simona Bertozzi | Nexus.
Negli anni i suoi progetti hanno ottenuto sostegni e ospitalità da parte di importanti circuiti italiani ed europei, mediante coproduzioni e residenze coreografiche.
Tra i lavori più recenti emergono: And it burns, burns, burns finalista ai Premi UBU 2017 come Miglior Spettacolo di Danza, Joie de Vivre coprodotto da ERT Emilia Romagna Teatro Fondazione, Fondazione Teatro Comunale di Modena e Tra le linee progetto coprodotto da Torino Danza, MilanOltre, Nexus e Festival Est Ovest.
Dal 2014 il percorso di creazione si è rivolto anche a giovani interpreti, coinvolgendo bambini e adolescenti.
Nel 2019 vince il Premio Hystrio Corpo a Corpo e il Premio ANCT (Associazione Nazionale Critici di Teatro).
simonabertozzi.it
INFO & BIGLIETTI
BIGLIETTI
Intero: 9 euro
Ridotto under 30, scuole di danza, Liceo Coreutico Matilde di Canossa, over 65, soci CRAL Comune di Reggio Emilia: 6 euro
Ridotto under 8: 3 euro
ACQUISTO BIGLIETTI
Nel rispetto delle normative anti-Covid, i biglietti possono essere acquistati soltanto online su www.biglietteriafonderia39.it.
Pertanto i biglietti non possono essere prenotati al telefono o via e-mail.
Il servizio di biglietteria in Fonderia è sospeso.
I biglietti non sono numerati.
INGRESSO
È possibile accedere in Fonderia 15 minuti prima dello spettacolo, mostrando l’acquisto online.
All’ingresso verrà provata la temperatura, impedendo l’accesso in caso di temperatura superiore a 37,5°C. In base all’ultimo decreto legge in materia di norme anticovid, l’accesso in Fonderia è consentito esclusivamente agli spettatori muniti di Green Pass rafforzato in corso di validità e mascherina di tipo Ffp2. La disposizione non si applica ai soggetti di età inferiore ai 12 anni e ai soggetti esenti sulla base di idonea certificazione medica rilasciata secondo i criteri definiti dal Ministero della Salute.
Il personale addetto al servizio di controllo ha l’obbligo di verificare tale certificazione al momento dell’ingresso.
Il pubblico è tenuto a indossare correttamente la mascherina di tipo Ffp2 per tutta la durata dell’evento.

NEXT GENERATION CHOREOGRAPHERS
2022-03-13 20:30 - 22:30
NEXT GENERATION CHOREOGRAPHERS
10 studi coreografici firmati dagli autori del domani
Esito performativo del corso di alta formazione Next Generation Choreographers promosso dalla Fondazione Nazionale della Danza insieme ad Ecipar- Reggio Emilia.
I dodici coreografi selezionati mettono a frutto le competenze acquisite per creare dieci coreografie per i giovani danzatori di Agora Coaching Project.
Una occasione unica per assistere alle creazioni degli autori del domani.
10 STUDI COREOGRAFICI
Coreografie di Nicolò Abbattista, Adriano Bolognino, Fabrizio Calanna, Noemi Dalla Vecchia, Nwagwu Nnamdi, Marta Papaccio, Annalì Rainoldi, Sabrina Rigoni, Danilo Smedile, Federica Sorrentino, Matteo Vignali, Andrea Zardi
Con 18 danzatori del corso di perfezionamento Agora Coaching Project

CORSO NEXT GENERATION CHOREOGRAPHERS
Next Generation Choreographers è un percorso promosso dalla Fondazione Nazionale della Danza/Aterballetto e da Ecipar- Reggio Emilia che, attraverso quattro moduli intensivi tra ottobre 2021 e marzo 2022, sta dando l’opportunità a dodici coreografi emergenti di lavorare con alcuni dei più interessanti coreografi della scena internazionale, oltre a drammaturghi, light designer e tecnici di palcoscenico.
Obiettivo del progetto é quello di offrire ai partecipanti tutti gli strumenti tecnici e teorici necessari ad approfondire lo studio della composizione coreografica e indispensabili per affrontare la sfida della messa in scena.
La parte conclusiva del percorso è dedicata ad un laboratorio creativo durante il quale ad ognuno dei partecipanti è richiesto di creare una performance con i giovani danzatori di Agora Coaching Project.
AGORA COACHING PROJECT
AGORA COACHING PROJECT è un progetto annuale di perfezionamento nella danza rivolto a danzatori di età compresa fra i 18 e i 22 anni, che ha sede a Reggio Emilia.
Nato nel 2010, il programma è diretto da Michele Merola ed Enrico Morelli, ed è promosso e sostenuto dalla MM Contemporary Dance Company e dall’A.S.D. Progetto Danza e Centro Permanente Danza di Reggio Emilia.
Si prefigge di formare artisti pronti ad affrontare in maniera flessibile la varietà del mercato internazionale della danza, artisti capaci di rispondere alle richieste di diversa natura, tecnico/stilistica, che provengono da questo stesso mercato.
Il progetto vuole offrire un ampio ventaglio di stimoli, di carattere tecnico, culturale e di scambio tra allievi e coreografi, ciascuno dei quali proviene da e opera in realtà diverse tra le più interessanti del panorama internazionale. Agora infatti fa incontrare i ragazzi con affermati coreografi di orientamento stilistico diverso, e ha visto in questi anni la presenza di tanti nomi illustri: con Michele Merola ed Enrico Morelli collaborano alla realizzazione del progetto diversi docenti, dotati, ciascuno, di provata e qualificata esperienza nel settore.
michelemerola.it
INFO & BIGLIETTI
BIGLIETTI
Unico: 3 euro
ACQUISTO BIGLIETTI
Nel rispetto delle normative anti-Covid, i biglietti possono essere acquistati soltanto online su www.biglietteriafonderia39.it.
Pertanto i biglietti non possono essere prenotati al telefono o via e-mail.
Il servizio di biglietteria in Fonderia è sospeso.
I biglietti non sono numerati.
INGRESSO
È possibile accedere in Fonderia 15 minuti prima dello spettacolo, mostrando l’acquisto online.
All’ingresso verrà provata la temperatura, impedendo l’accesso in caso di temperatura superiore a 37,5°C. In base all’ultimo decreto legge in materia di norme anticovid, l’accesso in Fonderia è consentito esclusivamente agli spettatori muniti di Green Pass rafforzato in corso di validità e mascherina di tipo Ffp2. La disposizione non si applica ai soggetti di età inferiore ai 12 anni e ai soggetti esenti sulla base di idonea certificazione medica rilasciata secondo i criteri definiti dal Ministero della Salute.
Il personale addetto al servizio di controllo ha l’obbligo di verificare tale certificazione al momento dell’ingresso.
Il pubblico è tenuto a indossare correttamente la mascherina di tipo Ffp2 per tutta la durata dell’evento.

IL MONDO ALTROVE
2022-03-19 20:30 - 21:30
Nicola Galli – Il mondo altrove

“[…] Ci è poi particolarmente piaciuta l’ultima creazione di Nicola Galli “Il mondo altrove” che, su una musica ossessiva carica di misticismo di Giacinto Scelsi, ci trasporta in mondi lontani, tra Occidente ed Oriente, in atmosfere che ricordano un mondo perduto e ancestrale: le pitture e i vasi dell’antica Grecia ma anche le danze di Bali e il Katakali, il Nō giapponese e le atmosfere mitiche del Sud America.
[…] I danzatori, entrando dalla porta posta al centro della scena, celando un altrove sconosciuto, avanzano come misteriosi sacerdoti, ridonandoci il senso di una sacralità perduta ma che improvvisamente sembra ancora appartenerci.”
Mario Bianchi [ Krapp’s Last Post – 27/07/2021 ]

CREDITI
Concept e coreografia: Nicola Galli
Danza: Margherita Dotta, Nicola Galli, Leonardo Maietto, Silvia Remigio
Musica: Giacinto Scelsi, 3/4 had been eliminated
Oggetti scenici: Giulio Mazzacurati
Maschere e costumi: Nicola Galli
Luci e audio: Giovanni Garbo
Produzione: TIR Danza, stereopsis
Co-produzione: MARCHE TEATRO / Inteatro Festival, Oriente Occidente
Residenze artistiche: DID Studio / Ariella Vidach, Centro di Residenza della Toscana (Armunia – CapoTrave / Kilowatt), Oriente Occidente Studio_Passo Nord
Con il sostegno di: Rete Almagià
Ha preso parte alle fasi di creazione: Nicolas Grimaldi Capitello
Durata: 50′
PRESENTAZIONE
Il mondo altrove è una creazione coreografica in forma di rituale danzato, che celebra secondo una logica scenica il moto di un mondo inesplorato.
Nel tracciare un percorso ideale tra Occidente e Oriente, il lavoro è liberamente ispirato ai rituali indigeni dell’America del Sud, ai simboli e alle tradizioni del teatro Nō giapponese, e all’ossessiva, per certi versi mistica ed eccentrica ricerca musicale del compositore Giacinto Scelsi intorno all’idea sferica del suono.
Dalla porta centrale – che domina lo spazio e cela un altrove – avanzano quattro figure sciamaniche finemente adornate per condurre una cerimonia magica e senza tempo. Il movimento dei corpi e i lineamenti dei loro volti – velati e riconfigurati secondo canoni estranei alla cultura occidentale – custodiscono e offrono al nostro sguardo il rituale di una possibile tradizione altra, agito all’interno di un confine circolare che delimita uno spazio ancora attribuibile al sacro e che raccoglie l’esito di una convivenza armonica tra habitat naturale e azione umana.
Nicola Galli – Il mondo altrove
L’azione è pensata al crepuscolo, abbracciata dalle cromie lucenti dell’oro, del ciano e del porpora, per sciogliersi in un dialogo gestuale notturno, espressione di sostegno vicendevole, dono perpetuo, comunione universale e celeste.
Di fronte a questo linguaggio fisico siamo invitati a decifrare i “geroglifici” di questa civiltà ignota, selvatica e capovolta; siamo ospiti chiamati a un esercizio di superamento del confine di ciò che conosciamo, scoprendoci stranieri tra gli stranieri. Accogliere un mondo nuovo e aprirci a un sistema ignoto significa entrare in contatto, senza gerarchie precostituite, con la poesia di segni muti e opachi, sia che appartengano al mondo animale, al mondo vegetale o a una qualsiasi cultura alternativa. Accettando la messa in discussione di qualcosa di sé e ritrovando la propria umanità nel riflesso dell’incontro.
NICOLA GALLI
Nicola Galli (1990, Ferrara) si occupa di ricerca corporea, declinata in azioni e dispositivi che spaziano dalla coreografia alla performance, dall’installazione all’ideazione grafico-visiva.
Esordisce come ginnasta agonista e si avvicina ai linguaggi del teatro fisico e della danza presso il Teatro Nucleo di Ferrara. Ha studiato danza contemporanea, rinascimentale, hip hop e riequilibrio muscolare Metodo Monari.
Dal 2010 sviluppa un’indagine coreografica incentrata sul profondo rapporto tra uomo e natura, analizza il concetto di forma pura e le nozioni di “stratificazione” e “paesaggio”. A partire dalle scienze naturali, dalla geometria e astronomia il suo sguardo è affascinato dall’anatomia umana, la proporzione e il dettaglio, elementi chiave che compongono un orizzonte scenico trasversale.
Nella sua poetica emerge la passione per la luce e il suono, elementi che nutrono la stretta relazione tra i soggetti che abitano la scena in un’ottica di interdipendenza.
Nel suo lavoro, il corpo diviene il centro irradiante di un discorso artistico che si sostanzia in una sensibilità scenica votata all’esplorazione del movimento come panorama ibrido di saperi.
Parallelamente alla ricerca più specificamente artistica, Nicola Galli conduce percorsi formativi dedicati a bambini, adulti e giovani danzatori e danzatrici in formazione, sviluppando un personale metodo volto all’esplorazione del movimento, alla scoperta di nuove visioni e percezioni del corpo e all’approfondimento del personale confine fisico e comunicativo.
Dal 2010 al 2014 danza nella compagnia CollettivO CineticO.
Dal 2014 è artista sostenuto dall’organismo di produzione TIR Danza.
Le sue creazioni sono state presentate in: Egitto, Francia, Germania, Italia, Olanda, e tramite livestreaming in Corea del Sud.
Ha inoltre collaborato con importanti Istituzioni internazionali: Istituto Italiano di Cultura (Paris), Balletto di Toscana (Firenze), Museo MUSE (Trento), Scuola Normale Superiore (Pisa), Fondazione Perugia Musica Classica (Perugia), Institute of the Arts (Seoul), Università IUAV (Venezia).
PREMI
• 2018: Premio “Equilibrio” – Fondazione Musica per Roma con lo spettacolo Deserto digitale
• 2018: premio “Danza & Danza” come miglior coreografo emergente con lo spettacolo De rerum natura
• 2019: premio nazionale “Sfera d’Oro per la danza”
• 2021: premio “Radicondoli per il teatro” nel nome di Valter Ferrara per l’innovazione e l’uso di nuove tecnologie nel teatro con la performance Genoma scenico | dispositivo digitale
nicolagalli.it
INFO & BIGLIETTI
BIGLIETTI
Intero: 9 euro
Ridotto under 30, scuole di danza, Liceo Coreutico Matilde di Canossa, over 65, soci CRAL Comune di Reggio Emilia: 6 euro
Ridotto under 8: 3 euro
ACQUISTO BIGLIETTI
Nel rispetto delle normative anti-Covid, i biglietti possono essere acquistati soltanto online su www.biglietteriafonderia39.it.
Pertanto i biglietti non possono essere prenotati al telefono o via e-mail.
Il servizio di biglietteria in Fonderia è sospeso.
I biglietti non sono numerati.
INGRESSO
È possibile accedere in Fonderia 15 minuti prima dello spettacolo, mostrando l’acquisto online.
All’ingresso verrà provata la temperatura, impedendo l’accesso in caso di temperatura superiore a 37,5°C. In base all’ultimo decreto legge in materia di norme anticovid, l’accesso in Fonderia è consentito esclusivamente agli spettatori muniti di Green Pass rafforzato in corso di validità e mascherina di tipo Ffp2. La disposizione non si applica ai soggetti di età inferiore ai 12 anni e ai soggetti esenti sulla base di idonea certificazione medica rilasciata secondo i criteri definiti dal Ministero della Salute.
Il personale addetto al servizio di controllo ha l’obbligo di verificare tale certificazione al momento dell’ingresso.
Il pubblico è tenuto a indossare correttamente la mascherina di tipo Ffp2 per tutta la durata dell’evento.

