Callas Callas Callas
2023-10-04 20:30 - 21:45 (Europe/Rome) | Fonderia, via della Costituzione, 39, Reggio Emilia, 42124, Italy
La stagione 2023/24 della Fonderia si apre con CALLAS CALLAS CALLAS, la nuova produzione di COB Compagnia Opus Ballet.
La serata omaggia la grande cantante riunendo per la prima volta tre tra i più interessanti nomi della coreografia d’autore italiana, Adriano Bolognino, Carlo Massari e Roberto Tedesco (ex danzatore di Aterballetto), in una lettura contemporanea e innovativa di uno dei personaggi più iconici del Novecento.
Ogni coreografo porta in scena un diverso aspetto della vita e dell’opera di Maria Callas in un vero e proprio “trittico coreografico”, un inedito affresco in cui elementi biografici, ispirazioni musicali e iconografia si fondono con la danza contemporanea nella creazione di un linguaggio inedito.
Il progetto continua idealmente il percorso di ricerca artistica che la compagnia persegue già da anni e che vede dialogare la danza contemporanea con storie e musiche classiche, considerate “di repertorio” che diventano terreno fertile per la creazione di qualcosa di completamente diverso. Il classico diventa chiave di lettura per il mondo contemporaneo, con l’obiettivo di destrutturare e arricchire il repertorio per parlare di una realtà vissuta, tangibile, a noi vicina.
Crediti
CALLAS CALLAS CALLAS
Coreografie di Adriano Bolognino, Carlo Massari e Roberto Tedesco
Una produzione COB Compagnia Opus Ballet
In coproduzione con Fondazione Festival La Versiliana
Direzione artistica Rosanna Brocanello
Consulente artistica Laura Pulin
Light designer Giacomo Ungari
Repetiteur Giulia Orlando
Organizzazione Margherita Fantoni
Distribuzione Laura Montagna
prima nazionale 12 luglio 2023, Teatro “La Versiliana” (Marina di Pietrasanta)
***
/DIVINA
Coreografia Adriano Bolognino
Interpreti Giuliana Bonaffini, Aura Calarco, Sofia Galvan, Ginevra Gioli, Gaia Mondini
Assistente alla coreografia Rosaria Di Maro
Musiche Vito Pizzo
Costumi realizzati da Tns Brand
/STANDPOINTS
Coreografia Roberto Tedesco
Interpreti Matheus Alves De Oliveira, Giuliana Bonaffini, Aura Calarco, Emiliano Candiago, Ginevra Gioli, Gaia Mondini, Riccardo Papa, Frederic Zoungla
Musiche Giuseppe Villarosa
Costumi realizzati da Opificio della Moda e del Costume
/TOUJOURS LA MORT
Creazione originale Carlo Massari
Interpreti Matheus Alves De Oliveira, Aura Calarco, Emiliano Candiago, Riccardo Papa, Frederic Zoungla
Editing musicale Luca Martone
Supporto alla realizzazione abiti di scena Giovanna Ficaccio
***
Durata complessiva 75 minuti
Tra le coreografie è prevista una pausa di circa 6 minuti
Callas, Callas, Callas
Dotata di “tre voci”, è stato detto, per la sua eccezionale estensione vocale. E ancora: talento da “soprano drammatico d’agilità”, descrizione ottocentesca per il suo timbro unico. Donna e artista carismatica, voce potente e teatrale per tecnica e abilità nel fondere canto e recitazione, capace di interpretazioni infuocate e coinvolgenti nell’incarnare personaggi femminili seducenti e tragici. Il suo nome è inciso nella storia del melodramma. E non solo. Arte e stile, trionfi e consensi, mondanità e vicende private si sono intrecciati nella vita di Maria Callas, “La Divina”. Di lei si ricordano anche le sfuriate da diva, il mistero del drastico dimagrimento, l’insonnia cronica, il figlio mai avuto, l’amicizia con Pasolini, e, soprattutto, l’infausta liaison con l’armatore Aristotele Onassis, che lasciò la moglie per lei, per poi abbandonarla e sposare Jackie Kennedy. Callas morirà, sofferente e sola, nel suo appartamento parigino, il 16 settembre 1977, per cause non ancora accertate. Nel centenario della nascita, tra omaggi già celebrati e altri in corso, quello della COB Compagnia Opus Ballet diretta da Rosanna Brocanello, ha una particolare valenza anche per l’originalità che l’ha ispirato: affidare a tre giovani, e già affermati, coreografi dal linguaggio contemporaneo, una creazione a serata, che rifletta la loro personale visione della leggendaria artista, senza però volerla raccontare descrivendola. Tre sguardi differenti, quindi, tre approcci e restituzioni in danza che il bel titolo Callas Callas Callas già evidenzia. Titolo che è anche un invito, per lo spettatore, a scoprire o ritrovare tra le pieghe di un movimento o la coralità dell’ensemble, tra le sonorità elettroniche o i frammenti di arie celebri disseminati nell’architettura coreografica, tra una luce o un costume che sagoma gesti e posture, la propria Callas. O magari un’altra, inedita, che la danza astratta può suggerire, evocare, imprimere nell’atmosfera e nella memoria. Di sicuro riconosceremo, contaminate o appena palesate, tre celebri arie: da Tosca, Norma, Carmen.
STANDPOINTS di Roberto Tedesco (ph. Paolo Bonciani)
Roberto Tedesco amalgama le note di Vissi d’arte sulla partitura musicale elettronica composta da Giuseppe Villarosa dentro la quale mixa anche brani d’interviste e interferenze di voci. Nelle parole della celebre aria, estrapolate da Tosca, il coreografo calabrese identifica il momento in cui Callas è in punto di morte, e vuol ribadire a tutti che ha vissuto profondamente d’arte e di amore essendo semplicemente una persona, una donna, prima di essere considerata una diva. È soprattutto nella struttura sonora che il coreografo imprime la sua visione della vita di Callas, quasi un voler predisporre lo spettatore – citando George Balanchine – a “vedere la musica e ascoltare la danza”. Tedesco tesse una drammaturgia immaginaria con un percorso musicale, quasi cronologico, che va dagli anni a New York dove Callas nacque, alle sue origini greche; dall’Italia che, col Teatro alla Scala, le ha dato il maggior successo, alla Francia dove infine si è ritirata. Vaghe sonorità jazz iniziali rimandano all’America, poi quelle del Bouzouki alla Grecia, e una canzone di musica leggera degli anni Settanta allo stato d’animo di sofferenza che l’ha accompagnata. Su un ritmo crescente, quasi techno, s’innesta una danza corale che pulsa nei corpi – maschili e femminili, un’unica entità -, rivestiti di stilizzati corsetti rossi e maschere nere a forma di abatjour. Un’estetica che rimanda ai costumi teatrali dell’opera, e a quel mondo della moda del quale Callas, ispirando molti stilisti, è stata anche un’icona.
DIVINA di Adriano Bolognino (ph. Paolo Bonciani)
Questo divismo fashion lo rimarca nella sua creazione il coreografo napoletano Adriano Bolognino – appassionato di tutto ciò che fa parte di quell’universo glamour -, enfatizzando così il suo “immaginario Callas” anche sotto l’aspetto estetico, unito alla forza, al rigore e all’estrosità della danza.
Velocità e ritmo caratterizzano il suo linguaggio. Lo incarnano le cinque danzatrici con una gestualità combattiva che sottende alcuni riferimenti della vita del soprano: il canto, la sua radice greca, la mancata maternità, la storia d’amore tormentata. Sempre in scena il quintetto gioca tra morbidezze e movimenti spezzati, ritmi e pause, sulla musica introduttiva composta da Vito Pizzo che funge da preludio per sfociare e chiudere con Casta diva (da una registrazione dell’Opéra de Paris).
TOUJOURS LA MORT di Carlo Massari (ph. Paolo Bonciani)
Non interviene, invece, con particolari contaminazioni sonore Carlo Massari nel suo viaggio creativo dell’universo Callas. Con una drammaturgia legata ad una componente anche ironica che s’impatta con la dimensione sonora, ad avvolgere l’etere è, dopo averla udita in loop, la voce riconoscibile della cantante nella celeberrima Habanera della Carmen – all’opera di Bizet rimanda il semplice bolerino dei costumi -, e più avanti l’Aria delle carte, momento in cui le carte da gioco predicono alla gitana l’avvicinarsi della morte. Ed è questa visione a permeare la coreografia di Massari, con Callas che, nel suo perire fisicamente, vive sapendo della fine che l’attende. Gli applausi che udiamo all’inizio l’accompagneranno a ritroso ripercorrendo il filo della sua esistenza, fino a lasciarci il ricordo della sua voce sublime, dell’artista immortale. “Non c’è movimento se non c’è pensiero e non c’è pensiero se non c’è senso” è l’assunto che anima sempre il lavoro di Massari. In linea con una propria modalità che attraversa e unisce i diversi linguaggi dell’arte performativa – teatro, danza, musica -, il coreografo bolognese mette in scena la protagonista accompagnata dalle “anime nere”, sorta di spiritelli colorati – i colori della voce – che la seguono e la sostengono in un suo ultimo afflato di vita.
Tutto concorre, nelle tre creazioni, alla comprensione dell’accadimento scenico da parte dello spettatore, sollecitato così a trovare ciascuno la propria Callas, identificare il proprio mito.
di Giuseppe Distefano
COB COMPAGNIA OPUS BALLET
Diretta da Rosanna Brocanello fin dalla fondazione, la compagnia è costituita da un nucleo stabile di danzatori professionisti e ad oggi ha dato vita ad un vasto repertorio di produzioni. Tra le ultime ricordiamo: Le Quattro stagioni (2020) di Vivaldi a cura della coreografa Aurelie Mounier e con le musiche eseguite dal vivo dall’Orchestra di Padova e del Veneto; RIGHT. La Sagra della Primavera (2021) di Carlo Massari in coproduzione con C&C Company e Teatro Stabile del Veneto, Oriente Occidente Dance Festival, Associazione Culturale Mosaico Danza/Interplay Festival (Progetto vincitore del Premio CollaborAction XL 2020 azione Network Anticorpi XL coordinata dall’Ass. Cantieri Danza supporto per la danza d’autore); Il labirinto. Il mito di Arianna e il Minotauro (2021) di Arianna Benedetti; White Room (2022) di Adriano Bolognino in collaborazione con il Centro Nazionale Virgilio Sieni; La diversità che mi fece stupendo. Pasolini, l’irrealtà del quotidiano (2022) di Giovanni Leonarduzzi in coproduzione con la Compagnia Bellanda; Coding dance (2023) di Leonardo Diana in coproduzione con Versiliadanza; OTOTEMAN_what if di Sofia Galvan e Stefania Menestrina, Progetto vincitore della XIII edizione del Premio Internazionale Prospettiva Danza Teatro e realizzato in coproduzione con Festival Danza In Rete-Teatro Comunale Città di Vicenza. Dal 2021 la compagnia è finanziata dal Ministero della Cultura.
Info & Biglietti
BIGLIETTI
Intero: 10 euro
Ridotto under 30, scuole di danza, Liceo Coreutico Matilde di Canossa, over 65, soci CRAL Comune di Reggio Emilia: 6 euro
Ridotto under 8: 3 euro
ACQUISTO BIGLIETTI
I biglietti possono essere acquistati online su www.biglietteriafonderia39.it.
Il servizio di biglietteria in Fonderia è attivo dalle ore 19.30.
I biglietti non sono numerati.
CONTATTI
Cell e whatsapp 3341023554
Email biglietteria@aterballetto.it