ALICE NEL PAESE DELLE MERAVIGLIE
2022-04-02 18:00 - 18:40, 2022-04-03 18:00 - 18:40
Foto di MoldyVintage Photo da Pexels

Alice nel paese delle meraviglie è la nuova, coloratissima coreografia firmata da Carlo Massari ed Emanuele Rosa, che traspone in danza l’omonimo romanzo di Lewis Carroll. I coreografi hanno creato un balletto per bambini e famiglie, genuino e fedele allo spirito dell’amato classico per l’infanzia di Lewis Carroll. Immediatamente riconoscibili i diversi personaggi come il Cappellaio Matto, il suscettibile Bianconiglio, un bruco sinuoso, la cupa e lunatica Regina di Cuori, lo Stregatto e il folle tea-party.

CREDITI
MM Contemporary Dance Company presenta Agora Coaching Project
Coreografia: Carlo Massari e Emanuele Rosa
Musica: autori vari
Disegno luci: Gessica Germini
Costumi: Nuvia Valestri
Interpreti: Agora Coaching Project (10 danzatori)
Durata: 40′
Età consigliata 4-11 anni

PRESENTAZIONE
Alice nel paese delle meraviglie è una creazione in un atto unico che racconta le avvincenti scoperte di Alice. A una festa in giardino, durante un pomeriggio assolato, Alice è sorpresa nel vedere Lewis Carroll, amico dei suoi genitori, trasformarsi in un coniglio bianco. Quando lo segue nella sua tana, accadono eventi sempre più bizzarri… Mentre vaga nel paese delle meraviglie, Alice incontra innumerevoli creature strane e si invaghisce del Fante di Cuori, in fuga per aver rubato delle crostate. La confusione aumenta, fino a quando Alice si sveglia di soprassalto: era solo un sogno a occhi aperti?
AGORA COACHING PROJECT
AGORA COACHING PROJECT è un progetto annuale di perfezionamento nella danza rivolto a danzatori di età compresa fra i 18 e i 22 anni, che ha sede a Reggio Emilia. Nato nel 2010, è diretto da Michele Merola ed Enrico Morelli, ed è promosso e sostenuto dalla MM Contemporary Dance Company e dal Centro Permanente Danza di Reggio Emilia. Si prefigge di formare artisti pronti ad affrontare in maniera flessibile la varietà del mercato internazionale della danza, artisti capaci di rispondere alle richieste di diversa natura, tecnico/stilistica, che provengono da questo stesso mercato. Il progetto vuole offrire un ampio ventaglio di stimoli, di carattere tecnico, culturale e di scambio tra allievi e coreografi, ciascuno dei quali proviene da e opera in realtà diverse tra le più interessanti del panorama internazionale. Agora infatti fa incontrare i ragazzi con affermati coreografi di orientamento stilistico diverso, e ha visto in questi anni la presenza di tanti nomi illustri: con Michele Merola ed Enrico Morelli collaborano alla realizzazione del progetto diversi docenti, dotati, ciascuno, di provata e qualificata esperienza nel settore.
michelemerola.it
INFO & BIGLIETTI
BIGLIETTI
Unico: 6 euro
ACQUISTO BIGLIETTI
I biglietti possono essere acquistati online su www.biglietteriafonderia39.it.
La biglietteria in Fonderia è aperta dalle ore 17.00.
I biglietti non sono numerati.
INGRESSO
È possibile accedere in Fonderia 15 minuti prima dello spettacolo, mostrando l’acquisto online.
All’ingresso verrà provata la temperatura, impedendo l’accesso in caso di temperatura superiore a 37,5°C. In base all’ultimo decreto legge in materia di norme anticovid, l’accesso in Fonderia è consentito esclusivamente agli spettatori muniti di Green Pass rafforzato in corso di validità e mascherina di tipo Ffp2. La disposizione non si applica ai soggetti di età inferiore ai 12 anni e ai soggetti esenti sulla base di idonea certificazione medica rilasciata secondo i criteri definiti dal Ministero della Salute.
Il personale addetto al servizio di controllo ha l’obbligo di verificare tale certificazione al momento dell’ingresso.
Il pubblico è tenuto a indossare correttamente la mascherina di tipo Ffp2 per tutta la durata dell’evento.

50 MIN|MQ
2022-04-08 21:00 - 22:00
50 MIN|MQ evidenzia la chiusura, fisica ma non mentale, che continua a condizionare la vita di noi tutti.
I danzatori di E.sperimenti Dance Company esprimono le emozioni e le sensazioni, spesso contrastanti ed euforiche, frutto del periodo di chiusure vissuto.

CREDITI
Danzatori E.sperimenti Dance Company
Coreografie Federica Galimberti
Musiche AA.VV.
Costumi E.sperimenti Dance Company
Luci Emilio Barone
Produzione GruppoDanzaOggi di Patrizia Salvatori
50 MIN|MQ
Attenti al nuovo che sta arrivando, abbandonando il controllo. Imprigionati con un occhio su se stessi ed un altro sul mondo.
Il rifugio nell’unico posto che ha rappresentato e rappresenta soprattutto in questa nazione il posto sicuro. Danzatori interpreti dell’evento che ha segnato per sempre un passaggio al nuovo e all’ignoto.
Portare con sé il proprio bagaglio fisico, emotivo, culturale e spirituale, partendo dall’unico spiraglio di libertà che ci era stato donato, il “Supermercato”, che diventa luogo sacro per i pensieri e per la mente di ogni individuo, concedendo tempo all’incarnazione del nostro IO, colpito e offeso dai soprusi di un tempo che ci è stato tolto, scandendone ritmi sociali ma con le dovute distanze, condendo il tutto con una sana ironia che arriva nei momenti più duri.
Un risveglio per molti.
50 MIN|MQ, è una rappresentazione intima dei danzatori, che esprimono emozioni e sensazioni spesso contrastanti ed euforiche, frutto del periodo di chiusure vissuto, coinvolgenti perché vera immagine emotiva degli artisti e di noi tutti.
Una nuova produzione della coreografa Federica Galimberti che insieme agli artisti fermi hanno voluto ridisegnare il proprio essere performer, attraverso le connessioni, più che umane, tecnologiche, che oggi più che mai si adattano a questo stile di vita, ne hanno saputo trarre i vantaggi e i limiti, con “memoria emotiva” da condividere con tutti perché ‘di tutti’.
L’artista che è dentro ciascuno di noi, stretto in 50 mq, travalica le pareti, corre e disegna un invisibile filo immaginario che non smette di unire corpi, menti, linguaggi ed emozioni in cui l’Arte non ha barriere, né costrizioni, né confini… Uno spettacolo che muta, e chiude in modo diverso a dimostrazione che l’uomo è sempre in movimento, alla ricerca di un sé migliore, un sé rinato, ritrovato.
50 MIN|MQ evidenzia la chiusura, fisica ma non mentale, che continua a condizionare la vita del singolo e non solo: fa riemergere l’incontenibile ironia, leggerezza, teatralità caratteristica di E.sperimenti Dance Company.
INFO & BIGLIETTI
BIGLIETTI
Intero: 9 euro
Ridotto under 30, scuole di danza, Liceo Coreutico Matilde di Canossa, over 65, soci CRAL Comune di Reggio Emilia: 6 euro
Ridotto under 8: 3 euro
ACQUISTO BIGLIETTI
Nel rispetto delle normative anti-Covid, i biglietti possono essere acquistati soltanto online su www.biglietteriafonderia39.it.
Pertanto i biglietti non possono essere prenotati al telefono o via e-mail.
Il servizio di biglietteria in Fonderia è sospeso.
I biglietti non sono numerati.
INGRESSO
È possibile accedere in Fonderia 15 minuti prima dello spettacolo, mostrando l’acquisto online.
All’ingresso verrà provata la temperatura, impedendo l’accesso in caso di temperatura superiore a 37,5°C. In base all’ultimo decreto legge in materia di norme anticovid, l’accesso in Fonderia è consentito esclusivamente agli spettatori muniti di Green Pass rafforzato in corso di validità e mascherina di tipo Ffp2. La disposizione non si applica ai soggetti di età inferiore ai 12 anni e ai soggetti esenti sulla base di idonea certificazione medica rilasciata secondo i criteri definiti dal Ministero della Salute.
Il personale addetto al servizio di controllo ha l’obbligo di verificare tale certificazione al momento dell’ingresso.
Il pubblico è tenuto a indossare correttamente la mascherina di tipo Ffp2 per tutta la durata dell’evento.

UNDER THE FLESH
2022-04-21 21:00 - 22:00
Under the Flesh di Bassam Aboud Diab è una performance di danza contemporanea, una riflessione personale che indaga il modo in cui il corpo umano reagisce a situazioni di guerra e pericolo e come questo istinto di sopravvivenza può essere espresso in una danza con una propria tecnica specifica.
Lo spettacolo sarà seguito da un talk con il pubblico condotto da Mattia Mariani, direttore di Telereggio, su come l’artista veda le trasformazioni della società e come incida la cultura su queste ultime.

Crediti
Coreografia e regia: Bassam Abou Diab
Performer: Bassam Abou Diab, Ayman Sharaf El Dine e un traduttore
Musica: Ayman Sharaf El Dine
Coprodotto da Maqamat Beit El Raqs
Durata: 30′
PRESENTAZIONE
Nel 1996 la guerra tornò ed era molto tempo che non incontravo i miei amici, i bombardamenti. I miei amici questa volta erano molto più sofisticati e forti delle volte precedenti ed era molto tempo che non utilizzavo la strategia della caduta. Presi nota del cambiamento ed elaborai di nuovo la strategia cercando di non morire.
La seconda strategia consiste nel lasciare che il tuo corpo vada fino alla fine, ti avvantaggi del momento per andare verso l’estrema parte del tuo corpo/il confine estremo del tuo corpo ed evitare il pericolo. In effetti non è una strategia ma cercavo di festeggiarla perché ebbi un nuovo paia di scarpe dagli aiuti europei. La parte migliore di una guerra sono i regali, giochi e donazioni che di solito riceviamo dopo ogni guerra ma in quel caso il mio vicino ricevette più doni perché i suoi genitori morirono durante la guerra.
Durante l’anno 2000 sono cambiato. Nuove idee in mente riguardo la relazione tra le culture, il corpo, la morte e i rituali. La mia nuova strategia è di mettere insieme tradizioni e identità per creare un particolare gusto e un significato del tutto nuovo per l’esistenza.
Nel 2006 le cose si sono fatte più difficili. Fui obbligato a utilizzare un enorme numero di strategie per sopravvivere. Dolore e morte erano solo musica per me. Penso che il tempo sia finito e che voi state pensando che ho detto un sacco di stupidaggini ma la cosa più importante è che proviate a scoprire le vostre personali strategie.
Bassam Abou Diab

Bassam Abou Diab
È un coreografo emergente proveniente da Beirut, che ha utilizzato la piattaforma Moultaqa Leymoun al massimo delle sue potenzialità. La sua storia e il suo interesse per il teatro, il folclore e la danza contemporanea lo hanno spinto presto nella scena della danza regionale e internazionale. Ha lavorato sotto la guida di Omar Rajeh | Maqamat, Gilles Jobin, Damien Jalet, Marco Cantalupo e altri artisti affermati. Le influenze culturali e l’adattabilità creano nella sua opera un accattivante senso di meraviglia. Bassam è un artista associato con Maqamat ed è attualmente supportato da Maqamat Beit El Raqs insieme all’APAP per il progetto APAP 2020.
INFO & BIGLIETTI
BIGLIETTI
Intero: 9 euro
Ridotto under 30, scuole di danza, Liceo Coreutico Matilde di Canossa, over 65, soci CRAL Comune di Reggio Emilia: 6 euro
Ridotto under 8: 3 euro

ACQUISTO BIGLIETTI
Nel rispetto delle normative anti-Covid, i biglietti possono essere acquistati soltanto online su www.biglietteriafonderia39.it.
Pertanto i biglietti non possono essere prenotati al telefono o via e-mail.
Il servizio di biglietteria in Fonderia è sospeso.
I biglietti non sono numerati.
INGRESSO
È possibile accedere in Fonderia 15 minuti prima dello spettacolo, mostrando l’acquisto online.
All’ingresso verrà provata la temperatura, impedendo l’accesso in caso di temperatura superiore a 37,5°C. In base all’ultimo decreto legge in materia di norme anticovid, l’accesso in Fonderia è consentito esclusivamente agli spettatori muniti di Green Pass rafforzato in corso di validità e mascherina di tipo Ffp2. La disposizione non si applica ai soggetti di età inferiore ai 12 anni e ai soggetti esenti sulla base di idonea certificazione medica rilasciata secondo i criteri definiti dal Ministero della Salute.
Il personale addetto al servizio di controllo ha l’obbligo di verificare tale certificazione al momento dell’ingresso.
Il pubblico è tenuto a indossare correttamente la mascherina di tipo Ffp2 per tutta la durata dell’evento.

Feeling Good
2022-04-26 21:00 - 22:00
SPETTACOLO ANNULLATO
Per motivi indipendenti dalla nostra volontà, lo spettacolo è stato ANNULLATO.
Feeling Good, il duetto di Diego Tortelli per un danzatore abile e un danzatore disabile, è per la prima volta in Fonderia.
Per questa recita i protagonisti sono Cristian Cucco e Annemieke Mooij.
La creazione, una coproduzione di Fondazione Nazionale della Danza / Aterballetto e Oriente Occidente Dance Festival, all’interno di EBA Europe Beyond Access, cofinanziato dal Programma Europa Creativa dell’Unione Europea, è presentata all’interno di una serata dedicata al rapporto tra danza e disabilità, arricchita dalla proiezione di cortometraggi legati al tema e da una conversazione sul panorama italiano tra il direttore della Fondazione Gigi Cristoforetti e la direttrice generale di Oriente Occidente Anna Consolati.
Feeling Good è all’interno del progetto della Fondazione Nazionale della Danza / Aterballetto “Danza e Fragilità”, sostenuto da Gruppo Credem in collaborazione con Reggio Emilia Città senza Barriere e Consorzio Oscar Romero.

AD EVA - DORA - SEAMLESS
2022-04-28 21:00 - 22:00
La giovane compagnia XL Dance Company diretta da Emanuela Baratin e Laura Matano, arriva in Fonderia con un trittico composto da Ad Eva di Roberto Tedesco, Dora di Laura Matano e Seamless di Sabrina Rigoni.
AD EVA
Ideazione e coreografia: Roberto Tedesco
Interpreti: Diletta Antolini, Melissa Bortolotti, Noemi Garofalo, Linda Pasquini
Disegno Luci: Gessica Germini
Musica: autori vari
Durata 18′
Eva.
Etimologicamente la madre dei viventi, lei che ha scelto la vita.
Non peccato ma virtù originale: alla paura ha preferito la curiosità, all’obbedienza la scoperta.
Precorritrice di libertà, anticipatrice di indipendenza, colei che ci ha insegnato che chi cerca vive in eterno.
Storia nuda, madre sana, sorella coraggiosa, al suo gesto hanno abbinato il buio, ma dove fu veramente il torto?
Oggi siamo lei e il nostro corpo libero racconta una storia che continua sulla sua traccia.
Omaggio facciamo Ad Eva.
DORA
Ideazione e coreografia: Laura Matano
Interprete: Chiara Riva
Disegno Luci: Gessica Germini
Scenografia: Cinzia Macis
Musica: autori vari

Ci attraversano o ci camminano di fianco oppure interrompono i nostri respiri quando passano oltre i loro.
Anime pure che non hanno bisogno di stare a terra.
SEAMLESS
Ideazione e coreografia: Sabrina Rigoni
Interpreti: Diletta Antolini, Sara Ariotti, Melissa Bortolotti, Noemi Garofalo, Carlotta Serafini
Disegno Luci: Gessica Germini
Musica: autori vari
Durata 20′
Soluzione. Dal latino solutiònem, participio passato del verbo sòlvere. Sciogliere, scioglimento. In senso figurato: interruzione o cessazione.
A saperle leggere, le parole sanno sempre cosa raccontare del flusso vitale in cui siamo immersi. Spasmodica ricerca della soluzione per antonomasia: “fateci uscire dal problema!” urla la folla.
A un inizio non segue certamente una fine e l’impossibilità di contatto può rappresentare la possibilità di oltrepassare un confine: mentale, parabolico, iperbolico. Schiva la drasticità del tuo “o bianco o nero”, immergiti nel fiume e continua a nuotare, guardati intorno e impara con gli altri.
Una soluzione non è il sigillo della felicità, esercitati a trovare la chiave di volta per riavvicinare chi hai intorno. Gesti, cenni, emotività passano da te al prossimo. Per andare avanti. Si può solo andare avanti, animati dalla curiosità della scoperta. Nuota. Senza soluzione di continuità.
XL DANCE COMPANY
Nasce a Reggio Emilia sotto la direzione artistica di Emanuela Baratin e Laura Matano.
La compagnia di danza ha come obbiettivo creare spettacoli facendo circuitare coreografi e realtà Internazionali. In XL Dance Company, il movimento, il corpo, i gesti divengono materia e superficie per l’espressione individuale e collettiva, strumenti di sperimentazione coreografica attraverso metodi e tecniche a sostegno di una creatività che nasce da intuizioni, risonanze e percezioni. Le produzioni riflettono il dna di XL Dance Company che fa della contaminazione tra stili il suo tratto distintivo. Aperti all’innovazione, i danzatori si esibiscono in importanti festival e teatri nazionali e internazionali.
studioxlcontemporary.it
INFO & BIGLIETTI
BIGLIETTI
Intero: 9 euro
Ridotto under 30, scuole di danza, Liceo Coreutico Matilde di Canossa, over 65, soci CRAL Comune di Reggio Emilia: 6 euro
Ridotto under 8: 3 euro
ACQUISTO BIGLIETTI
Nel rispetto delle normative anti-Covid, i biglietti possono essere acquistati soltanto online su www.biglietteriafonderia39.it.
Pertanto i biglietti non possono essere prenotati al telefono o via e-mail.
Il servizio di biglietteria in Fonderia è sospeso.
I biglietti non sono numerati.
INGRESSO
È possibile accedere in Fonderia 15 minuti prima dello spettacolo, mostrando l’acquisto online.
All’ingresso verrà provata la temperatura, impedendo l’accesso in caso di temperatura superiore a 37,5°C. In base all’ultimo decreto legge in materia di norme anticovid, l’accesso in Fonderia è consentito esclusivamente agli spettatori muniti di Green Pass rafforzato in corso di validità e mascherina di tipo Ffp2. La disposizione non si applica ai soggetti di età inferiore ai 12 anni e ai soggetti esenti sulla base di idonea certificazione medica rilasciata secondo i criteri definiti dal Ministero della Salute.
Il personale addetto al servizio di controllo ha l’obbligo di verificare tale certificazione al momento dell’ingresso.
Il pubblico è tenuto a indossare correttamente la mascherina di tipo Ffp2 per tutta la durata dell’evento.

MADE IN ITALY 26.0
2022-05-07 21:00 - 22:30
Protagonisti i danzatori di Agora Coaching Project, progetto di alto perfezionamento nella danza promosso e sostenuto dalla MM Contemporary Dance Company e dall’A.S.D Progetto Danza di Reggio Emilia con la direzione artistica di Michele Merola ed Enrico Morelli. Nato nel 2010, il corso ormai sta ottenendo pieno riconoscimento nel mondo della danza europea e vanta collaborazioni con docenti e coreografi di fama internazionale.
In scena Made in Italy 26.0 con coreografie di Giuseppe Spota, Paolo Mohovich e Michele Merola.
Danzatori: Camilla Aiazzi, Erica Barusco, Silvia Bellot Romanet, Agnese Biavati, Veronica Biondini, Marek Brafa, Margherita Cardinalini, Greta Cecconi, Filippo Cosso, Sally Demonte, Pietro Di Salvo, Annachiara Gallo, Sofia Lacava, Carlotta Lo Piano, Giorgia Mantovan, Letizia Melchiorre, Lorenzo Molinaro, Marta Monaci, Martina Pagliari, Alessio Saccheri, Rossana Samele, Viviana Sanfilippo, Diletta Torelli
COREOGRAFIE
SNAPES
Coreografia GIUSEPPE SPOTA
Musica ATMO music production
Costumi ideati da GIUSEPPE SPOTA e realizzati da NUVIA VALESTRI
Ci perdiamo in un mare di inutilità, per poi vivere a tratti i momenti di vera bellezza, lucidità e fragilità. In un costante non ascoltarsi reagiamo all’effetto domino innescato dai leader del momento da noi stessi eletti, per poi ritrovarci vuoti e fragili.
PICCOLI RITI NOTTURNI
Coreografia PAOLO MOHOVICH
Musica MUCHAEL KIWANUKA
La prima camminata in un bosco oscuro. La prima nuotata al chiaro di luna. La prima festa, i primi incontri e disincontri (amorosi e non) … per essere il giorno dopo un po’ più grandi…
Riti notturni che col senno di poi appaiono piccoli, ma come dimenticare l’emozione che li faceva apparire immensi?
Estratto da BOLERO
Coreografia MICHELE MEROLA
Musica MAURICE RAVEL / STEFANO CORRIAS
Costumi NUVIA VALESTRI
Assistente alla Coreografia PAOLO LAURI
Meccanismo ad orologeria dalla rigorosa precisione, Bolero (1928) è ancora oggi tra i brani più noti e ascoltati della storia della musica. In scena una versione coreografica del Bolero creata da Merola per Agora Coaching Project che trae spunto da quella creata per MMContemporary Dance Company. Il coreografo si è confrontato con questa musica ossessiva e ripetitiva, cercando di comprenderne l’identità, la ragione e la funzione, per arrivare così alla sua interpretazione: alla fine di questo percorso l’ispirazione si è focalizzata sul ventaglio inesauribile dei rapporti umani. Nella coreografia si proiettano, dall’interno verso l’esterno, paure, desideri rimossi, scosse esistenziali che rivelano interi universi, legami segreti che esistono tra le persone, e l’ironia lascia il posto al timore, l’amore al disinganno, il distacco alla condivisione, e via via, fra crescendo e diminuendo, come la musica del Bolero.
Su questa stessa musica, con la licenza e l’inventiva che sono il segno vero di ogni artista, è intervenuto Stefano Corrias. Da compositore raffinato ed esperto, consapevole delle esigenze del palcoscenico, Corrias ha creato una sua propria partitura musicale, liberamente ispirata alla versione originale del brano di Ravel. Il nuovo spartito è stato composto analizzando attentamente le pagine di Bolero, e si integra perfettamente con esso.

AGORA COACHING PROJECT
AGORA COACHING PROJECT è un progetto annuale di perfezionamento nella danza rivolto a danzatori di età compresa fra i 18 e i 22 anni, che ha sede a Reggio Emilia. Nato nel 2010, il programma è diretto da Michele Merola ed Enrico Morelli, ed è promosso e sostenuto dalla MM Contemporary Dance Company e dall’A.S.D. Progetto Danza e Centro Permanente Danza di Reggio Emilia. Si prefigge di formare artisti pronti ad affrontare in maniera flessibile la varietà del mercato internazionale della danza, artisti capaci di rispondere alle richieste di diversa natura, tecnico/stilistica, che provengono da questo stesso mercato. Il progetto vuole offrire un ampio ventaglio di stimoli, di carattere tecnico, culturale e di scambio tra allievi e coreografi, ciascuno dei quali proviene da e opera in realtà diverse tra le più interessanti del panorama internazionale.
Agora infatti fa incontrare i ragazzi con affermati coreografi di orientamento stilistico diverso, e ha visto in questi anni la presenza di tanti nomi illustri: con Michele Merola ed Enrico Morelli collaborano alla realizzazione del progetto diversi docenti, dotati, ciascuno, di provata e qualificata esperienza nel settore.
michelemerola.it
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Intero: 9 euro
Ridotto under 30, scuole di danza, Liceo Coreutico Matilde di Canossa, over 65, soci CRAL Comune di Reggio Emilia: 6 euro
Ridotto under 8: 3 euro
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I biglietti possono essere acquistati online su www.biglietteriafonderia39.it.
Il servizio di biglietteria in Fonderia è disponibile dalle ore 20.00.
I biglietti non sono numerati.
INGRESSO
È possibile accedere in Fonderia 15 minuti prima dello spettacolo, mostrando l’acquisto online.
All’ingresso verrà provata la temperatura, impedendo l’accesso in caso di temperatura superiore a 37,5°C. In base all’ultimo decreto legge in materia di norme anticovid, l’accesso in Fonderia è consentito esclusivamente agli spettatori muniti di Green Pass rafforzato in corso di validità e mascherina di tipo Ffp2. La disposizione non si applica ai soggetti di età inferiore ai 12 anni e ai soggetti esenti sulla base di idonea certificazione medica rilasciata secondo i criteri definiti dal Ministero della Salute.
Il personale addetto al servizio di controllo ha l’obbligo di verificare tale certificazione al momento dell’ingresso.
Il pubblico è tenuto a indossare correttamente la mascherina di tipo Ffp2 per tutta la durata dell’evento.

My Body trio
2022-05-22 21:00 - 21:50
ANTEPRIMA IN FONDERIA
My Body trio si sofferma sulla questione esistenziale.
Che cosa facciamo? Come stiamo? Da soli, con gli altri, con le cose, con il mondo…
Che cosa ce ne facciamo di questa vita, in questo corpo, in questa situazione?
Si domanda quali strade può prendere e in quali forme si può incarnare il vitalismo umano che ci appartiene e nel quale siamo immersi.