Night Stories
2023-10-11 20:30 - 22:00 | Fonderia, via della Costituzione, 39, Reggio Emilia, 42124, Italy
MM Contemporary Dance Company – Short Stories – cor. Michele Merola, foto di Creativite
NIGHT STORIES è la nuova serata della MM Contemporary Dance Company composta da Quarto Canto di Enrico Morelli, Short Stories di Michele Merola e Skirk di Adriano Bolognino.
Produzione: MM Contemporary Dance Company
Coproduzione Skirk: Comune di Bassano del Grappa – Operaestate Festival Veneto
WEIRDO_Primo Studio
Coreografia: Enrico Morelli
Musiche originali: Giuseppe Villarosa
Luci: Gessica Germini
Costumi Nuvia Valestri
Assistente alla coreografia Paolo Lauri
Interpreti: Filippo Begnozzi, Emiliana Campo, Lorenzo Fiorito, Mario Genovese, Matilde Gherardi, Fabiana Lonardo, Alice Ruspaggiari, Rossana Samele, Nicola Stasi, Giuseppe Villarosa, Leonardo Zannella
Durata: 25 minuti
Il senso di inadeguatezza: l’unico, vero ostacolo ad ogni forma di rapporto, compreso quello con sé stessi. Chi, nella propria vita, non ne è mai stato pervaso? Spesso questo stato deriva dalla voglia di soddisfare le aspettative degli altri: sentire il peso del rischio, della paura di fallire e del giudizio. Partendo da queste sensazioni Enrico Morelli presenta un primo studio coreografico prendendo ispirazione non solo dal suo vissuto personale, ma anche da quello degli interpreti, a cui ha rivolto la stessa domanda che lui fa a se stesso: “Quando avete la sensazione di essere inadeguati e fuori posto, come vi sentite?”
SHORT STORIES
Coreografia: Michele Merola
Musica composta ed eseguita dal vivo da Natalia Abbascià
Costumi: Nuvia Valestri
Assistente alla coreografia: Paolo Lauri
Interpreti: Emiliana Campo, Lorenzo Fiorito, Mario Genovese, Fabiana Lonardo, Nicola Stasi, Giuseppe Villarosa
Durata: 28 minuti
Short Stories coinvolge i corpi danzanti in un disegno continuo, costruito su ripetizioni e differenze, momenti di assoli, duetti e partiture corali, un susseguirsi di brevi storie, quadri generati dal sound della musica live: Natalia Abbascià, che suonerà dal vivo, ha creato una colonna sonora che mette insieme suggestive parti liriche per violino e voce solista. I danzatori faranno perdere il senso del confine che separa pubblico e spazio scenico.
I brani che compongono il lavoro si articoleranno come un paesaggio espressivo che lascerà alla soggettività del pubblico la lettura intima dei sentimenti che la danza e la musica suggeriscono.
SKRIK
Coreografia: Adriano Bolognino
Musica: Max Richter
Disegno luci: Gessica Germini
Realizzazione costumi: Nuvia Valestri
Assistente alla coreografia: Rosaria Di Maro
Maestro ripetitore: Paolo Lauri
Danzatori: Emiliana Campo, Lorenzo Fiorito, Mario Genovese, Matilde Gherardi, Fabiana Lonardo, Alice Ruspaggiari, Rossana Samele, Nicola Stasi, Giuseppe Villarosa, Leonardo Zannella
Durata: 25 minuti
Creazione nata nell’ambito di Prove d’Autore – azione del Network Anticorpi XL.
Il nuovo lavoro di Adriano Bolognino per la MM Contemporary Dance Company, dal titolo Skrik, si ispira al dipinto L’Urlo di Edvard Munch, opera che ha portato il coreografo a indagare il tema della tragedia, dell’angoscia e della piccolezza dell’uomo nell’immensità dell’universo. Spiega lo stesso coreografo: “Il grido sordo del quadro – di cui ho deciso di conservare il titolo norvegese “Skrik”, che fonicamente riporta ad un suono sgradevole, un urto, una scossa – sembra deformare il paesaggio donandoci instabilità e paura, conservando comunque la sua immensa bellezza. Aggrappandomi a questo dualismo che sento vicino, ho voluto creare un momento danzante che possa essere un accumulo senza fiato di tutto il malumore di questi ultimi anni, ma anche arrivare agli occhi del pubblico come una cascata rigeneratrice.”
https://vimeo.com/759985888/37ecc35336

MM Contemporary Dance Company
La MM Contemporary Dance Company è una compagnia di danza contemporanea diretta dal coreografo Michele Merola, nata nel 1999 come centro di produzione di eventi e spettacoli e come promotrice di rassegne e workshop con l’obiettivo di favorire scambi e alleanze fra artisti italiani e internazionali, testimoni e portavoce della cultura contemporanea.
Il repertorio della compagnia, che ha sede a Reggio Emilia, è ricco e variegato, grazie ai lavori di Michele Merola e alle creazioni firmate da coreografi europei e italiani come Maguy Marin, Mats Ek, Mauro Bigonzetti, Thomas Noone, Gustavo Ramirez Sansano, Karl Alfred Schreiner, Silvia Gribaudi, Eugenio Scigliano, Emanuele Soavi, Enrico Morelli, Daniele Ninarello, Ginevra Panzetti ed Enrico Ticconi, Roberto Tedesco, Camilla Monga, Adriano Bolognino.
Nel 2010 la MM Contemporary Dance Company ha vinto il prestigioso Premio Danza&Danza come migliore compagnia emergente e oggi, è, a tutti gli effetti, una realtà di eccellenza della danza italiana, con una consolidata attività di spettacoli su tutto il territorio nazionale. Da alcuni anni ha conquistato un mercato internazionale con spettacoli in paesi europei ed extraeuropei (Corea, Colombia, Canada, Germania, Russia, Marocco, Belgio, Spagna, Slovenia, Ungheria, Repubblica Ceca…).
Nel 2017 la MM Contemporary Dance Company ha vinto il Premio Europaindanza 2017 – Premio al Merito alla coreografia, per lo spettacolo Bolero di Michele Merola. Nel 2022 la MMCDC ha vinto il premio Danza&Danza per la migliore produzione italiana con lo spettacolo Ballade (cor. Mauro Bigonzetti, Enrico Morelli). Il 1° gennaio 2021 e il 1° gennaio 2022 la MMCDC è stata presente su RAI 1 nella trasmissione “Danza con me” di Roberto Bolle interpretando coreografie di Mauro Bigonzetti e Lorca Massine.
Dal 2018 la MM Contemporary Dance Company è compagnia associata del Circuito InDanza del Trentino Alto Adige.
La MMCDC è sostenuta dal Ministero della Cultura, Regione Emilia-Romagna, Comune di Reggio Emilia, Fondazione Nazionale della Danza/Aterballetto, Centro Permanente Danza Danza/Reggio Emilia.