CREDITI
Progetto, coreografia: Stefania Tansini
Danza: Barbara Carulli, Filippo Porro, Stefania Tansini
Luci: Matteo Crespi
Musica: Salvatore Sciarrino
Coproduzione: Romaeuropa Festival, Fondazione Teatro Grande di Brescia, Nanou Associazione Culturale
con il sostegno di Fondazione Nazionale della Danza/Aterballetto, Bando Toscana Terra Accogliente promosso da RAT Residenze Artistiche della Toscana (Anghiari Dance Hub, Con.Cor.D.A. Sosta Palmizi), in collaborazione con Teatro Metastasio di Prato, Fondazione Toscana Spettacolo e Centro di Produzione della Danza Virgilio Sieni, Teatro Petrella di Longiano, Masque Teatro
Foto e video Luca Del Pia
Durata 45 minuti
Stefania Tansini è artista sostenuta dalla Fondazione Teatro Grande di Brescia.
PRESENTAZIONE
Un’affermazione di vita.
Un’accettazione disarmata del nostro essere fragili, vulnerabili, precari. Tutto quello che siamo e che facciamo è sempre ad un passo dal limite.
Un percorso più legato alla composizione umana che coreografica.
Una ricerca della verità intima tra tre esseri umani, tra tre corpi: il primo gruppo possibile.
Una ricerca di vita, libera da sovrastrutture ideologiche o intellettuali. Il tentativo di rivelare in modo puro quello che ci muove, verso gli altri e verso il mondo.
STEFANIA TANSINI
Nata nel 1991, a Ponte dell’Olio (PC).
​Dopo gli studi di ginnastica artistica e di danza classica, nel 2014 si diploma come danzatrice presso la Scuola D’Arte Drammatica Paolo Grassi, sotto la direzione didattica di Marinella Guatterini. Di fondamentale importanza sono gli incontri con Enzo Cosimi, Dominique Dupuy, Cesc Gelabert, Jonah Bokaer, Maria Consagra.
​Nel 2014 prende parte allo spettacolo di Dario Fo e Franca Rame Storia di Q e inizia a lavorare come danzatrice in tutte le produzioni di Simona Bertozzi: Animali senza favola (2014), Prometeo: Contemplazione (2015), Prometeo: il Dono (2015), Prometeo: Astronomia (2016), And It Burns Burns Burns (spettacolo finalista del Premio UBU Danza 2017) e nell’assolo Flow On River (2018).
​Nel 2016 inizia a lavorare con Luca Veggetti per gli spettacoli Non essere, una tentazione (2017), Quarto personaggio (2018), L’inferno dello sguardo (2019), Infinito Nero (2021) e con Ariella Vidach per Temporaneo Tempobeat.
​Si confronta con alcune esperienze di video-danza (Interferenze, cortometraggio, L’isola sbagliata, film, Piano Social, video musicale del musicista Francesco Orio) e nel 2017 viene chiamata da Romeo Castellucci per prendere parte alla sua nuova produzione Democracy in America e nel 2018 al Flauto Magico, opera lirica con la regia di Castellucci e le coreografie di Cindy Van Acker.
Nel 2020 inizia a lavorare con i Motus, nella produzione Tutto Brucia.
​Ha lavorato con Emanuela Tagliavia, in Hopper Variations (2014) e Combustioni (2015), e con Mette Sterre (curatore Robert Wilson) nella performance Structurealist (2015).
Collabora con Corona-Events come trampoliera, coreografa e assistente alla regia.
​Altri incontri fondamentali: Roberta Mosca, Yasmine Hugonnet, Raffaella Giordano, Michalis Theophanous, Cristina Rizzo, Jan Fabre.
​Da sempre è stata accompagnata dalla necessità e dal desiderio di un percorso autoriale di ricerca sul corpo e sul movimento.
stefaniatansini.com
INFO & BIGLIETTI
BIGLIETTI
Intero: 9 euro
Ridotto under 30, scuole di danza, Liceo Coreutico Matilde di Canossa, over 65, soci CRAL Comune di Reggio Emilia: 6 euro
Ridotto under 8: 3 euro
ACQUISTO BIGLIETTI
I biglietti possono essere acquistati online su www.biglietteriafonderia39.it.
Il servizio di biglietteria in Fonderia è disponibile dalle ore 20.00.
I biglietti non sono numerati.
INGRESSO
È possibile accedere in Fonderia 15 minuti prima dello spettacolo, mostrando l’acquisto online.
All’ingresso verrà provata la temperatura, impedendo l’accesso in caso di temperatura superiore a 37,5°C. In base all’ultimo decreto legge in materia di norme anticovid, l’accesso in Fonderia è consentito esclusivamente agli spettatori muniti di Green Pass rafforzato in corso di validità e mascherina di tipo Ffp2. La disposizione non si applica ai soggetti di età inferiore ai 12 anni e ai soggetti esenti sulla base di idonea certificazione medica rilasciata secondo i criteri definiti dal Ministero della Salute.
Il personale addetto al servizio di controllo ha l’obbligo di verificare tale certificazione al momento dell’ingresso.
Il pubblico è tenuto a indossare correttamente la mascherina di tipo Ffp2 per tutta la durata dell’evento.

NEXT STOP_ PALCOSCENICO
2022-06-08 21:00 - 22:00
Studio XL ph Silvia Casali
I giovani danzatori del Corso di perfezionamento StudioXL, diretto da Emanuela Baratin e Laura Matano, danzano le coreografie di Giovanni Insaudo, Nunzio Perricone, Laura Matano e Daniele Bianco
StudioXL International Contemporary Dance Education
StudioXL International Contemporary Dance Education – Direzione Artistica Emanuela Baratin, Laura Matano
StudioXL è rivolto a danzatori dai 18 anni che desiderano approfondire lo studio delle arti performative contemporanee.
Si tratta di un percorso di perfezionamento della durata di otto mesi durante i quali si alterneranno studio, ricerca e messa in scena in tutta Europa.
Al progetto partecipano anche coreografi professionisti di fama internazionale al fine di dare la migliore formazione possibile ai danzatori.
L’obiettivo del percorso di studi è quello di affinare le doti tecniche, sceniche ed espressive di ogni danzatore e guidarlo alla scoperta ed esaltazione della propria identità professionale.
studioxlcontemporary.it
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Intero: 9 euro
Ridotto under 30, scuole di danza, Liceo Coreutico Matilde di Canossa, over 65, soci CRAL Comune di Reggio Emilia: 6 euro
Ridotto under 8: 3 euro
ACQUISTO BIGLIETTI
Nel rispetto delle normative anti-Covid, i biglietti possono essere acquistati soltanto online su www.biglietteriafonderia39.it.
Pertanto i biglietti non possono essere prenotati al telefono o via e-mail.
Il servizio di biglietteria in Fonderia è sospeso.
I biglietti non sono numerati.
INGRESSO
È possibile accedere in Fonderia 15 minuti prima dello spettacolo, mostrando l’acquisto online.
All’ingresso verrà provata la temperatura, impedendo l’accesso in caso di temperatura superiore a 37,5°C. In base all’ultimo decreto legge in materia di norme anticovid, l’accesso in Fonderia è consentito esclusivamente agli spettatori muniti di Green Pass rafforzato in corso di validità e mascherina di tipo Ffp2. La disposizione non si applica ai soggetti di età inferiore ai 12 anni e ai soggetti esenti sulla base di idonea certificazione medica rilasciata secondo i criteri definiti dal Ministero della Salute.
Il personale addetto al servizio di controllo ha l’obbligo di verificare tale certificazione al momento dell’ingresso.
Il pubblico è tenuto a indossare correttamente la mascherina di tipo Ffp2 per tutta la durata dell’evento.

People
2022-10-06 20:30 - 21:30
People è un’analisi profonda e segreta – in alcuni istanti forse serafica – dei contorni degli esseri umani, esponenti di una razza che nella società contemporanea viene sempre più esposta a un fittizio contatto, fatto di sharing fotografico, di giudizi, di gradimento, di seguito e status, inventati e proporzionalmente sempre più circoscritti – spesso esiliati – a una solitudine sociale.
Dacru è un gruppo che ‘trasforma’ il linguaggio della danza hip hop coniugandolo attraverso la danza contemporanea e la performing art. Il gruppo, spesso ospite in festival e rassegne internazionali, da alcuni anni è una delle realtà associate a Naturalis Labor.
CREDITI

Concept e coreografia: Marisa Ragazzo e Omid Ighani
Interpreti: Davide Angelozzi, Elda Bartolacci, Alessandro Marconcini, Graziana Marzìa, Jenny Mattaioli, Afshin Varjavandi
DaCru Dance Company / artista associato
Una produzione Compagnia Naturalis Labor
Con il sostegno di MIC / Regione Veneto / Arco Danza / Comune di Vicenza
Prima assoluta Friederichshafen (D), 11 agosto 2021

Durata: 50′
PRESENTAZIONE
Camera. Casa. Corpo. Mente.
Il perimetro di ogni cosa, solitario o sovrapposto. Perimetri mescolati e incastrati oppure S E P A R A T I, lontani da contatti e pensieri condivisi in spazi condivisi.
spazio
/spà·zio/
[dal lat. spatium, forse der. di patēre «essere aperto»].
Perimetri circoscritti, fisici e mentali
dove non si patiscono emotività sconosciute perché tutto ciò che arriva è già stato conosciuto in un intimo vissuto personale.
PEOPLE è un’analisi profonda e segreta,in alcuni istanti forse serafica, dei contorni degli esseri umani, esponenti di una razza che nella società contemporanea vengono sempre più esposti a un fittizio contatto, fatto di sharing fotografico, di giudizi di gradimento, di ‘seguito’ e ‘status’ inventati, e, proporzionalmente, sempre più circoscritti, spesso esiliati, ad una solitudine sociale.

La compagnia riflette sulla straordinaria potenza delle “distanze sociali” tema carissimo e già trattato in [zerocentimetri] l’ultima produzione messa in scena nel 2019 che in maniera predittiva, introduceva quello che in seguito è diventato uno stato di fatto.
E dunque, in uno spazio limitato e delimitato, ogni respiro diventa una ricerca, una piccola terra da conquistare dove tutti i danzatori occupano la loro confort zone, ciechi a tutto quello vive al di fuori.
Una scena semplice e scarna, pochi oggetti relativi alla quotidianità, piccole stanze disegnate in uno spazio aperto.
Una straordinaria e densa folla di esseri viventi, separati ma troppo vicini per non desiderare segretamente il contrario.
Ti sei mai sentito solo?
solitudine
/so·li·tù·di·ne/
Origine dal lat. solitudo -ĭnis, der. di solus ‘solo’

DACRU DANCE COMPANY
Marisa Ragazzo e Omid Ighani iniziano la loro collaborazione artistica nel 1996, mescolando sistematicamente le personali curiosità artistiche, il proprio background, i propri talenti, attenti a mantenere integre le diversità e spesso riuscendo ad esaltarle.
La loro diversa formazione artistica, accademica per Marisa (Prebil, Trayanova, Lupov, Peter Goss, Sebron) e street per Omid (freestyler, come molti talenti nati e cresciuti nella cultura hip hop degli anni ’80), produce un codice artistico fortemente innovativo e di certo singolare.
Innamorati entrambi della sperimentazione estrema e delle contaminazioni di stili e linguaggi, creano una dimensione coreografica insolita, restando allo stesso tempo assolutamente raggiungibili. Amano la velocità, il virtuosismo tecnico, la fusione dello spazio teatrale con il codice artistico della strada, dalla quale attingono le spinte verso l’arte nei diversi suoi aspetti, cosa che li porta spesso a collaborare con musicisti underground e visual artist.
Il loro primario obiettivo resta quello di uscire dagli spazi convenzionali, attraverso originalità, invenzione, innovazione e ricerca.
Nel 1996 Marisa Ragazzo e Omid Ighani aprono due scuole di formazione professionale di hip hop, tutt’ora in attività, nel Lazio ed in Sardegna, alle quali si aggiungono, negli anni, altre 8 sedi condivise nell’ organizzazione con Cruisin Arts (MC Hip Hop School: Milano, Verona, Jesi, Firenze, Roma, Bari, Catania, Cagliari), ed una scuola di specializzazione per il Video Dance e l’House (Cruisin’ Urban Dance Hdemy: Modena e Roma).
Oltre alle scuole di formazione professionale, svolgono un’intensa attività d’insegnamento, in Italia e all’estero.

Dacru è un gruppo che ‘trasforma’ il linguaggio della danza hip hop coniugandolo attraverso la danza contemporanea e la performing art. Il gruppo, spesso ospite in festival e rassegne internazionali, da alcuni anni è una delle realtà associate a Naturalis Labor.

INFO & BIGLIETTI
BIGLIETTI
Intero: 10 euro
Ridotto under 30, scuole di danza, Liceo Coreutico Matilde di Canossa, over 65, soci CRAL Comune di Reggio Emilia: 6 euro
Ridotto under 8: 3 euro
ACQUISTO BIGLIETTI
I biglietti possono essere acquistati online su www.biglietteriafonderia39.it.
Il servizio di biglietteria in Fonderia è attivo dalle ore 19.30.
I biglietti non sono numerati.
CONTATTI
Tel 0522273016
Cell e whatsapp 3341023554

FOUR SEASONS in Different Seasons
2022-10-13 20:30 - 22:00
LA DANZA MATURA IN OGNI STAGIONE E DIVENTA QUOTIDIANITÀ.
“FOUR SEASONS IN DIFFERENT SEASONS” è il titolo di questo spettacolo dove le musiche di Vivaldi riscritte da Max Richter sono state l’ ispirazione da cui ne sono scaturite quattro coreografie di diversi coreografi che hanno saputo esprimere la loro visione sul tema principale creandone una unica espressione: L’ EMOZIONE.

CREDITI

Regia: Rezart Stafa
Coreografie: Edi Blloshmi, Hektor Budlla, Beatrice Bodini e Saul Daniele Ardillo
Musiche: Antonio Vivaldi ricomposte da Max Richter
Disegno luci: Gessica Germini
Costumi: Nuvia Valestri e Nuovo Balletto Classico

Produzione: Nuovo Balletto Classico
PRESENTAZIONE
Ogni stagione è firmata da un coreografo diverso e fa entrare lo spettatore in una dimensione particolare. La Primavera di Edi Blloshmi è neoclassica, l’Estate di Hektor Budlla, l’Autunno di Beatrice Bodini e l’Inverno di Saul Daniele Ardillo sono contemporanee.