Info & Biglietti
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Intero: 10 euro
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Davidson
2023-10-18 20:30 - 21:30 | Fonderia, via della Costituzione, 39, Reggio Emilia, 42124, Italy
Balletto Civile – Davidson – ph. Donato Aquaro
A metà strada tra racconto e sceneggiatura, Il Padre Selvaggio, scritto nel 1962 e pubblicato postumo nell’anno della sua morte, è un abbozzo di film che Pasolini non ha mai realizzato, nonostante fosse quasi tutto pronto e il regista avesse anche fatto un viaggio in Africa con Alberto Moravia e Dacia Maraini per trovare i posti dove girare.
Balletto Civile porta in scena Davidson, un oggetto coreografico con un giovane performer di talento: una messinscena danzata, una vertigine tra opera letteraria e teatro fisico.
Crediti
liberamente tratto dalla sceneggiatura Il Padre Selvaggio di Pier Paolo Pasolini
Concept e drammaturgia: Maurizio Camilli
Coreografia: Michela Lucenti
Con Maurizio Camilli e Confident Frank
Disegno luci: Vincenzo De Angelis
Disegno sonoro: Andrea Gianessi
Assistente alla regia: Ambra Chiarello
Assistente alla coreografia: Francesco Collavino
Produzione Balletto Civile, in collaborazione con ERT Emilia Romagna Teatro / Teatro Nazionale / focus CARNE
con il sostegno di ATER (Modena) e ICK (Amsterdam) e del Ministero della Cultura Italiana MIC
Davidson
– Che cos’è la poesia, signore?” chiede Davidson
– Ma tu lo sai! – dice il professore.
– No, non lo so! – protesta il ragazzo scuotendo la testa ricciuta.
– Sì, lo sai!
– No, non lo so!
– Sei un africano, sei immerso nella poesia!
– No, la poesia è una cosa dei bianchi.
– Canta una canzone del tuo villaggio!
Davidson si mette a cantare uno dei canti del suo villaggio.
Ma il canto è nella sua testa strettamente unito alla danza. E allora cantando si mette a danzare.
Un lungo canto, una lunga danza.
– Ecco, questa è la poesia!
Balletto Civile – Davidson – ph. Donato Aquaro
Il Padre Selvaggio è un abbozzo di sceneggiatura scritta nel ’63 e pubblicata postuma nel fatale 1975. Il regista non trovò finanziatori, spaventati dalla sua libertà di pensiero, e il film non si realizzò. È la storia di Davidson, un ragazzo nero sensibile e acuto, proveniente da una tribù dell’Africa e del suo incontro con un insegnante progressista e tormentato – una figura di frontiera alter ego dello stesso Pasolini – che cerca di dare ai suoi ragazzi un’istruzione moderna e anticolonialista. Questa opera sospesa racconta soprattutto il conflitto tra l’insegnante e Davidson, diffidente alle novità di metodo e di cultura del nuovo insegnante proprio perché è il più intelligente. Il cuore di questo contrasto è il dilemma del rapporto tra bianchi e neri, il problema della libertà e della democrazia, della tensione verso l’altro da sé.
Uno scritto breve ed intenso, con una forte valenza politica e non solo poetica, una sorta di canovaccio che sfugge alle definizioni concepito da Pasolini soprattutto come una successione di immagini e di indicazioni di azioni. Una sceneggiatura ibrida che mischia codici e linguaggi differenti e proprio nell’assenza della sua realizzazione offre un grande potenziale espressivo.
Una forma indefinita che presenta qualità visive che si prestano alla messa in scena danzata, in una vertigine tra opera letteraria e teatro fisico.
Balletto Civile ha incontrato nei suoi viaggi il suo scaltro Davidson a Modena.
Questo spettacolo sarà fatto con lui.
Balletto Civile – Davidson – ph. Donato Aquaro
Balletto Civile
Gruppo nomade per definizione, animato da una forte tensione etica, Balletto Civile nasce nel 2003 fondato da Michela Lucenti. L’approccio creativo è una ricerca basata sul movimento che emerge dalla profonda relazione scenica tra gli artisti. Lavora su un linguaggio totale dove il teatro, la danza e il canto originale interagiscono naturalmente.
Info & Biglietti
BIGLIETTI
Intero: 10 euro
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BODY INTO THE FIGHT - ROMAEUROPA FESTIVAL
2023-10-19 22:00 - 23:00 | Mattatoio, Piazza Giustiniani, 4, Roma, Italia
Body into the fight è la performance curata da Diego Tortelli e nata dalla ricerca insieme a Sony CSL e al ricercatore Ken Endo, al centro del progetto Dis.abile | Iper.abile. Lo spettacolo sarà presentato per la prima volta durante la Opening Conference di Maker Faire Rome il 19 ottobre.
Grazie alla disponibilità di Romaeuropa Festival, in occasione dei Dancing Days, selezione curata da Francesca Manica nell’ambito dell’edizione 2023 del Festival, CCN/Aterballetto avrà modo di ripresentare la performance. L’evento avverrà il 19 ottobre al Mattatoio, alle ore 22:00.

BODY INTO THE FIGHT
Coreografia e concept Diego Tortelli
Consulenza scientifica Ken Endo
Musica Oneohtrix Point Never
Performer Giuseppe Morello e Karim Randé
Una produzione Fondazione Nazionale della Danza/Aterballetto
In partnership con SONY CSL
Grazie alla ricerca che faremo con Ken Hendo e SONY CSL avremo la possibilità di addentrarci nell’idea di protesi come estensione del corpo in grado di renderlo iper-abile. Un’estensione del corpo, che aumenta la prestazione fisica e non è più solo un ricorso a risolvere un trauma fisico o a nascondere una disabilità. Si tratta di estendere l’idea di abilità in una chiave poetica che si possa avvicinare il più possibile alla definizione di “corpo contemporaneo”. O per lo meno di stimolare una riflessione, in grado di entrare nelle sale del teatro, con una poetica al servizio del mondo esterno tale da far tornare il corpo a sorprenderci.
Diego Tortelli

Dis.abile | Iper.abile
Dis.abile | Iper.abile nasce dalla volontà dei due partner di sostenere un welfare “improntato non già alla risoluzione delle emergenze ma incentrato sulla promozione del benessere e delle capacità delle persone, quale motore dello sviluppo e dell’occupazione e fattore di inclusione sociale” secondo la definizione dell’urbanista Carolina Giaimo.
La società si sta trasformando e la sanità si trova ad affrontare nuove esigenze. In questo scenario, l’innovazione è una sfida. Ausili per la disabilità, ma anche per la vita quotidiana, dispositivi biomedicali, accessori tech e digitali per lo sport: questo e molto altro sarà presentato a Maker Faire Rome 2023.
LA COLLABORAZIONE CON SONY CSL
Sony CSL mira a dare un contributo al futuro dell’umanità e del pianeta, promuovendo lo sviluppo delle scienze e delle nuove tecnologie e la loro applicazione nei settori più disparati. In particolare, nel laboratorio di Roma, diretto da Vittorio Loreto, una delle linee di ricerca ha come obiettivo quello di partecipare alla riprogettazione delle nostre società con un approccio transdisciplinare che usa la creatività come strumento di partenza per affrontare le sfide della società odierna. Il commento di Vittorio Loreto di Sony CSL:
“È proprio in questa direzione che il progetto Dis.abile | Iper.abile, muove i suoi primi passi. Una delle nostre linee di ricerca ha proprio questo obiettivo: osservare e sperimentare l’interazione tra essere umano e nuove tecnologie (come, ad esempio, l’IA) e capire come entrambi possano trarre vantaggio da questo scambio virtuoso, dove l’essere umano riceve dalla macchina input che lo aiutano a migliorarsi. Quando abbiamo conosciuto il lavoro artistico di CCN/Aterballetto, abbiamo subito pensato alla tecnologia di Ken Endo, per questo siamo qui oggi insieme pronti a presentare questo nuovo progetto in occasione del più importante evento di innovazione d’Europa”.