Le stagioni si legano e scorrono una dopo l’altra. Lo spettacolo è un messaggio di speranza e sofferenza concreta che fa riflettere e tocca nel profondo.
Nuovo Balletto Classico

Nel luglio del 2016 inaugura a Reggio Emilia nella sede storica dell’Associazione Balletto Classico di Liliana Cosi e Marinel Stefanescu, la Scuola di alta formazione di Balletto NUOVO BALLETTO CLASSICO, diretta da Grori Dorian, Stafa Rezart , Casolari Elena e Stefanescu Nicoletta per concorrere a preparare le future generazioni di artisti-ballerini. L’ obiettivo è di portare avanti il patrimonio artistico e culturale che, da circa 40 anni, appartiene al tessuto sociale della città. La volontà è quella di infondere disciplina tramite un’ arte così elevata, quale è la danza, per preparare non solo ballerini e insegnanti, ma persone con una alta sensibilità verso il prossimo.
nuovoballettoclassico.it

INFO & BIGLIETTI
BIGLIETTI
Intero: 10 euro
Ridotto under 30, scuole di danza, Liceo Coreutico Matilde di Canossa, over 65, soci CRAL Comune di Reggio Emilia: 6 euro
Ridotto under 8: 3 euro
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I biglietti non sono numerati.
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LOVE POEMS
2022-10-18 20:30 - 22:00
Sotto il titolo LOVE POEMS la MM Contemporary Dance Company presenta una serata composta da tre nuove coreografie tutte all’insegna del contemporaneo:
– DUETTO INOFFENSIVO (estratto da “Rossini Cards”) di MAURO BIGONZETTI rimontato per la MMCDC
– BRUTAL LOVE POEMS di THOMAS NOONE
– VIVALDI UMANE PASSIONI di MICHELE MEROLA.
I tre lavori sono interpretati da otto danzatori della MMCDC, realtà di eccellenza della danza italiana, con una consolidata attività di spettacoli su tutto il territorio nazionale.
Le coreografie della serata, unite dal comune denominatore di una spiccata musicalità, sono caratterizzate da una forte implicazione tanto interpretativa quanto tecnica, che metterà in luce la versatilità stilistica e la straordinaria bravura dei danzatori della compagnia. Da un brano all’altro, la danza diventerà tutt’uno con la musica, sposandone la ricchezza compositiva grazie a coreografie che privilegiano il movimento, la plasticità, ma anche l’importanza del singolo gesto.

DUETTO INOFFENSIVO
Estratto da “Rossini Cards”
Coreografia: Mauro Bigonzetti
Musica: Gioachino Rossini
Assistente alla coreografia: Roberto Zamorano
Luci: Carlo Cerri
Costumi: Helena De Medeiros
Con 2 danzatrici
Un duetto appassionato e intenso, a firma di Mauro Bigonzetti: nelle due donne in scena c’è condivisione, intesa, ma anche disaccordo, e ritroviamo condensati i caratteri e le storie di più personaggi femminili. Dal loro incontro, in un ripetersi e alternarsi continuo di complicità e conflitto, ne nasce uno scambio di energie, sentimenti ed emozioni legate alle delusioni d’amore.

BRUTAL LOVE POEMS
Coreografia: Thomas Noone
Musica: Jim Pinchen
Per 4 danzatori
“Ti amo così tanto da star male. Spero che anche tu soffra quanto me …”
Crudo e dinamico, Brutal Love Poems esplora il lato “selvaggio” che nascondiamo dentro di noi e che si rivela solo nei momenti più intimi. In qualche modo questa rivelazione, del nostro essere più primordiale, terribile e brutale, si manifesta forse sempre e solo davanti a chi è più vicino a noi, alla persona che amiamo.
Un’opera astratta, non narrativa, in cui la risonanza dei movimenti echeggia e si combina per formare un tutto, cercando di intrattenere, provocare e sedurre.

VIVALDI UMANE PASSIONI
Coreografia: Michele Merola
Musica: Antonio Vivaldi
Disegno luci: Cristina Spelti
Costumi: Carlotta Montanari
Per 7 danzatori
Coproduzione Teatro Ristori di Verona
Prima Nazionale: 1 febbraio 2019 – Teatro Ristori di Verona
Ad ogni creazione, Michele Merola punta più in alto, convinto che sia possibile esprimere, in danza, gioie, tenerezze, rabbia, attese, pulsioni, tormenti. Per il coreografo, restituire il fuoco delle passioni a corpi contaminati dalla vita, è, da sempre, conditio sine qua non per rappresentare il senso dell’esistere sulla Terra. Ed è nelle pagine dei grandi compositori che Merola ama ricercare prospettive, simmetrie, assonanze tra l’umano sentire e la musica. Nasce da questa volontà l’incontro con Antonio Vivaldi, per una nuova produzione dove “il rapporto tra musica e movimento fa la parte da leone”, dice Merola.
Partendo dai migliori brani di Vivaldi e dalle suggestioni provenienti dalle opere pittoriche di Marc Chagall, Michele Merola ha realizzato Vivaldi Umane passioni: “Con Vivaldi e la musica barocca riscopro l’amore per il puro disegno coreografico, mentre l’ispirazione che trovo nei quadri di Marc Chagall – opere come Il compleanno (1915), Sulla città (1918), Amore sulla scena (1920), Introduzione al teatro ebraico (1920) – , ha guidato il mio lavoro verso le passioni umane, l’evasione dal quotidiano per staccarsi da terra, l’ascolto delle emozioni interiori. In entrambi gli artisti, avverto una grande voglia di vita, bellezza, eleganza nel vivere”.
Alcuni degli spartiti più noti del compositore si specchiano nei percorsi di Merola: i concerti per violino La Follia, L’Inquietudine, L’Estro Armonico, Il Favorito esprimono al meglio i sentimenti che scandiscono la vita di ognuno. Di fronte a questa grazia suprema, al vortice di intensità sonore e ricchezza di timbri, Merola pigia l’acceleratore delle dinamiche di movimento per sviluppare riflessioni nuove. Da “atleta del cuore”, e dei suoi anfratti più segreti, il coreografo visualizza quei temi con intimo coinvolgimento e taglio fortemente contemporaneo, li scolpisce in danza e nell’aria con la stessa passione e lo stesso furore dettati dalle note. Alimentato dalle due Arti, il dialogo che si crea, intenso, equilibrato per bilanciamento di forze, arricchisce e nutre l’immaginario dello spettatore per complessità e ricchezza compositiva. È un gioco a scacchi nel quale musica e corpi si inseguono, si affrontano, si accavallano, in una dinamica rappresentativa che il connubio rende ancora più intensa.
Ermanno Romanelli

MM Contemporary Dance Company
La MM Contemporary Dance Company è una compagnia di danza contemporanea diretta dal coreografo Michele Merola, nata nel 1999 come centro di produzione di eventi e spettacoli e come promotrice di rassegne e workshop con l’obiettivo di favorire scambi e alleanze fra artisti italiani e internazionali, testimoni e portavoce della cultura contemporanea.
Il repertorio della compagnia, che ha sede a Reggio Emilia, è ricco e variegato, grazie ai lavori di Michele Merola e alle creazioni firmate da coreografi europei e italiani come Maguy Marin, Mats Ek, Mauro Bigonzetti, Thomas Noone, Gustavo Ramirez Sansano, Karl Alfred Schreiner, Eugenio Scigliano, Emanuele Soavi, Enrico Morelli, Daniele Ninarello, Ginevra Panzetti ed Enrico Ticconi, Roberto Tedesco, Camilla Monga.
Nel 2010 la MM Contemporary Dance Company ha vinto il prestigioso Premio Danza&Danza come migliore compagnia emergente e oggi, è, a tutti gli effetti, una realtà di eccellenza della danza italiana, con una consolidata attività di spettacoli su tutto il territorio nazionale. Da alcuni anni ha conquistato un mercato internazionale con spettacoli in paesi europei ed extraeuropei (Corea, Colombia, Canada, Germania, Russia, Marocco, Belgio, Spagna, Slovenia…).
Nel 2017 la MM Contemporary Dance Company ha vinto il Premio Europaindanza 2017 – Premio al Merito alla coreografia, per lo spettacolo Bolero di Michele Merola.
Il 1° gennaio 2021 e il 1° gennaio 2022 la MMCDC è stata presente su RAI 1 nella trasmissione “Danza con me” di Roberto Bolle interpretando coreografie di Mauro Bigonzetti e Lorca Massine.
Per il triennio 2018-20, per il 2021 e per il triennio 2022-24 la MM Contemporary Dance Company è compagnia associata del Circuito InDanza del Trentino Alto Adige.
La MMCDC è sostenuta dal Ministero della Cultura, Regione Emilia-Romagna, Fondazione Nazionale della Danza/Aterballetto, Centro Permanente Danza Danza/Reggio Emilia.
michelemerola.it
INFO & BIGLIETTI
BIGLIETTI
Intero: 10 euro
Ridotto under 30, scuole di danza, Liceo Coreutico Matilde di Canossa, over 65, soci CRAL Comune di Reggio Emilia: 6 euro
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Il piccolo re dei fiori
2022-10-29 17:30 - 18:30, 2022-10-30 17:30 - 18:30
SPETTACOLO PER BAMBINI (4-8 anni)
Il piccolo Re dei Fiori è anche una storia che racconta di due giovani che abitano uno di fronte all’altra. Così vicini eppure così lontani da non aver mai incrociato i loro sguardi. Una mattina però lei lo vede, tutto malinconico, prendersi cura di una piccola aiuola davanti alle loro case, con quell’attenzione che si rivolge solo ai desideri più profondi. È così, osservandolo di nascosto, che inizia a scrivere per lui, su dei piccoli biglietti, la fiaba che li condurrà al loro felice incontro.

CREDITI

Fiaba per musica, ombre e danza da Il piccolo Re dei Fiori di KVĚTA PACOVSKÁ
Una creazione di VALERIO LONGO e FABRIZIO MONTECCHI
Con Marcello Giovani e Isabella Minosi
Drammaturgia: Enrica Carini e Fabrizio Montecchi
Coreografie: Valerio Longo
Regia e scene: Fabrizio Montecchi
Musiche: Paolo Codognola
Sagome: Nicoletta Garioni e Agnese Meroni (tratte dai disegni di Květa Pacovská)
Costumi: Sara Bartesaghi Gallo e Nicoletta Garioni
Voci: Valeria Barreca e Tiziano Ferrari
Luci: Anna Adorno
Collaborazione alla drammaturgia: Valerio Longo e Francesca Magnini
Realizzazione scene e oggetti scenici: Giovanni Mutti, Nicoletta Garioni e Agnese Meroni
Produzione: Balletto di Roma, Teatro Gioco Vita
Debutto Live Streaming: 14 febbraio 2021, Teatro Filodrammatici, Piacenza
Pubblico: da 4 a 8 anni
Durata: 50 minuti
PRESENTAZIONE
Il piccolo Re dei Fiori è il testo di Květa Pacovská intorno al quale si sono ritrovate due storiche strutture del teatro e della danza come Balletto di Roma, che ha celebrato nel 2020 i sessant’anni dalla fondazione, e Teatro Gioco Vita che nel 2021 celebra i cinquant’anni e che, alla fine degli anni Settanta, ha incontrato il teatro d’ombre dando un contributo originale alla nascita del teatro ragazzi. Il progetto esplora una forma di contaminazione tra linguaggi come la danza, l’ombra e la musica, pensandola espressamente per i più piccoli.
Il piccolo Re dei Fiori è una fiaba. Della fiaba c’è il classico “C’era una volta” e anche l’immancabile “Re” che però qui è piccolo e curioso, vive in solitudine, ama il suo giardino e ha le tasche piene di bulbi di tulipano. Della fiaba c’è anche il tema “dell’attesa”, la lunga attesa del Re prima dello sbocciare dei fiori e anche quello della “mancanza”. Mancanza di cosa? Il Re non lo sa, ma sa che i suoi tulipani, pur bellissimi, non riescono a renderlo felice. E allora ecco il “viaggio” alla ricerca di ciò che può colmare la sua mancanza. Un viaggio che è come un sogno, su rotte nuove e sconosciute al Re, che dura solo un giorno e una notte ma che sembra racchiudere il tempo di una vita.

Nella luce del mattino il Re sente una voce sottile provenire da un fiore di tulipano appena dischiuso che ripete “sono qui, sono qui…”. Davanti a una piccola principessa il re pieno di meraviglia si chiede “È forse lei che ho tanto a lungo cercato?”.
Come in ogni fiaba che si rispetti non manca nemmeno il “e vissero tutti felici e contenti” e questo ci fa pensare che sì, era proprio lei che il Re aveva tanto a lungo desiderato.
Il piccolo Re dei Fiori è anche una storia che racconta di due giovani che abitano uno di fronte all’altra. Così vicini eppure così lontani da non aver mai incrociato i loro sguardi. Una mattina però lei lo vede, tutto malinconico, prendersi cura di una piccola aiuola davanti alle loro case, con quell’attenzione che si rivolge solo ai desideri più profondi. È così, osservandolo di nascosto, che inizia a scrivere per lui, su dei piccoli biglietti, la fiaba che li condurrà al loro felice incontro.