TACA TÈ / talk
2023-10-25 20:30 - 21:30 | Fonderia, via della Costituzione, 39, Reggio Emilia, 42124, Italy
Perché ricordiamo il passato e non il futuro? Siamo noi a esistere nel tempo o il tempo esiste in noi? Cosa significa davvero che il tempo scorre? Cosa lega il tempo alla nostra natura di soggetti? Cosa ascolto, quando ascolto lo scorrere del tempo?
Carlo Rovelli
Dopo il debutto al Teatro Elfo Puccini di Milano, all’interno del festival MILANoLtre, TACA TÈ approda in Fonderia. Lo spettacolo è prodotto da Compagnia Sanpapié con la direzione artistica di Lara Guidetti, in coproduzione con la Fondazione Nazionale della Danza / Aterballetto.
Taca Tè, in dialetto emiliano “comincia tu”, è una sfida al diritto di esistere nel tempo, giocata tra due corpi anagraficamente lontani che convergono nel presente della danza. In scena, Antonio Caporilli e Francesca Lastella affrontano il grande tema del tempo e dell’incontro intergenerazionale attraverso un dibattito fisico senza sosta. Passato e futuro si specchiano l’uno nell’altro nel tentativo di costruire una relazione in grado di muoversi senza timore sulla linea del tempo in entrambe le direzioni. Così i codici del ballo liscio, che invitano a ruoli, melodie e spazi, si diluiscono in un ambiente “altro” che progressivamente si libera dalle strutture per aprire molteplici sguardi sul corpo e sulla relazione. La coreografia sviluppa un flusso di movimento unico e in continuo divenire dove i tempi interni dei danzatori si allontanano e si oppongono per poi ritrovarsi in spazi comuni che permettono il superamento dei ruoli in un gioco ironico, a tratti teatrale e surreale.
Al termine dello spettacolo, seguirà un talk con Elisabetta Donati, sociologa e Responsabile area cultura e ricerca per la Fondazione Ravasi-Garzanti, partner scientifico del progetto Over Dance che orienta interamente la sua attività a ricerche e politiche per l’ageing.
CREDITI
Una coproduzione Sanpapié, Fondazione Nazionale della Danza/Aterballetto e MILANoLTRE
Coreografia: Lara Guidetti
Interpreti: Antonio Caporilli, Francesca Lastella
Assistente alla coreografia e costumi: Fabrizio Calanna
Realizzazione scene: Maria Croce
Musiche originali e rielaborazioni: Marcello Gori, Alberto Sansone
Première: 30 settembre 2023, Teatro Elfo Puccini – Festival MILANoLTRE, Milano (replica 1 ottobre)
COMPAGNIA SANPAPIÉ / LARA GUIDETTI
Emiliana, dopo studi di acrobatica a livello agonistico e recitazione teatrale, nel 2006 si diploma come danzatrice e coreografa presso l’Atelier di teatro-danza della Scuola Paolo Grassi di Milano, studiando con grandi maestri nazionali ed internazionali come Susanne Linke, Emio Greco, André Minvielle, Franco Brambilla, Luciana Melis, Reinhild Hoffman, Lucinda Childs, Susanna Beltrami; Yong Min Cho e Sarah Taylor. Prosegue nella formazione, sia legata al mondo della danza e della performing art sia ai diversi metodi di pedagogia e training dell’attore seguendo laboratori e produzioni di artisti internazionali come Rimas Tuminas, Cesar Brie, Paz Rojo, Carolina Bolouda, Joao Garcia Miguel, Virgilio Sieni e molti altri ancora.
Nel 2006 fonda la Compagnia Sanpapié di cui è direttrice artistica, coreografa ed interprete. Firma, per la compagnia, le coreografie di 40 opere e performance presentate in tutta Europa ed in Cina. Nel 2017, il suo spettacolo Lei ha vinto il Premio Sonia Bonacina, dedicato alle donne di teatro. Parallelamente al lavoro con Sanpapié, lavora come coreografa ed interprete nel campo del teatro, della danza e della musica colta collaborando con importanti registi e compositori. Accanto allo sviluppo di moduli didattici e percorsi permanenti, ha costruito collaborazioni e tiene workshop intensivi e tematici in varie parti d’Italia e in Europa.
ANTONIO CAPORILLI / FRANCESCA LASTELLA
Antonio Caporilli
Antonio è performer, danzatore, insegnante, ideatore di eventi multimediali e videomaker.  Dopo aver maturato esperienze con Jerome Savary, Robert Wilson, Amy Luckenbach e altri, ha collaborato in qualità di danzatore/performer con Il Teatro alla Scala di Milano, L’Opera National De Paris, Staatsoper Berlin, The Place Theater of London, etc. L’interesse verso l’atto performativo come fatto sociale, condiviso con altri artisti e con persone diverse per età, formazione e cultura, si è gradualmente concretizzato in diversi interventi compiuti sul territorio, con le persone che lo vivono, come il Festival “Blu del Lago” a Trevignano R., Roma. Negli ultimi anni la sua attenzione si è rivolta verso la quotidianità dei contesti urbani, con blitz o performance collettive a sorpresa mirate a sovvertire di colpo i ritmi e le abitudini di un luogo.
Francesca Lastella
Francesca è danzatrice e docente. Dopo aver frequentato il conservatorio di danza Duncan Centre e aver approfondito la formazione con maestri internazionali come Forsythe Dance Company e Sasha Waltz & Guest, ha lavorato a numerosi progetti insieme a professionisti come Lara Russo e Anna Albertarelli. Dal 2019 è docente a Artemente, centro di alta formazione per la danza. Ha collaborato con le compagnie Déjà Donné, Compagnia Balafori e Veicolo Danza, mentre attualmente danza per le compagnie Sanpapié, Lost Movement e Luna Cenere.
ELISABETTA DONATI
Responsabile area cultura e ricerca Fondazione Ravasi-Garzanti di Milano, ente filantropico con finalità di promozione del benessere delle persone anziane, Elisabetta ha partecipato, in qualità di esperta, alla stesura di un documento sul ruolo della famiglia nel promuovere la parità di genere e l’eguaglianza nell’istruzione per conto dell’Organizzazione Mondiale della Famiglia (WFO) al Summit di Parigi 2010. In passato è stata responsabile dell’area Ricerche della società Pari e Dispari, consulente dell’Istituto di Ricerca Sociale della Regione Piemonte nei programmi di ricognizione degli studi internazionali sul fenomeno dell’invecchiamento e docente a contratto di Sociologia della famiglia nel Corso di Servizio Sociale presso l’Università degli Studi di Torino. È stata anche presidente della Commissione Pari Opportunità del Comune di Brescia e presidente del Consultorio Familiare Onlus di Brescia. È socia fondatrice del Centro Documentazione ed Informazione sulla salute di genere di Brescia e autrice di diverse pubblicazioni.

Hold Your Horses
2023-10-29 18:00 - 19:00 | Fonderia, via della Costituzione, 39, Reggio Emilia, 42124, Italy
De Dansers – Hold Your Horses – ph. Bart Grietens
Hold Your Horses di De Dansers può essere visto come un’ode alle nostre braccia versatili e desiderose, oltre che come un grido di aiuto in un mondo sempre più sfuggente. – NRC
La Fonderia è una delle poche tappe del tour italiano di De Dansers, compagnia di Utrecht che almeno una volta nella vita deve essere vista.
Spettacolo adatto a tutte le età.
Suggerimento alle assicurazioni sanitarie: includere nel piano sanitario standard una visita a questa allegra compagnia di danza e musica. Ridurrà significativamente il costo degli antidepressivi. Daily paper Theaterfestival Boulevard

Crediti
Coreografia: Josephine van Rheenen
Musica (live): Guy Corneille
Realizzato con Yeli Beurskens, Liam McCall, Youri Peters, Arturo Vargas, Marie Khatib-Shahidi, Noëmi Wagner, Yoko Haveman, Guy Corneille
Scene e luci: Timme Afschrift
Drammaturgia: Moniek Merkx
Costumi: Nicky Nina de Jong
Una coproduzione di De Dansers e Theater Strahl Berlin
Con il sostegno di Gemeente Utrecht, Fonds Podiumkunsten, Prins Bernhard Cultuurfonds, K.F. Hein Fonds, Fonds 21, Schäxpir Festival
Durata: 1h
Hold Your Horses
Hold Your Horses è uno spettacolo sul desiderio di resistere. I ballerini della Compagnia De Dansers raccontano la loro storia con dodici mani, con i loro corpi e alcune chitarre in sottofondo. Vediamo mani afferrare, confondere, toccare, levarsi, cadere e pizzicare le corde della chitarra. Vediamo passione e distanza. Vediamo lo scorrere del tempo, scandito da un ritmo serrato. Vediamo persone a volte vicine tra loro, a volte infinitamente lontane. Non vediamo i cavalli anche se li sentiamo. Non vediamo il mondo stravagante che non riusciamo a controllare. Ma lo sentiamo scivolare tra le nostre dita.
De Dansers – Hold Your Horses – ph. Bart Grietens
Hold Your Horses si incentra sulla necessità di aggrapparsi a qualcosa o a qualcuno in un mondo che sta diventando sempre più sfuggente. Sei artisti animano lo spettacolo con la loro passione e musicalità. Hold Your Horses è caratterizzato da un linguaggio del movimento spettacolare e acrobatico che non perde mai la sua sensibilità umana. Come un unico corpo, i ballerini si muovono in un flusso continuo, spinti dalla musica dal vivo di Guy Corneille e della sua chitarra.
Hold Your Horses è stato in parte creato a Berlino e ha debuttato a Berlino e a Utrecht nel settembre/ottobre 2021.
De Dansers
De Dansers è una Compagnia di ballerini e musicisti di Utrecht diretta dalla coreografa/ballerina Josephine van Rheenen e dal compositore/musicista Guy Corneille. I loro spettacoli sono dei ‘concerti di danza’, un incontro tra danza moderna e musica dal vivo sul tema della liberazione da tutto ciò che può far sentire bloccato l’individuo, il tutto in un’atmosfera di anarchia giocosa.
Spettacoli che richiamano la vivacità dei bambini e il desiderio quasi dimenticato degli adulti di abbandonarsi al contatto fisico.
Josephine van Rheenen // Coreografa Ha studiato danza alla Theaterschool di Amsterdam e, parallelamente, si è esibita come ballerina insieme a De Dansers. Dopo aver danzato per cinque anni con De Dansers, Vloeistof e Breekgoed, nel 2014 ha sostituito Wies Merkx alla direzione artistica di De Dansers insieme a Guy Corneille. Da allora, ha creato per questa Compagnia spettacoli per bambini e adulti. Come coreografa, si dedica alla ricerca dell’umanità nella danza e di un linguaggio del movimento basato sull’istinto. Apertura, abbandono e interazione sono le parole chiave delle sue opere.
Guy Corneille // Compositore e musicista È direttore artistico di De Dansers insieme a Josephine van Rheenen dal 2014. Sul palco è musicista e performer fisico allo stesso tempo. Inoltre, partecipa alla creazione degli spettacoli della coreografa Josephine van Rheenen come compositore e drammaturgo musicale. Ha studiato antropologia socioculturale e ha un passato nel pop con la sua band indie La Corneille. Il suo interesse artistico è nel comunicare l’esperienza fisica ed emotiva, l’improvvisazione tipica dei concerti pop e l’accessibilità a qualsiasi musica senza essere superficiali o di bassa qualità. Nel 2017 Guy Corneille ha vinto un VSCD Gouden Krekel per la sua multiperformance a The Basement (De Dansers / Theater Strahl / Wies Merkx).
THEATER STRAHL BERLIN
Theater Strahl è stato fondato nel 1987 a Berlino come gruppo teatrale indipendente e dal 2013 produce spettacoli di danza contemporanea per un pubblico giovane in collaborazione con artisti internazionali. Con il Theatrer Strahl i giovani sono coinvolti nella selezione e nello sviluppo degli spettacoli, venendo così attivamente a contatto con il mondo teatrale.
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Esercizi di fantastica
2023-11-18 18:00 - 18:50 | Fonderia, via della Costituzione, 39, Reggio Emilia, 42124, Italy
Sosta Palmizi – Esercizi di Fantastica – ph. Vincenzo Siniscalco
Spettacolo perfetto per ogni età – per la complessità, la raffinatezza delle azioni in un crescendo gioioso – ben si comprende come abbia potuto meritare il Premio della giuria e del pubblico Vimercate Ragazzi Festival 2021. Valeria Ottolenghi, Gazzetta di Parma
Esercizi di Fantastica, produzione Sosta Palmizi, si ispira ai racconti di Gianni Rodari ed è un’occasione imperdibile per portare i bambini e le bambine dai 4 anni in su a teatro.

Crediti
Da un’idea di Giorgio Rossi
Una creazione di Elisa Canessa, Federico Dimitri, Francesco Manenti, Giorgio Rossi
Interpreti Elisa Canessa, Federico Dimitri e Francesco Manenti
Scenografie Francesco Givone, Francesco Manenti, Francesca Lombardi
Costumi Beatrice Giannini, Francesca Lombardi
Illustrazioni Francesco Manenti
Disegno luci Elena Tedde
Esecuzione tecnica Massimiliano Ferrari
Produzione Associazione Sosta Palmizi
Con il contributo di MiBACT, Ministero per i Beni e le Attività Culturali e del Turismo/Direzione generale per lo spettacolo dal vivo; Regione Toscana/Sistema Regionale dello Spettacolo
Con il sostegno di Armunia (Rosignano LI), Wintergarten – Atelier di Teatro Permanente (Livorno), Comune di Castiglion Fiorentino (Ar)
Ringraziamenti Spazio Nunc, Elena Giacomin
Esercizi di fantastica
Una casa grigia. Tre personaggi grigi. Annoiati, scialbi e obnubilati dal mezzo tecnologico, si muovono come prigionieri di un meccanismo prestabilito, gli occhi sempre attaccati agli schermi. Ma ecco arrivare un elemento inaspettato! Una farfalla sposterà il loro sguardo altrove e la casa diventerà teatro di nuove avventure e di trasformazioni. Un crescendo di emozioni e peripezie in cui i tre personaggi riscopriranno finalmente il potere della fantasia, in un continuo gioco a liberare i corpi e le menti.
Sosta Palmizi – Esercizi di fantastica
Esercizi di fantastica racconta, con il linguaggio della danza e del movimento, il potere dell’immaginazione che trasforma cose e persone in qualcosa di sempre inaspettato e straordinario. Gli autori sono stati ispirati dall’idea di “Fantastica” dello scrittore Gianni Rodari. Vicino al surrealismo degli anni ’50 e ispirandosi all’opera di Alfred Jarry e alla sua patafisica (la scienza delle soluzioni immaginarie), Rodari affermava infatti l’esistenza di una Fantastica in totale contrapposizione alla Logica.
Sosta Palmizi – Esercizi di fantastica
Gli Autori
Giorgio Rossi
Come direbbe E. Satie‚ “è un mammifero danzante”. All’età di 4 anni‚ vedendo il clown svizzero Dimitri esibirsi nel surreale tempo della scena‚ ha capito che il teatro era la sua vita. Deve la sua fortuna artistica all’aver potuto assistere ai lavori di grandi maestri (Kantor, Brook, Bausch, Carlson), con alcuni dei quali ha imparato l’arte scenica‚ sia come allievo che come interprete. Nel 1984‚ è co–fondatore della Sosta Palmizi‚ sigla sotto la quale‚ in 30 anni‚ hanno lavorato oltre 400 danzatori e non, che hanno trovato lavoro nelle maggiori compagnie di teatro danza italiane ed europee o hanno fondato propri gruppi: alcuni di questi fanno parte del nucleo dell’associazione come Artisti Associati. Con i suoi spettacoli‚ oltre 30 produzioni, ha girato il mondo‚ grazie all’universalità dell’arte poetica del movimento. In questi anni ha collaborato con artisti provenienti dai più svariati ambiti come: Andrea Pazienza, Paolo Fresu, Bernardo Bertolucci, Terry Gilliam, Stefano Benni, Paola Turci, Lucia Poli, David Riondino, Paolo Rossi, Banda Osiris, Gabriele Mirabassi, Danilo Rea, Elisabetta Pozzi, Jovanotti e tanti altri, oltre a lavorare con persone di ogni età, con gli studenti, comunità terapeutiche e gruppi di recupero sociale.
Federico Dimitri
Si diploma nel 2004 presso l’Accademia Teatro Dimitri, Verscio (CH). Nel 2005 vince in Belgio il Premio Pinokkio con un suo spettacolo dal titolo Perfectly Coupled. Nello stesso anno e co-fondatore della compagnia I Tre Secondi, e crea gli spettacoli Zurigo Stazione Centrale (2005), I Doganieri (2010) e Kaspar (2015). Nel 2006 si trasferisce a Ginevra dove continua a lavorare come attore. Nello stesso periodo l’incontro con la regista Teresa Ludovico lo porta a collaborare con il Teatro Stabile d’Innovazione Kismet Opera di Bari. È protagonista dello spettacolo La Regina delle Nevi, regia Teresa Ludovico. Nel 2008 partecipa alla fondazione del gruppo di ricerca Progetto Brockenhaus, con sede in Ticino, con il quale crea gli spettacoli Non facciamone una tragedia e Sagra. Nelle estati 2009-2010-2012 partecipa al festival Origen, Riom (CH) sotto la direzione artistica di Giovanni Netzer. Arrivato a Livorno nel 2010, continua la sua collaborazione artistica tra l’Italia, la Svizzera e la Germania. Dal 2012 collabora con la Theater Werkstatt Gleis 5 di Frauenfeld (CH), con i quali crea Laina Viva. Nel 2013, assieme ad Elisa Canessa, fonda la Compagnia Dimitri/Canessa. Punto centrale, sempre, il corpo, contenitore del tutto, del gesto come della parola del concreto e del sottile; strumento fondamentale di comunicazione. La compagnia lavora ormai da anni sia in Italia che all’estero, in particolare in Svizzera, ed ha al suo attivo quattro spettacoli: Bruno (2013), spettacolo vincitore del FIT, Festival Internazionale di Teatro di Lugano; …di Giulietta e del suo Romeo (2014) e Hallo!I’m Jacket! (2016), Ad esempio questo cielo (2019). Realizza inoltre i videoclip Show me, per la cantante francese Marina P. e Lettera di San Paolo agli operai, Virginiana Miller, Targa Tenco 2014.
Da anni lavora attivamente con il coreografo ticinese Giorgio Rossi, della compagnia Sosta Palmizi. Collaborazione che lo vedrà coinvolto da ottobre 2016 nella creazione dello spettacolo per ragazzi Col naso all’insù.
Elisa Canessa
Elisa inizia la sua formazione nel 1999, dedicandosi sia allo studio dei linguaggi più specificatamente corporei. Nel 2001 si diploma presso la Scuola di Teatro di Bologna, corso di formazione in Nouvea-Cirque. Dal 2002 Studia Commedia dell’Arte con la compagnia Pantakin da Venezia. Nel 2003 consegue una borsa di studio dall’Ass. Sosta Palmizi. Frequenta numerosi seminari di Contact Improvvisation con i maestri Dieter Hetikamp (Berlino) e Benno Voorham (Stoccolma) e con quest’ultimo collabora per due anni ad un progetto atto allo sviluppo della Danza Contemporanea nei paesi dell’Est Europa. Tra gli altri, studia con i Maestri Giorgio Rossi, Raffaella Giordano, Michele Modesto Casarin, Gey Pin Ang, Chiara Guidi, Francesca della Monica, Daniel Lepkoff, Dal 2001 Elisa lavora attivamente come interprete per: Compagnia Agar, Sant’Arcangelo dei Teatri; Arcipelago Circo- Teatro, La Biennale di Venezia; Compagnia Pantakin da Venezia, Commedia dell’arte; Benno Voorham for the ADDM Fest (Moldavia); Massimiliano Barrachini, Resolution Festival (London); Compagnia Sosta Palmizi, Giorgio Rossi/Raffaella Giordano; Teatro Kismet Opera – Teresa Ludovico; Teatro all’Improvviso, Mantova; Segni Particolari/Amina Amici; Origen Festival (CH). Dal 2002, parallelamente al lavoro di interprete, dà vita ad una propria ricerca teatrale. È autrice degli spettacoli Esercizi e Drunk. Nel 2008 è co-fondatrice, in Svizzera, dell gruppo di ricerca Progetto Brockenhaus, con il quale crea gli spettacoli Non facciamone una tragedia e Sagra. Nel 2010 si diploma presso il Teatro Stabile di Torino in “Scritture per la Danza Contemporanea”, corso di specializzazione professionale tenuto da Raffaella Giordano. È interprete protagonista di uno dei videoclip di Lorenzo Jovanotti, Mezzogiorno. Nel 2013, Federico Dimitri fonda la Compagnia Dimitri/Canessa. Da anni lavora attivamente con il coreografo ticinese Giorgio Rossi, della compagnia Sosta Palmizi.
Francesco Manenti
Lavora nel campo del teatro, della performance e dell’arte visiva. È diplomato al Corso di Formazione Professionale in NoveauCirque, presso la scuola di Teatro di Bologna Galante Garrone.Studia e approfondisce la ContactImprovisation, in particolare seguendo i seminari di D.Heitkamp e Benno Voorham. Nel 2003-2004 gli viene assegnata una Borsa di Studi da Raffaella Giordano e Giorgio Rossi, coi quali studia frequentando i seminari di teatrodanza tenuti presso la Sosta Palmizi. Dal 2010 segue il lavoro di Masaki Iwana frequentando i suoi laboratori intensivi presso L’Atelier duButohBlanc in Normandia. Si è diplomato al Master internazionale WTTL (World Theatre Training Library) sotto la direzione artistica del Maestro Yuri Alschitz che si è svolto presso l’Università UNAM di Città del Messico con la finalità di sviluppare la pedagogia teatrale. Da diversi anni studia arti marziali (Ki Aikido, Kung Fu, TaiJiQuan), arti circensi (in particolare acrobatica aerea e danza con bastoni infuocati); nel 2011 si è diplomato come Insegnante di Dao Yin Fa Qi Gong presso la Scuola Tao Yin Italia. Con Elisa Canessa dà vita al Progetto Agatharandagio ed insieme creano gli spettacoli Esercizi e Drunk (coproduzione TIR-Danza) partecipando a diversi festival tra i quali: Lavori in Pelle, Premio Iceberg 2005, Festival DANAE 2006, ItaliaWave2009, GD’A 2004-2005 e Festival Inequilibrio-Armunia 2009. Nel 2008 crea insieme a E. di Terlizzi, E. Canessa, F. Dimitri, E. Rosenberg e P. Gianotti la compagnia svizzera di teatro del movimento Progetto Brockenhaus. Ha lavorato e tuttora collabora come interprete per alcune tra le più interessanti compagnie Italiane e straniere quali Sosta Palmizi (Giorgio Rossi), Pantakin (Michele Modesto Casarin), Teatro Kismet Opera (Teresa Ludovico), Eccentrici Dadarò. Ha lavorato inoltre con: Riccardo Palmieri-ArterieCIRT, PierrNosari-Acidi Alteri, Maria Carpaneto-Filo di Paglia, Company Mafalda, Dimensioni Parallele Teatro (Stefano Cenci). Parallelamente porta avanti una ricerca personale nel campo delle arti visive.
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THE DAY WHEN I CHOSE TO BE A DAUGHTER
2023-12-05 20:30 - 21:30 | Fonderia, via della Costituzione, 39, Reggio Emilia, 42124, Italy
DaCru – The day when I chose to be a daughter – ph. Sara Meliti
La Dacru Dance Company ritorna in Fonderia con il nuovissimo spettacolo The day when I chose to be a daughter (Il giorno in cui scelsi di essere una figlia).
Danzatori con una tecnica propria ed estremamente virtuosa, interpreti con immediatezza comunicativa, hanno il talento per trasformare la danza urbana in un vero e proprio racconto teatrale.