Il piccolo Re dei Fiori è uno spettacolo in cui il tema della ricerca della felicità è reso con leggerezza e poesia, grazie a una trama semplice ed essenziale e un immaginario esuberante e fantasioso. Con il contrappunto di poche ma importanti parole, il racconto prende forma scenica grazie a un ricco tessuto musicale che accompagna e sostiene le spettacolari immagini d’ombra di Teatro Gioco Vita, tratte dalle splendide illustrazioni di Květa Pacovská, e gli espressivi gesti dei due danzatori interpreti del Balletto di Roma, frutto delle originali coreografie di Valerio Longo.
Il potere di una fiaba è racchiuso nella sua capacità di essere incredibilmente lontana e allo stesso tempo vicina al nostro vivere quotidiano. Quello che ci viene richiesto per accedere a una fiaba è di accettare di farci piccoli, piccolissimi, passare attraverso ingressi magici e inaspettati, saper attendere e, nell’attesa, prestare attenzione a ogni parola, a ogni gesto, a ogni ombra per poter essere dalla fiaba stessa meravigliati. Così dunque è anche per noi. In questa fiaba, quasi archetipica, un Re, un giardino incantato, l’attesa, un desiderio sconosciuto, un viaggio, un ritrovarsi nella felicità, si animano nelle ombre attraverso la musica e la danza, e permettono ai sentimenti di ognuno di rivelarsi in essa. Così, come ogni fiaba, parola dopo parola, anima i desideri di coloro che la ascoltano, così la vita, inaspettatamente, li conduce a realizzarli.

Balletto di Roma / Teatro Gioco Vita
Balletto di Roma, fondato nel 1960 da Franca Bartolomei e Walter Zappolini, promuove da sempre la produzione e la diffusione della danza d’autore italiana in Europa e nel mondo, con un repertorio attento oggi all’innovazione e alla ricerca pur mantenendo forte l’attenzione alla storia e alla tradizione che lo hanno reso famoso. Negli anni, la struttura romana ha visto susseguirsi prestigiose collaborazioni e molteplici anime creative e l’attività produttiva è cresciuta, sia in termini di quantità che di qualità delle opere allestite nel corso delle stagioni, con un crescente consenso di pubblico. A partire dal 2018, il direttore generale Luciano Carratoni porta un significativo cambio generazionale al vertice della struttura nominando alla direzione artistica Francesca Magnini, docente universitaria presso la Sapienza di Roma. La nuova figura artistica rafforza gli schemi e amplia gli obiettivi d’internazionalizzazione coinvolgendo enti e istituzioni: tra le collaborazioni anche quella con Dipartimento di Storia, Antropologia, Religioni, Arte e Spettacolo della Sapienza Università di Roma.
ballettodiroma.com
Teatro Gioco Vita (direzione artistica Diego Maj) nasce nel 1971 dall’esperienza dell’animazione teatrale e con il suo modo peculiare di fare e di vivere il teatro dà un contributo originale alla nascita del teatro ragazzi. Incontra il teatro d’ombre alla fine degli anni Settanta e matura un’esperienza unica nel suo genere che gli vale riconoscimenti e prestigiose collaborazioni in ogni parte del mondo. La Compagnia d’ombre, con Fabrizio Montecchi e Nicoletta Garioni responsabili artistici, è impegnata oltre che nella produzione di spettacoli in attività di laboratorio e nella formazione professionale. Teatro Gioco Vita affianca l’attività sul territorio (Stagione di Prosa del Teatro Municipale di Piacenza, rassegne teatrali, festival e altri eventi culturali, ospitalità, laboratori, formazione) ad una dimensione sempre più internazionale che ha portato i suoi spettacoli di teatro d’ombre ad essere rappresentati, oltre che in Europa, negli Stati Uniti, in Brasile, Messico, Canada, Giappone, Cina, Israele, Taiwan, Turchia, Giordania e Senegal.
teatrogiocovita.it

INFO & BIGLIETTI
BIGLIETTI
Per tutti 6 euro
ACQUISTO BIGLIETTI
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Il servizio di biglietteria in Fonderia è attivo dalle ore 16.30.
I biglietti non sono numerati.
CONTATTI
Tel 0522273016
Cell e whatsapp 3341023554

Cosmogony
2022-11-06 19:30 - 20:30
SPETTACOLO ANNULLATO
Cosmogony è una performance dal vivo con tre danzatori che vengono ripresi dal vivo nello studio della Compagnia Gilles Jobin a Ginevra e proiettati in tempo reale per il pubblico di Reggio Emilia e Bologna.
L’ospitalità è in collaborazione con Compagnia della Quarta / Zed Festival e ERT Emilia Romagna Teatro

CREDITI
Regista Gilles Jobin
Performer Susana Panadés Diaz, Rudi van der Merwe, Jozsef Trefeli
Lead Dance Artist Susana Panadés Diaz
Lead 3D Artist Tristan Siodlak
Lead Technologist Camilo de Martino
Lead Technical Artist Pierre-Igor Berthet
Motion Capture Pedro Ribot
Mocap cameras Qualisys
Musica Tar Pond
Music Arrangement Marky Edelmann, Tommy Vetterli
Mastering Dan Suter – Echo Chamber
Amministrazione Gonzague Bochud
Responsabile produzione Lucía Díaz-Tejeiro
Produzione Cie Gilles Jobin
Con il sostegno della Città e del Cantone di Ginevra e di Swiss Arts Council Pro Helvetia
Premiere Singapore International Festival of Arts, 14–16 maggio 2021
Durata 32′
PRESENTAZIONE
Cosmogony è una performance dal vivo con tre danzatori che vengono ripresi dal vivo nello studio della Compagnia Gilles Jobin a Ginevra e proiettati in tempo reale per il pubblico di Reggio Emilia, Bologna e Torino.
I movimenti dei danzatori sono catturati a Ginevra, tagliati in “bit” digitali e inviati istantaneamente attraverso il cyberspazio per apparire come avatar, sullo schermo e in tempo reale per un pubblico in carne e ossa, a migliaia di chilometri di distanza dallo studio della compagnia.
I corpi dei danzatori e i loro avatar sono agganciati come particelle in uno stato quantico, che compiono azioni spettrali a distanza, i cui movimenti vengono istantaneamente teletrasportati in tutto il mondo. I danzatori agiscono come burattinai dei loro stessi corpi, animando i loro avatar in tempo reale e componendo la cosmogonia di un mondo in sospensione. In uno spazio cosmico o nel cuore di una città virtuale, i corpi in movimento dei danzatori si liberano dalle leggi della fisica al suono analogico e dronante della band svizzera di doom rock Tar Pond, offrendo al pubblico un viaggio ipnotico oltre la realtà.

Cie Gilles Jobin
Dal 1995 la Cie Gilles Jobin ha creato più di 20 progetti coreografici, che sono diventati sono diventati dei riferimenti sulla scena mondiale. Nel 2015 Gilles Jobin ha ricevuto il Gran Premio Svizzero per la Danza dell’Ufficio svizzero della cultura.
Con il film in 3D WOMB, nel 2016, la compagnia ha iniziato a indagare le possibilità digitali per la danza contemporanea all’interno del volume della cornice. Scoprendo il potere della motion capture, la compagnia ha creato VR_I, un’opera di danza innovativa in realtà virtuale immersiva, che ha debuttato al FNC – Festival du Nouveau Cinema di Montreal e ha vinto sia il premio per l’innovazione che il premio People’s Choice for Most Innovative Work for New Platforms. Nel 2018 l’opera è stata presentata al Sundance Film Festival e alla 75a Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia. È seguito un tour mondiale in oltre 50 città e 20 Paesi in America, Asia ed Europa, diventando così l’installazione VR più visitata al mondo. più visitata al mondo. La compagnia ha creato Dance Trail (AR) al Sundance Film Festival 2020 e, nel 2020, La Comédie Virtuelle – live show, una performance multiutente dal vivo selezionata in concorso ufficiale alla 77ª Mostra internazionale d’arte cinematografica di Venezia, che ha vinto il premio del settore Quebec XR Numix 2021.
gillesjobin.com

INFO & BIGLIETTI
INGRESSO
Gratuito
PRENOTAZIONE POSTO

È necessario prenotare il proprio posto
– mandando un’email a biglietteria@aterballetto.it, oppure;
– inviando un SMS o un messaggio whatsapp a 3341023554
CONTATTI
Cell e whatsapp 3341023554

Alcune Coreografie
2022-11-11 20:30 - 21:30
Alcune Coreografie mette in dialogo la danzatrice Ramona Caia con un prezioso e ponderoso lavoro di raccolta video, montaggio e successiva rielaborazione di una serie di tipologie di danze. La coreografia si costruisce attraverso la mimesi di una moltitudine di frammenti video montati in una sequenza serrata, frugando tra la storia della danza e della performance, attraversando il cinema e internet, in cerca di una materia cinetica sensibile.

CREDITI
Ideazione, regia e videocoreografia: Jacopo Jenna
Collaborazione e danza: Ramona Caia
Collaborazione e video: Roberto Fassone
Musica originale: Francesco Casciaro
Disegno luci: Mattia Bagnoli
Costume: Eva Di Franco

Organizzazione: Luisa Zuffo
Produzione: KLm – Kinkaleri
Coproduzione: Centrale Fies
Con il supporto di Azienda Speciale Palaexpo – Mattatoio
Progetto PrendersiCura

selezionato per AEROWAVES 2022
NID – Italian Dance Platform 2022

PRESENTAZIONE
Alcune Coreografie mette in dialogo la danzatrice Ramona Caia con un prezioso e ponderoso lavoro di raccolta video, montaggio e successiva rielaborazione di una serie di tipologie di danze. La coreografia si costruisce attraverso la mimesi di una moltitudine di frammenti video montati in una sequenza serrata, frugando tra la storia della danza e della performance, attraversando il cinema e internet, in cerca di una materia cinetica sensibile.
Diviso in due parti distinte, Alcune Coreografie parla della danza che parla della danza attraverso la danza e che con essa si confonde fino a produrre nuove immagini.
La danzatrice incarna, trasforma, connette e riporta al presente il corpo dell’immagine, ne sonda la dinamica, la libertà e l’immediatezza linguistica senza un punto di vista privilegiato, lo sradica dall’immaginario nello svolgimento di una coreografia esatta. La danza tenta di liberarsi dalla forza dell’immagine, smettendo di riferirsi a qualcos’altro, per iniziare a rifarsi solo a se stessa.

Nella seconda parte un video originale dell’artista Roberto Fassone offre una sequenza di coreografie visive, un paesaggio simbolico dove l’umano è assente ma che ancora cerca un rapporto con il corpo in scena e riflette su quella materia intangibile di cui la danza è fatta.

Jacopo Jenna
Jacopo Jenna è un coreografo, performer e filmaker. La sua ricerca indaga la percezione della danza e la coreografia come una pratica estesa, generando vari contesti performativi in cui ricollocare il corpo in relazione al movimento. Laureato in Sociologia, si forma nella danza presso Codarts (Rotterdam Dance Academy).
Si occupa di formazione e percorsi educativi per varie fasce di età elaborando nuove strategie di relazione con l’arte perfomativa. Ha collaborato in Europa con compagnie stabili, progetti di ricerca coreografica e vari artisti tra cui Jacopo Miliani, Caterina Barbieri, Roberto Fassone, Ramona Caia, Bassam Abou Diab.
Il suo lavoro è prodotto e supportato da spazioK/Kinkaleri, ha presentato i suoi progetti presso festival ed istituzioni come Centrale Fies Dro, Virgilio Sieni – Centro nazionale di produzione Firenze, MART Rovereto, Contemporanea Festival Prato, Pépinières européennes pour jeunes artistes/ Jeune Création-Vidéo Cinéma, Fondazione Palazzo Strozzi Firenze, Centro per l’Arte Contemporanea Luigi Pecci Prato, Fabbrica Europa Firenze, CROSS award, Danae Festival Milano, Short Theatre Roma, Dansem Marsiglia, Bipod Festival Beirut, Palazzo Grassi Punta della Dogana Venezia, Chantiers d’Europe – Théâtre de la Ville Parigi, Do Disturb – Palais de Tokyo Parigi, Mudam – Museo di arte contemporanea Lussemburgo.
jacopoj.it
INFO & BIGLIETTI
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Intero 10 euro
Ridotto under 30, scuole di danza, Liceo Coreutico Matilde di Canossa, over 65, soci CRAL Comune di Reggio Emilia: 6 euro
Ridotto under 8: 3 euro
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Winter Forest
2022-11-18 20:30 - 21:30
Winter Forest crea un paesaggio inclassificabile dal carattere invernale, glaciale, come di foresta nordica, ottenuto con speciali effetti di luce riflessa su un fondale di seta.

CREDITI

Coreografia Fabrizio Favale
Danzatori Daniele Bianco, Valentina Staltari, Po-Nien Wang
Set, costume e art work First Rose
Suoni registrati negli zoo di diversi paesi nel mondo Fabrizio Favale
Musiche Massimo Carozzi, Daniela Cattivelli, Christian Fennesz, Jónsi, Alex Somers
Una co-produzione Festival Danza in Rete – Fondazione Teatro Comunale di Vicenza, KLm – Kinkaleri / Le Supplici / mk
Con il contributo di MIC, Regione Emilia-Romagna
Con il sostegno di h(abita)t – Rete di Spazi per la Danza / Sementerie Artistiche, Crevalcore

PRESENTAZIONE
Winter Forest crea un paesaggio inclassificabile dal carattere invernale, glaciale, come di foresta nordica, ottenuto con speciali effetti di luce riflessa su un fondale di seta. Qui si muovono tre danzatori in una danza fatta dell’intreccio fra un’elevata complessità tecnica e movimenti sconosciuti, come creature di altri mondi. Spazio e costumi dei danzatori presentano simili tratti estetici, con conseguente effetto mimetico. La coreografia è costruita con un’idea ciclica in cui gli elementi, pur variando, tornano e ritornano con un’apparente casualità, come accade ai temporali e alle tempeste.