Crediti
Concept e regia: Marisa Ragazzo
Coreografie: Marisa Ragazzo e Omid Ighani
Di e con Elda Bartolacci, Davide Angelozzi, Alessandra Ruggeri
Musiche: Jocelyn Pook , Julia Kent, David Lang, The Books, Max Richter , Nils Frahm
Produzione: Compagnia Naturalis Labor
Coproduzione: Festival Abano Danza 2022
Con il sostegno di Mic / Regione Veneto / Comune di Vicenza
Con la collaborazione di DanceLab / Latina
The day when I chose to be a daughter
Tre danzatori che indagano sullo stato di “figlianza”. Un’analisi profonda, poetica e intrisa di visioni segrete che rispondono ad un unico quesito principale: essere figli dura tutto il corso della vita?…e da altri che seguono spontaneamente…questo stato di privilegiata appartenenza permane anche quando formalmente viene meno il punto che lo concede?…senza genitori, si è ancora figli?Lo stato di figlianza si modifica quando si diviene madri o padri?
La nuova produzione della company nasce da un coinvolta ed individuale visione della coreografa sull’argomento che diviene collettiva attraverso incontri e approfondite indagini con i danzatori.
È stato un lungo e complesso lavoro di riflessione sullo stato di figlianza quello che mettiamo in scena, una ricerca attraverso i ricordi specifici di ognuno di noi, coreografa e danzatori. Dettagliati ricordi scritti, condivisi, resi narrazione e quasi sempre riferiti soprattutto alla madre, nella quale per mesi abbiamo danzato immersi nella sua pasta vitale.
DaCru – The day when I chose to be a daughter – ph. Sara Meliti
Abbiamo iniziato il processo creativo relativo al progetto “THE DAY WHEN I CHOSE TO BE A DAUGHTER” prendendoci il tempo per ogni cosa, parlando a lungo, condividendo memorie e stati emotivi…quattro figli che riflettono sullo stato di figlianza. Nessuna madre, nessun padre, solo figli. Sulla maternità e paternità è stato scritto molto, narrazioni estese e articolate ma sullo stato di figlianza, pochissimo. Che cos’è lo stato di figlianza? La prima di tante domande che ci spinge ad una condivisione attiva: voremmo dialogare con altri figli per arrivare ad una narrazione più estesa ed approfondita intrecciando un dialogo silenzioso con il pubblico, spingendo ognuno ad intraprendere un processo per recuperare i ricordi e le piccole storie nascoste nei segreti luoghi della mente.
Marisa Ragazzo e Omid Ighani
Marisa Ragazzo e Omid Ighani iniziano la loro collaborazione artistica nel 1996, mescolando sistematicamente le personali curiosità artistiche, il proprio background, i propri talenti, attenti a mantenere integre le diversità e spesso riuscendo ad esaltarle.
La loro diversa formazione artistica, accademica per Marisa (Prebil, Trayanova, Lupov, Peter Goss, Sebron) e street per Omid (freestyler, come molti talenti nati e cresciuti nella cultura hip hop degli anni ’80), produce un codice artistico fortemente innovativo e di certo singolare.
Innamorati entrambi della sperimentazione estrema e delle contaminazioni di stili e linguaggi, creano una dimensione coreografica insolita, restando allo stesso tempo assolutamente raggiungili. Amano la velocità, il virtuosismo tecnico, la fusione dello spazio teatrale con il codice artistico della strada, dalla quale attingono le spinte verso l’arte nei diversi suoi aspetti, cosa che li porta spesso a collaborare con musicisti underground e visual artist.
Il loro primario obiettivo resta quello di uscire dagli spazi convenzionali, attraverso originalità, invenzione, innovazione e ricerca.
Nel 1996 Marisa Ragazzo e Omid Ighani aprono due scuole di formazione professionale di hip hop, tutt’ora in attività, nel Lazio ed in Sardegna, alle quali si aggiungono, negli anni, altre 8 sedi condivise nell’ organizzazione con Cruisin Arts (MC Hip Hop School: Milano, Verona, Jesi, Firenze, Roma, Bari, Catania, Cagliari), ed una scuola di specializzazione per il Video Dance e l’House (Cruisin’ Urban Dance Hdemy: Modena e Roma).
Oltre alle scuole di formazione professionale, svolgono un’intensa attività d’insegnamento, in Italia e all’estero.
Info & Biglietti
BIGLIETTI
Intero: 10 euro
Ridotto under 30, scuole di danza, Liceo Coreutico Matilde di Canossa, over 65, soci CRAL Comune di Reggio Emilia: 6 euro
Ridotto under 8: 3 euro
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Darwin - M/eta/morfosi
2023-12-17 18:00 - 19:00 | Fonderia, via della Costituzione, 39, Reggio Emilia, 42124, Italy
Darwin – M/eta/morfosi è uno spettacolo di danza e teatro per ragazzi e famiglie sul tema della crescita e della trasformazione, che strappa al pubblico più di un sorriso.