Dopo aver frequentato a lungo i paesaggi nei loro mutamenti dentro l’alternarsi delle stagioni (Le Stagioni Invisibili – Ciclo Coreografico Infinito 2018-2021, premiato con il Premio Per Chi Crea di Siae e Mibac e selezionato dal Big Pulse Alliance come uno degli otto migliori progetti outdoor europei 2021), con questo progetto Fabrizio Favale indaga ora il concetto di mimetismo. Talvolta utile in natura, talvolta inutile, il mimetismo è colto qui prima di tutto come evento estetico. Una modalità di scomparire, dissolversi nel circostante, per riapparire con le sembianze del circostante.

Fabrizio Favale
La sua danza è orientata all’astrazione, tipica delle tecniche americane con cui si è formato. I paesaggi coreografici che disegna nelle sue opere sembrano rimandare di volta in volta a mondi lontani e sconosciuti, in cui la danza si presenta come un orizzonte libero da interpretazioni e classificazioni.
Fabrizio studia balletto classico con Denis Carey, Victor Litvinov, Sue Carlton Jones. Tecniche contemporanee con Andé Peck, Roberta Garrison, Jeff Slayton, Betty Jones, Nina Watt, Irene Hultmann, Louise Burns, Alwin Nicholais.
Fin da giovanissimo ha ricevuto numerose borse di studio tra cui Full Scholarship all’American Dance Festival, Duke University, USA nel 1990.
A 19 anni riceve il premio “Nati per la danza” presso il Teatro Romolo Valli di Reggio Emilia e a 26 anni è stato nominato “miglior danzatore italiano dell’anno 1996” dal Premio G. Tani.
Dal 1991 al 2001 ha danzato per la Compagnia di Danza Virgilio Sieni.
Dal 1999 ha creato oltre 30 coreografie, ricevendo premi in Spagna, Germania, Italia e Serbia, esibendosi in numerosi festival e teatri come Théâtre National de la Danse Chaillot Paris, Biennale de la Danse de Lyon, La Biennale di Venezia, Suzanne Dellal Tel Aviv, SIDance Seoul, Varna International Festival e molti altri.
I suoi lavori sono stati coprodotti da Théâtre National de la Danse Chaillot Paris, MUSEION – National Museum of Arts in Bolzano, Tanz Bozen Festival, Festival MILANoLTRE Milano, Fondazione Teatro Comunale di Vicenza.
Nel 2011, in occasione della presentazione del lavoro “Un ricamo sul nulla” al Gran Teatro dell’Accademia Nazionale di Danza di Roma, riceve la “Medaglia del Presidente della Repubblica al talento coreografico italiano”.
Inventa una serie di formati sperimentali di programmazione, che sono invitati da Festival e Teatri italiani. I principali sono: “Piattaforma della Danza Balinese” (2014-2015) per Santarcangelo Festival e “Circo Massimo” (2016-2017) per Teatro Duse Bologna.
Collabora con musicisti e compositori come Mountains (USA), Teho Teardo (IT), Daniela Cattivelli (IT) e artisti visivi come ZimmerFrei (IT), Lele Marcoianni (IT).
Il suo progetto outdoor Le Stagioni Invisibili – Ciclo Coreografico Infinito 2018-2021, ha ricevuto il Premio Produzione “PerChiCrea 2019” di Siae e Mibac ed è stato selezionato da Big Pulse Dance Alliance come uno dei migliori 8 progetti europei 2021 nel programma Open Air Commissions.
Con il duo First Rose (Fabrizio Favale e Andrea Del Bianco), disegna anche scene, costumi e manufatti, che a volte innestano le opere coreografiche con una figurazione enigmatica di strani esseri, come ibridi di una sorta di mondo insieme organico e inorganico.
Per il triennio 22-24 Fabrizio Favale è nominato Artista Associato Italiano di MILANoLTRE, Teatro Elfo-Puccini Milano.
lesupplici.it
INFO & BIGLIETTI
BIGLIETTI
Intero 10 euro
Ridotto under 30, scuole di danza, Liceo Coreutico Matilde di Canossa, over 65, soci CRAL Comune di Reggio Emilia: 6 euro
Ridotto under 8: 3 euro
ACQUISTO BIGLIETTI
I biglietti possono essere acquistati online su www.biglietteriafonderia39.it.
Il servizio di biglietteria in Fonderia è attivo dalle ore 19.30.
I biglietti non sono numerati.
CONTATTI
Tel 0522273016
Cell e whatsapp 3341023554

NEXT STOP_ PALCOSCENICO
2022-12-04 18:00 - 19:30
NEXT STOP_ PALCOSCENICO
Contenitore di creazioni contemporanee che aprono le porte al mondo professionale performativo.
Coreografi in Creazione 2022
Roberto Tedesco, Laura Matano, Taulant Shehu

Interpreti
Giovani danzatori del Corso di perfezionamento StudioXL Reggio Emilia
Compagnia XL

MEMORY LAB
Ricordare deriva dal latino: re- indietro e cor cuore. Richiamare in cuore.
Nei tempi più antichi si pensava che il cuore fosse la sede della memoria che oggi sappiamo essere il cervello.
In questi termini dunque ricordare non vuol dire solamente “avere memoria” ma far vivere dentro di te le esperienze passate, tornando a farle impattare sulla tua essenza e la tua vita.
Racconti e aneddoti, ma anche desideri, obiettivi e sogni. E ancora ipotesi, paure e timori su ciò che saremo, su quello che verrà.
Il risultato finale di un laboratorio sull’infanzia vista da chi non troppo tempo fa la viveva e al contempo, nell’immaginarsi anziani, da chi oggi può solo ipotizzare memorie ancora sconosciute.
Coreografia Roberto Tedesco
Interpreti Danzatori della formazione StudioXL
Musiche Hiro Kone, Colleen
Disegno Luci Gessica Germini
Oh Peter, hello. Goodbye.
Eccolo il saluto che dovevi diventare.
Lo attendevo con comprensione perché in tutte le nostre cose c’erano sentenze e redenzioni. Dentro è incluso il desiderio a cui dovevo tornare e che avrei dovuto conservare. È necessario un controllo risoluto delle aspirazioni per non divenirne vittima.
Sei senza assedio, e io non sono più un sorriso bensì l’inverno. Copriti anche tu.
Dicevi che ogni corpo cerca, chiama, deve compiersi. È vero, eccolo il rituale per andare.
Sento che vuoi trascinarmi nel tuo spazio ma ho scelto di farmi tornare da me stessa, in simbiosi con i miei gesti larghi e senza costrizioni. Finché non si compiranno faremo da guardie ai nostri sonni ma stando di profilo, per dare accesso agli incubi.
Poi aprirò le mani come in uno spazio tutto mio, senza avere intorno le tue che cercano di prendere un ultimo sguardo da vicino.
Coreografia Laura Matano
Interpreti Compagnia XL
Musiche Autori Vari
Disegno Luci Gessica Germini

Time
La percezione del tempo è fortemente soggettiva, ognuno di noi ha il proprio passato. Noi siamo il nostro passato. Lo dimostra il nostro volto con i segni dell’età che avanza , lo dimostrano i nostri occhi in cui traspare un misto di delusione e soddisfazione.
Senza la memoria del passato, senza la proiezione nel futuro, non si può dare un senso al mondo e alla gente che lo abita.
Perciò sta a noi scegliere e farci delle domande, il tempo è un nostro alleato? Può esso quindi rimarginare le nostre ferite? Oppure usiamo il tempo solo per dimenticare ed eventualmente perdonare?
Coreografia Taulant Shehu
Interpreti Danzatori della formazione StudioXL
Autori Ezio Bosso
Disegno Luci Gessica Germini
StudioXL International Contemporary Dance Education
Direzione Artistica Emanuela Baratin, Laura Matano
StudioXL è rivolto a danzatori dai 18 anni che desiderano approfondire lo studio delle arti performative
contemporanee.
Si tratta di un percorso di perfezionamento della durata di otto mesi durante i quali si alterneranno studio, ricerca e messa in scena in tutta Europa.
Al progetto partecipano anche coreografi professionisti di fama internazionale al fine di dare la migliore formazione possibile ai danzatori.
L’obbiettivo del percorso di studi è quello di affinare le doti tecniche, sceniche ed espressive di ogni danzatore e guidarlo alla scoperta ed esaltazione della propria identità professionale.
studioxlcontemporary.it
INFO & BIGLIETTI
BIGLIETTI
Intero 10 euro
Ridotto under 30, scuole di danza, Liceo Coreutico Matilde di Canossa, over 65, soci CRAL Comune di Reggio Emilia: 6 euro
Ridotto under 8: 3 euro
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Il servizio di biglietteria in Fonderia è attivo dalle ore 17.00.
I biglietti non sono numerati.
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Pollicino Show
2022-12-10 17:30 - 18:30
SPETTACOLO PER BAMBINI (6-11 anni)
Pollicino è piccolo ma, in qualche modo, è già grande. Ha sei fratelli e due genitori che per vivere tagliano la legna. Con l’arrivo di una pesante carestia il cibo non basta più per sfamare tutti.
Il padre, allora, ha un’idea: abbandonare i figli nel bosco per evitargli la fame. Da qui inizia l’avventura di Pollicino e dei suoi fratelli.

CREDITI
regia Cinzia Pietribiasi
coreografia e interpretazione Davide Tagliavini
illustrazioni e oggetti di scena Giovanni Copelli
Produzione Artemis Danza
in collaborazione con Compagnia Pietribiasi/Tedeschi
GRUPPO IBRIDO
GRUPPO IBRIDO (Reggio Emilia, 2021) nasce per volontà del danzatore Davide Tagliavini, dell’artista digitale Cinzia Pietribiasi e del pittore Giovanni Copelli. Il Gruppo crea lavori multidisciplinari per l’infanzia che intersecano danza, voce, videoproiezione, arte, scultura e nuove tecnologie. Pollicino è il primo lavoro, prodotto dalla Compagnia Artemis Danza.
Davide Tagliavini (1990) lavora con Luna Cenere, Artemis Danza, Marina Abramović, Gruppo Nanou, Anna Albertarelli, Lara Russo e altri. Da anni conduce laboratori di danza per bambini, adolescenti e gruppi inclusivi. Dal 2020 assiste Luna Cenere alla conduzione del Laboratorio Genealogia.
Cinzia Pietribiasi (1979) è Junior Scientist presso l’Accademia di Belle Arti di Roma e docente di Computer Art. Come membro di Jan Voxel vince il bando Residenze Digitali 2021. Recita nel ruolo di Mowgli con la Baracca, Teatro Testoni Ragazzi di Bologna e con Ambaradan Teatro. Con la Compagnia Pietribiasi/Tedeschi lavora a progetti di teatro-danza per l’infanzia.
Giovanni Copelli (1989) è un artista visivo. Si diploma nel 2015 presso la Goldsmiths University di Londra e nel 2013 all’Accademia di Bologna. Realizza diverse mostre personali e collettive in tutta Europa.
INFO & BIGLIETTI
BIGLIETTI
Per tutti 6 euro
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Il servizio di biglietteria in Fonderia è attivo dalle ore 16.30.
I biglietti non sono numerati.
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Esercizi per un manifesto poetico
2022-12-13 20:30 - 21:30
Lavoro di debutto del Collettivo MINE, Esercizi per un manifesto poetico coincide con l’atto fondativo della compagnia.
Un manifesto poetico/ coreografico corale, un inno all’incontro umano e artistico, all’autorialità condivisa e alla poetica del corpo attraverso cui il collettivo investiga il proprio rapporto con l’estetica, la coreografia, i linguaggi, le regole e la ribellione.

CREDITI

Coreografia, invenzione e danza Francesco Saverio Cavaliere, Fabio Novembrini, Siro Guglielmi, Roberta Racis, Silvia Sisto
Performers Francesco Saverio Cavaliere, Fabio Novembrini, Siro Guglielmi, Roberta Racis, Silvia Sisto
Musica originale Samuele Cestola
Disegno luci Luca Serafini
Amministrazione, produzione esecutiva Fabbrica Europa
Promozione Jean-François Mathieu

Sostegno alla produzione FVG/Artisti Associati Gorizia; Centro Nazionale di produzione Firenze – Compagnia Virgilio Sieni, Operaestate Festival/ CSC Centro per la scena contemporanea del Comune di Bassano del Grappa, L’arboreto – Teatro Dimora | La Corte Ospitale Centro di Residenza Emilia Romagna, Fondazione Romaeuropa, Gender Bender Festival di Bologna e Triennale Milano Teatro, Teatro India- Teatri di Roma, Fondazione Fabbrica Europa, Spazio13Bari
Selezionato per NID New Italian Dance Platform 2022, Aerowaves Twenty22 Artist
Vincitore DNA- Appunti Coreografici Giovani Coreografi Italiani 2019, Romaeuropa

PRESENTAZIONE
Lavoro di debutto del Collettivo MINE, Esercizi per un manifesto poetico coincide con l’atto fondativo della compagnia. Il manifesto coautorale trova la sua stesura danzata in una pratica coreutica scritta a dieci mani dove respiro individuale ed unisono si compenetrano e dove la tessitura corale e sincronica dello spazio e dei corpi diviene ispirazione di un linguaggio collettivo e di una poetica evocativa.
Ripetizione, determinazione ostinata, una sola azione scenica, potente e strutturata come strumento di scrittura condivisa, capace di generare interazioni e accendere corrispondenze, dando vita a un corpo unico che riflette sulla capacità di attraversare insieme il cambiamento e lo scorrere del tempo. Esercizi per un manifesto poetico investiga la compresenza di una scrittura coreografica rigorosa e di una temperatura emotiva aperta e vibrante che si gioca nel qui ed ora.