Gli autori Christian Pellino e Francesco Marchi sono artisti associati della Compagnia Artemis Danza / Monica Casadei.

Crediti
Di e con Francesco Marchi e Christian Pellino
Regia e drammaturgia: Francesco Marchi
Coreografie: Christian Pellino
Durata: 50′
Adatto ad un pubblico dagli 8 ai 14 anni
Una coproduzione Artemis Danza ed Europa Teatri
Con il contributo di Mic, Regione Emilia Romagna Assessorato alla Cultura, Comune di Parma
Darwin
Come il bruco si trasforma e diventa farfalla attraverso un ciclo biologico chiamato metamorfosi, anche l’uomo passa attraverso più fasi prima di compiere un’evoluzione. Dagli organismi monocellulari all’Homo Sapiens, dal neonato all’adulto tutto evolve alla continua ricerca della perfezione… ma qualcosa è andato storto! Il pianetaè in pericolo e l’umanità non è certo senza difetti. Così uno scienziato eccentrico prova a raccontarci cosa, nel bene e nel male, è accaduto all’umanità e alla Terra dal Big Bang a oggi. Ad aiutarlo nell’impresa un personaggio poliedrico ed in continuo mutamento , che non comunica a parole ma con il corpo e il movimento, incarnerà le diverse fasi di questa pazza metamorfosi. Una sinergia fra danza e teatro di prosa, espressività del gesto e della parola che accompagna i ragazzi in un viaggio divertente e formativo in cui si incontrano fantasia, scienza e creatività.
Darwin – M/eta/ morfosi nasce dal bisogno di provare ad avvicinare il pubblico più giovane al mondo del teatro danza, percepito spesso come distante dalle nuove generazioni e quindi di difficile comprensione. Attraverso un percorso che prevederà incontri con le scuole, formazione dei docenti e rappresentazione scenica, Darwin – M/eta/ morfosi proverà a indagare il concetto di trasformazione combinando il linguaggio della danza, curato dal coreografo Christian Pellino con la parola e il gesto del teatro di prosa dell’attore Francesco Marchi.
Obiettivo avvicinare i ragazzi a un linguaggio nuovo, facilitandone la comprensione e arrivando a coinvolgerli in un percorso di approfondimento del genere mentre , parallelamente , potranno elaborare riflessioni personali sul tema della crescita e della trasformazione.
Info & Biglietti
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Intero: 6 euro
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Il servizio di biglietteria in Fonderia è attivo dalle ore 17.00.
I biglietti non sono numerati.
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Made in Italy 30.0
2023-12-22 18:00 - 22:00 | Fonderia, via della Costituzione, 39, Reggio Emilia, 42124, Italy
Lo spettacolo andrà in scena il 22 dicembre con due repliche:
1° replica: h 18.00
2° replica: h 21.00

Protagonisti della serata sono i danzatori di Agora Coaching Project, un progetto di alta formazione promosso e sostenuto dalla MM Contemporary Dance Company e dall’A.S.D Progetto Danza di Reggio Emilia con la direzione artistica di Michele Merola ed Enrico Morelli. Iniziato nel 2010, il corso sta ottenendo pieno riconoscimento nel mondo della danza europea e vanta collaborazioni con insegnanti e coreografi di fama internazionale.
B.7 SYMPHONY di Emanuele Soavi
L’instancabile spinta di Beethoven rivolta al rinnovamento artistico e la sua visione dissezionata e persino visionaria dei movimenti sociali e politici della sua epoca conferiscono alla sua opera un’energia inesauribile, come un flusso continuo, proprio come il diluvio in natura quando cambia la forma del paesaggio e le condizioni di vita. Questa idea di cambiamento costante, di giustapposizione degli opposti, di interazione, di scambio, di emozioni ed esperienze condivise è essenzialmente la fonte di partenza di questa composizione coreografica. Sia il palcoscenico stesso, sia i protagonisti che lo popolano con i loro movimenti che assumono continuamente nello spazio una nuova forma in ciascuna delle singole parti, creano immagini astratte che consciamente e inconsciamente in maniera contemporanea definiscono l’idea di un io multiforme, che vive oggi in una società moderna che è in uno stato di continuo sconvolgimento e cambiamento.
GERSHWIN SUITE di Michele Merola
Nelle note di George Gershwin (1898-1937), musicista tra i più rappresentativi del Novecento, si riflette lo spirito del tempo in cui sono create, gli umori e le atmosfere degli Anni Ruggenti. Partendo dai migliori brani del compositore, e dalle suggestioni delle opere pittoriche di un altro grande artista americano del ‘900, Edward Hopper (1882-1967), Michele Merola ha realizzato Gershwin Suite. In scena tanta varietà assume i modi di un set cinematografico, grazie anche ad una scenografia che cambia in continuazione, proprio come in un set, e ad una coreografia che tocca più tasti, opera di un coreografo capace di declinare la propria creatività e il proprio talento al passo con i tempi della contemporaneità.
INTERPRETI
Ore 18:00
Corrado Azzollini, Jasmine Begici, Elisa Bocconi, Laura Dell’Agnese, Sara Ferrentino, Nicole Forni, Giulia Lusetti, Lucrezia Maggiore, Maya Maselli, Carlotta Maucioni, Martina Procacci, Federico Musumec, Filippo Penco, Jada Piccinini, Susanna Russing, Gennaro Todisco, Gaia Camilla, Zorrilla Leonini.
Ore 21:00
Chiara Barril, Jacopo Bellan, Giulia Boccarossa, Giovanni Karol Borriello, Salvatore Bruno, Lucrezia Capuzzell, Anna Dal Maso, Vittoria Facci, Chiara Gionti, Aurora Lattanzi, Luna Lefebvre, Gioele Marcante, Laura Miotti, Martina Pagliari, Alessia Russo, Diletta Suman.
AGORA COACHING PROJECT
Agora Coaching Project è un progetto annuale di perfezionamento nella danza rivolto a danzatori di età compresa fra i 18 e i 22 anni, che ha sede a Reggio Emilia. Nato nel 2010, è diretto da Michele Merola ed Enrico Morelli, ed è promosso e sostenuto dalla MM Contemporary Dance Company e dal Centro Permanente Danza di Reggio Emilia. Si prefigge di formare artisti pronti ad affrontare in maniera flessibile la varietà del mercato internazionale della danza, artisti capaci di rispondere alle richieste di diversa natura, tecnico/stilistica, che provengono da questo stesso mercato. Il progetto vuole offrire un ampio ventaglio di stimoli, di carattere tecnico, culturale e di scambio tra allievi e coreografi, ciascuno dei quali proviene da realtà diverse e interessanti del panorama internazionale. Agora ai ragazzi di incontrare affermati coreografi di orientamento stilistico diverso e ha visto in questi anni la presenza di tanti nomi illustri: con Michele Merola ed Enrico Morelli collaborano alla realizzazione del progetto diversi docenti, dotati, ciascuno, di provata e qualificata esperienza nel settore.
MICHELE MEROLA
Michele Merola è direttore artistico e coreografo principale della MM Contemporary Dance Company, compagnia di danza contemporanea fondata nel 1999 a Reggio Emilia, che nel 2010 ha vinto il prestigioso Premio Danza & Danza come migliore compagnia emergente. Con essa ha portato sulla scena, sia in Italia che all’estero, molte sue coreografie, tra cui La metà dell’ombra, vincitrice del premio Anita Bucchi nel 2010 e Bolero, Premio Europaindanza 2017 – Premio al Merito alla coreografia. Dal 2000 numerose sono le sue creazioni per altre compagnie, tra cui Aterballetto, Teatro San Carlo di Napoli, Dominic Walsh Dance Theatre, Teatro Massimo di Palermo, Junior Balletto di Toscana, Teatro Nazionale di Belgrado, la Tanzcompagnie Landesbühnen Sachsen di Dresda, il Teatro dell’Opera di Roma. Nel 2003 vince il Concorso Internazionale di Coreografia di Hannover, nel 2008 riceve il Premio Positano Leonide Massine per l’Arte della Danza e nel 2016 il premio GD Awards 2016 come Migliore Coreografo italiano. Nel 2017 vince il premio L’Abella Danza presso l’Anfiteatro Romano di Avella (AV). Nel 2018 riceve il premio “Incontro con la danza” istituito da Basilicata ArteDanza. Dal 2010 Merola è, con Enrico Morelli, direttore artistico di Agora Coaching Project, progetto di perfezionamento professionale per danzatori che ha sede a Reggio Emilia.
EMANUELE SOAVI
Emanuele Soavi inizia i suoi studi di danza a Ferrara e successivamente presso il Balletto di Toscana. Dal 1996 inizia a lavorare in diversi teatri italiani tra cui il Teatro Petruzzelli di Bari, il Teatro dell’Opera di Roma. Nel 1998 si trasferisce in Germania dove lavora per tre anni come solista per il Ballet Dortmund, per poi passare in Olanda nella celeberrima compagnia Introdans. Durante la sua carriera interpreta lavori di coreografi tra cui Maurice Béjart, Jiri Kylian, Hans van Manen, Nils Christe, Renato Zanella, William Forsythe, Ton Wiggers, Nacho Duato, Karole Armitage, Mats Ek. Dal 1999 Soavi inizia il suo lavoro di coreografo in numerosi teatri tra cui Theater Dortmund,Theater Duisburg, Staatstheater Regensburg, TheaterAachen, Introdans, Staatstheater am Gartnerplatz di Monaco, Opera Köln, Dansateliers Rotterdam, Folkwang Essen, ZHdK Zürich, Dance Limerick, MM Contemporary Dance Company e AGORA Coaching Project. Dal 2012 è direttore, sempre a Colonia, del collettivo Emanuele Soavi Incompany. Riceve il premio come miglior Artista Interprete in Germania, collabora e firma coproduzioni dal 2016 con Susanne Linke, Jone San Martin della Forsythe Company, Cora Bos e Joris-Jan Bos del Netherlands Dance Theatre.