COLLETTIVO MINE
MINE nasce dall’incontro artistico fra Francesco Saverio Cavaliere, Siro Guglielmi, Fabio Novembrini, Roberta Racis e Silvia Sisto. MINE è un esperimento di collettivo, di creazione orizzontale e di scrittura coreografica a dieci mani che si propone di portare avanti un lavoro di ricerca incentrato sulla condivisione di pratiche, sperimentazioni e linguaggi.
Esercizi per un manifesto poetico, vincitore dell’edizione 2019 di DNA Appunti Coreografici segna l’inizio della loro collaborazione artistica.
Nel 2020 debuttano con il progetto coreografico Corpi Elettrici, in collaborazione con il Gender Bender Festival e con la Scuola di Musica Elettronica del Conservatorio G.B. Martini di Bologna. Il lavoro nasce inizialmente come un progetto speciale di Gender Bender e del Conservatorio G.B. Martini di Bologna, messo a punto durante il lockdown per far lavorare insieme i 5 dancemaker del Collettivo con 20 allievi e allieve dei corsi di Musica Elettronica e di Musica Applicata. Da questi incontri, avvenuti nella forma di sessioni in videoconferenza, sono state realizzate 20 brevi opere video, o un’allieva del Conservatorio. Da questi 20 video il Collettivo MINE ha successivamente messo a punto una creazione per il palcoscenico.
Nel 2021 sono coreografi per il progetto Swans never die (Danzare la memoria 2020-2022) un progetto di Lavanderia a Vapore – Centro di Residenza per la Danza (Piemonte dal Vivo – Circuito Multidisciplinare dello Spettacolo, Coorpi, Didee Arti e Comunicazioni, Mosaico Danza, Zerogrammi); Operaestate Festival Veneto e Centro per la Scena Contemporanea CSC Bassano del Grappa; Triennale Milano Teatro; Fondazione Teatro Grande di Brescia; Festival Bolzano Danza – Fondazione Haydn; Gender Bender Festival; “Memory in Motion. Re-Membering Dance History (Mnemedance)” – Università Ca’ Foscari Venezia; DAMS – Università degli Studi di Torino, con il coordinamento scientifico di Susanne Franco.

INFO & BIGLIETTI
BIGLIETTI
Intero: 10 euro
Ridotto under 30, scuole di danza, Liceo Coreutico Matilde di Canossa, over 65, soci CRAL Comune di Reggio Emilia: 6 euro
Ridotto under 8: 3 euro
ACQUISTO BIGLIETTI
I biglietti possono essere acquistati online su www.biglietteriafonderia39.it.
Il servizio di biglietteria in Fonderia è attivo dalle ore 19.30.
I biglietti non sono numerati.
CONTATTI
Tel 0522273016
Cell e whatsapp 3341023554

MADE IN ITALY 27.0
2022-12-17 20:30 - 22:00
Agora Coaching Project – Made in Italy 27.0 – ph Nicola Stasi
Protagonisti i danzatori di Agora Coaching Project, progetto di alto perfezionamento nella danza promosso e sostenuto dalla MM Contemporary Dance Company e dall’A.S.D Progetto Danza di Reggio Emilia con la direzione artistica di Michele Merola ed Enrico Morelli. Nato nel 2010, il corso ormai sta ottenendo pieno riconoscimento nel mondo della danza europea e vanta collaborazioni con docenti e coreografi di fama internazionale.
In scena Made in Italy 27.0 con coreografie di Uri Ivgi e Johan Greben, Emanuele Soavi
NICE TO MEET YOU
Coreografia Uri Ivgi e Johan Greben
Assistente alla coreografia Fabrizio Di Franco
Musica Tom Parkinson
Drammaturgia Judith Schoneveld
Uno spazio vuoto che si riempie pian piano di personalità diverse, che si incontrano ed indagano insieme la complessa semplicità delle relazioni umane.
Nice to meet you è uno spazio aperto che mira a rompere la quarta parete e creare un intimo dialogo tra danzatori e spettatori, quasi come a condividere un segreto.
Il movimento è terreno ma anche leggero e ironico, a sottolineare le mille sfumature della natura umana e l’enorme fragilità che si cela nel guardare negli occhi qualcuno e dire “nice to meet you”.
ALLEGRO BEYOND SONATAS
Coreografia Emanuele Soavi
Assistenti alla Coreografia Federico Casadei, Lorenzo Molinaro
Musica J. S. Bach, Stefan Bohne
Costumi Nuvia Valestri
Questo lavoro nasce dallo studio di approfondire il concetto di esattezza tecnica e al contempo libertà di ricerca del movimento.
Una risposta fisica ai contrappunti, ritmi, complessi appuntiti e alla velocità della musica di J. S. Bach.
Sul palcoscenico, gli interpreti creano configurazioni che sono in continua evoluzione. Brevi assoli, duetti e raggruppamenti di ensemble appaiono e scompaiono; si sciolgono dentro e fuori dall’oscurità e da aperture sul retro del palco. Il movimento è un’esplorazione estesa delle forme e delle geometrie che i corpi umani possono creare in un contesto formale.
Non c’è possibilità di nascondersi in Allegro Beyond Sonatas. Ogni parte del corpo deve essere ampiamente esplorata come ogni movimento che si articola attraverso l’intero telaio – vocabolario del corpo; inclusa la punta delle dita, inclusa l´espressione della propria identità.
AGORA COACHING PROJECT
AGORA COACHING PROJECT è un progetto annuale di perfezionamento nella danza rivolto a danzatori di età compresa fra i 18 e i 22 anni, che ha sede a Reggio Emilia. Nato nel 2010, il programma è diretto da Michele Merola ed Enrico Morelli, è promosso e sostenuto dalla MM Contemporary Dance Company e dall’A.S.D. Progetto Danza e Centro Permanente Danza di Reggio Emilia. Unico per le sue caratteristiche innovative nell’ambito della didattica della danza, il progetto gode della collaborazione di tanti coreografi illustri e si prefigge l’obiettivo di formare artisti pronti ad affrontare in maniera flessibile la varietà del mercato internazionale della danza.
Danzatori
Camilla Aiazzi, Corrado Azzollini, Beatrice Ballarò, Erica Barusco, Gaia Belli, Silvia Bellot Romanet, Marek Brafa, Anna Dal Maso, Laura Dell’Agnese, Sally Demonte, Pietro Di Salvo, Vittoria Facci, Alessandra Gianfico, Chiara Gionti, Luca Guerrieri, Sofia Lacava, Carlotta Lo Piano, Erika Loprieno, Giulia Lusetti, Giorgia Mantovan, Gioele Marcante, Carlotta Maucioni, Marta Monaci, Federico Musumeci, Carmine Olivazzi, Martina Pagliari, Martina Procacci, Giorgia Raffetto, Susanna Russing, Alessia Russo, Alessio Saccheri, Viviana Sanfilippo, Sara Scarponi, Micol Scotto, Diletta Suman, Giorgia Talami, Gennaro Todisco
INFO & BIGLIETTI
BIGLIETTI
Intero: 10 euro
Ridotto under 30, scuole di danza, Liceo Coreutico Matilde di Canossa, over 65, soci CRAL Comune di Reggio Emilia: 6 euro
Ridotto under 8: 3 euro
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Il servizio di biglietteria in Fonderia è attivo dalle ore 19.30.
I biglietti non sono numerati.
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DANCING BRUNO
2023-01-21 20:30 - 23:00
Compagnia Sanpapié – Dancing Bruno – ph. Donato Aquaro
Apriamo la nuova stagione in fonderia, facendo ballare proprio tutti in una serata di circa due ore e mezzo, dove 12 artisti tra musicisti, danzatori, cantanti e attori, si contendono il pubblico, sfidandosi a non lasciare seduto nemmeno uno spettatore.
Dancing Bruno della compagnia milanese Sanpapié è una cavalcata nel ballo popolare tra gli inizi del 900 e i primi anni 70, aggrappati alla sella della storia dei cambiamenti sociali e politici che hanno trasformato il nostro modo di vivere gli spazi, le relazioni, i ruoli e i passi in comune.
In Dancing Bruno l’ironia spalanca la porta all’incontro e alla sperimentazione. È un’esperienza partecipata dove pubblico e performer si fondono in uno stesso gioco, creando uno spazio
surreale in cui il tempo si sospende.

CREDITI
Ideazione Lara Guidetti, Saverio Bari
con i contributi di Marco De Meo, Marcello Gori, Susanna Gozzetti, Cecilia Vecchio
Coreografie e regia Lara Guidetti
Testi Saverio Bari
Musiche originali e fonica Marcello Gori
Musica dal vivo Andrea Vulpani
Costumi Daniela De Blasio
con Saverio Bari, Caterina Cescotti, Luis Fernando Colombo, Gioele Cosentino, Marco De Meo, Marcello Gori, Susanna Gozzetti, Lara Guidetti, Francesca La Stella, Matteo Sacco, Cecilia Vecchio

Coproduzione Sanpapié e Fondazione Luzzati – Teatro della Tosse
COS'è DANCING BRUNO?
Quello che viene spontaneo domandarsi è cosa sia un dancing e soprattutto chi sia Bruno.
Alla prima domanda la risposta viene apparentemente facile: un dancing è una sala da ballo prima che venga chiamata discoteca e dopo aver perso la definizione di balera. Il dancing è la terra di mezzo dove il ballo di coppia si apre a contaminazioni ritmiche, culture, forme e figure di altre parti del mondo. In comune con la balera ci sono le regole e soprattutto la voce potente dell’estrazione popolare, mentre la tensione verso la disco rivela un mondo che si sta allargando e si apre all’incontro e alla sperimentazione, guardando allo straniero con fare affascinato e curioso, imitandone le movenze, e pronto a scambiare le proprie.
Compagnia Sanpapié – Dancing Bruno – ph. Donato Aquaro
E Bruno? Chi è Bruno?
Bruno è la parola segreta,
è il ricordo che ci si porta dentro da sempre,
in grado di rinnovarsi
ad ogni generazione.
È anche lui un’idea clandestina: quella di un teatro dove non c’è barriera tra pubblico e palco, il ricettacolo segreto e intimo di un universo popolare in cui affondiamo le radici, il custode di un mondo che non si perde mai del tutto ma si trasforma… è il palo che ci avverte quando siamo in pericolo, per darci il tempo di spostarci altrove, per rinascere cambiati, contaminati… è qualcuno che tutti abbiamo conosciuto, all’angolo qualunque, tra due strade qualunque, che ci ricorda chi siamo, chi siamo stati, chi potremmo essere… è una domanda senza la fretta della risposta e l’eccitazione della scoperta…
Compagnia Sanpapié – Dancing Bruno – ph. Donato Aquaro
Compagnia Sanpapié

Sanpapié nasce nel 2008 dalla volontà di quattro ragazzi allora freschi di diploma di accademia: Lara Guidetti, danzatrice e coreografa, Sarah Chiarcos, drammaturga, Marcello Gori, musicista, e Fabio Ferretti, organizzatore, interessati a indagare le profondità della ricerca senza dimenticare i fogli Excel.
Come tutte le compagnie, in 13 anni ha attraversato fasi e stagioni molto diverse, smarrito pezzi per poi ritrovarli, perso treni e vinto bandi, ma non ha mai tradito il suo spirito originario: cercare la via più speciale e impervia per arrivare al cuore di chi guarda.
Sanpapié è stata e continua ad essere la casa di un gruppo di artisti e organizzatori in perenne movimento, alla continua ricerca di nuovi stimoli e nuove sfide; una famiglia allargata emiliano-milanese-romagnola-genovese (con sprazzi di Campania, Puglia, Sicilia e Toscana) che non ha avuto paura di crescere e trasformarsi in un’impresa culturale virtuosa. Dal 2015 al 2017, Sanpapié ha ricevuto il contributo del MiBACT come impresa di Produzione Danza; dal 2017 al 2019 ha vinto il bando Funder35 di Fondazione Cariplo e nella sua storia ha fatto spettacolo, oltre che in Italia, in Francia, Regno Unito, Spagna, Germania, Portogallo e Cina.
sanpapie.com

INFO & BIGLIETTI
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Intero: 10 euro
Ridotto under 30, scuole di danza, Liceo Coreutico Matilde di Canossa, over 65, soci CRAL Comune di Reggio Emilia: 6 euro
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Compagnia Sanpapié – Dancing Bruno – ph. Donato Aquaro

PROVE IN CORSO - I° PUNTATA
2023-01-24 20:30 - 22:00
La nuova serie di FND/Aterballetto a cura di Nicolas Ballario.
Cosa c’è dietro a uno spettacolo di Aterballetto? Cosa succede nelle sale della Fonderia di Reggio Emilia?
Lo scoprirai con PROVE IN CORSO, nostra prima serie di quattro puntate a cura di Nicolas Ballario: uno dei più apprezzati giornalisti di arte contemporanea che grazie alla sua verve unica e alla sua straordinaria competenza avvicina proprio tutti al mondo dell’arte con le sue trasmissioni su Sky Arte e di RadioUnoRai.
Insieme a Ballario entrerai nel mondo della Fondazione Nazionale della Danza / Aterballetto. Tra incontri esilaranti, situazioni ironiche con chi vive ogni giorno la Fonderia e momenti danzati, in quattro puntate con la regia di Fabrizio Spucches, scopriremo le curiosità della compagnia e il dietro le quinte degli spettacoli, in un modo mai raccontato prima.
Cosa vedrai?
Nella prima puntata, programmata per martedì 24 gennaio ore 21.00, non potrai non farti sedurre dal Don Juan di Johan Inger, coreografia ispirata al mito del Don Giovanni.
La serata sarà condotta da Nicolas Ballario che racconterà com’è stato lavorare a questa serie, insieme ai danzatori di Aterballetto che mostreranno alcune sequenze dal Don Juan.
A seguire, la proiezione della prima puntata di PROVE IN CORSO per poi finire con un talk in compagnia di Ballario e Aterballetto.
Info & Biglietti
BIGLIETTI
Intero: 3 euro
Under 6: omaggio
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CONTATTI
Cell e whatsapp 3341023554
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