INFO E BIGLIETTI
BIGLIETTI
Intero: 10 euro
Ridotto under 30, scuole di danza, Liceo Coreutico Matilde di Canossa, over 65, soci CRAL Comune di Reggio Emilia: 6 euro
Ridotto under 8: 3 euro
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Golden Days
2024-01-12 20:30 | Fonderia, via della Costituzione, 39, Reggio Emilia, 42124, Italy
A gennaio Aterballetto torna a danzare nella Fonderia di Reggio Emilia con Golden Days di Johan Inger, un cavallo di battaglia del repertorio: l’occasione ideale per iniziare il nuovo anno e la nuova stagione di danza con il piede giusto!
Nella serata, le atmosfere fumose di Rain Dogs incontrano BLISS e i suoi sorrisi attraverso l’ironico solo femminile di Birdland, per accompagnare il pubblico in un viaggio nostalgico e dolce sulle note indimenticabili di Tom Waits, Patti Smith e Keith Jarret.
“A mano a mano che invecchiamo, ci soffermiamo spesso a riflettere sul nostro percorso di vita e io, per una volta, mi guardo indietro con un autentico sorriso, ripensando a quando tutto era radioso e spensierato.”
Johan Inger
“Un andante cantabile, un adagio e un rondò. Praticamente un concerto. Di danza però e tuttavia con una colonna sonora grandiosa.”
Sergio Trombetta, La Stampa
I biglietti sono acquistabili dal 23 dicembre, la biglietteria sarà disponibile per prenotazioni e informazioni dal 27 dicembre.

Info & Biglietti
BIGLIETTI
Intero: 10 euro
Ridotto under 30, scuole di danza, Liceo Coreutico Matilde di Canossa, over 65, soci CRAL Comune di Reggio Emilia: 6 euro
Ridotto under 8: 3 euro
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I biglietti possono essere acquistati online su www.biglietteriafonderia39.it.
Il servizio di biglietteria in Fonderia è attivo dalle ore 19.30.
I biglietti non sono numerati.
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POP UP - Un fossile di cartone animato
2024-01-20 18:00 - 19:00, 2024-01-21 18:00 - 19:00 | Fonderia, via della Costituzione, 39, Reggio Emilia, 42124, Italy
Reinventando il libro animato in forma teatrale, Pop up – Un fossile di cartone animato intreccia le microstorie di un bambino di carta e di una piccola, enigmatica sfera: le evoluzioni ritmiche, cromatiche e sonore del loro rapporto, i loro incontri, le loro specularità, le loro trasformazioni.
Le avventure del bambino e della sua piccola palla danno così origine a un gioco simbolico di geometrie e di metamorfosi che tocca aspetti centrali di quell’immaginario: la fantasia, l’invito, la minaccia, il sogno. Due attrici, che sono insieme animatrici, danno vita e voce ai due protagonisti di carta, giocando sull’apparizione delle figure e delle forme nel tempo, sugli intrecci di esse con i loro corpi, sul movimento e sull’illusione del movimento, sulla sincronicità tra voci e immagini.
Adatto a bambini dai 3 anni
CREDITI
Un progetto di Giulia Gallo, Giovanni Guerrieri | I Sacchi di Sabbia
Con la collaborazione di Giulia Solano
Con Marta Capaccioli, Lucrezia Palandri e Paolo Romanini
Libri di Giulia Gallo
Ideazione luci Emiliano Curà
Realizzazione scene Paolo Romanini
Produzione Teatro delle Briciole – Solares Fondazione delle Arti
POP UP: LO SPETTACOLO
La scansione cromatica dei diversi cartoon di cui si compone lo spettacolo è un mezzo potente per indagare le emozioni-base e per creare insiemi di associazioni tra sentimenti, forme e colori. La forma delle variazioni sul tema, assecondando musicalmente la ricerca rumoristica, si fa strumento flessibile per un’esplorazione sperimentale dell’immaginario infantile.
L’idea della reinvenzione scenica del libro pop up, la sfida di creare un cartone artigianale, una sorta di fossile di cartone animato nell’epoca del 3D, è la preziosa occasione per una riflessione sull’animazione, sulla saturazione e l’invasività delle sue tecniche contemporanee, per intraprendere una direzione più evocativa e meno aggressiva che lasci più spazio all’immaginazione nell’era della dittatura digitale. Ed è, anche, l’occasione per fondere sperimentalmente manipolazione, teatro d’oggetti e suoni, linee di ricerca amate da I Sacchi di Sabbia che ora per la prima volta vengono rivolte e confrontate con un pubblico infantile.
GLI AUTORI
I SACCHI DI SABBIA
Negli anni la Compagnia si è distinta sul piano nazionale, ricevendo importanti riconoscimenti per la particolarità di una ricerca improntata nella reinvenzione di una scena popolare contemporanea. Già vincitori di due Premi ETI “Il Debutto di Amleto”, I Sacchi di Sabbia ricevono una nomination al Premio Ubu 2003 per lo spettacolo Orfeo. Il respiro (“…per il loro intreccio di ironia, storia e metafisica”) e vincono il Premio Speciale Ubu 2008. In perenne oscillazione tra tradizione e ricerca, tra comico e tragico, il lavoro di I Sacchi di Sabbia ha finito per concretizzarsi in un linguaggio in bilico tra le arti (arti visive, danza, musica), nella ricerca di luoghi performativi inconsueti, e sempre con uno sguardo vivo e attento al territorio in cui l’evento spettacolare è posto.
INFO & BIGLIETTI
BIGLIETTI
Intero: 6 euro
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Ruggine / PLAY_BACH DIVERTISSEMENT
2024-01-24 20:30 - 21:30 | Fonderia, via della Costituzione, 39, Reggio Emilia, 42124, Italy
Prova aperta– ore 18.00
Spettacolo – ore 20.30

Ruggine / Manfredi Perego / Tir Danza
“Autoritratto
Rumore stride
Naturale dentro”
Ruggine è una riflessione sul prodotto dell’antagonismo tra buio e luce nell’uomo. Ruggine è un pensiero drammaturgico che tratta dell’oscuro, l’inquietudine, del capriccio,
della sofferenza; osservando senza giudizio queste emozioni e le azioni che provocano. Ruggine è una dedica alla zona che di solito si occulta con tanto impegno. La coreografia non genera una risposta, ma piuttosto crea un sentiero che permette di immergersi ed attraversare questi stati d’animo e sviscerarli senza pregiudizi. Come in una dedica liberatoria alla parte fastidiosa di noi stessi, la coreografia tratteggia ed attraversa una sequenza priva di cronologia una rappresentazione ideale di ciò che solitamente viene considerato un difetto.
PLAY_BACH DIVERTISSEMENT / Balletto Teatro di Torino
La sfida coreografica è quella di dare concretezza visiva e dinamica all’emozione che ogni nota esprime, cogliendo le sfumature della musica di Bach traducendo in danza un processo di analisi emotiva su ciò che la partitura musicale suggerisce. La violenza e la dolcezza che nascono dalla vibrazione del suonato dovranno avere una corrispondenza fisica creando danze che attraversano mondi di nuove frequenze carnali. Il progetto parte dalla necessità di sfidarsi con le partiture musicali classiche, mai affrontate prima per scoprire nuovi approcci alla coreografia ed aprirsi a nuove visioni dinamiche. Gli studi su Bach saranno una palestra di coreografia, un luogo coreutico mutevole, che non termina la sua evoluzione. La musica dal vivo cuce l’epidermide del danzatore al luogo portandolo ad un altro livello di interpretazione e di ascolto. Al contempo l’aria mossa dai corpi impatta sui musici, rendendo tangibile l’azione della danza sullo strumento.

CREDITI
RUGGINE
Coreografia/danza di Manfredi Perego
Musiche originali di Paolo Codognola
Disegno luci di Roberta Faiolo
Durata 20 minuti
Un lavoro prodotto da Tirdanza, con la coproduzione di Milanoltre Festival, in collaborazione con Fondazione TeatroDue Parma, Europa Teatri
PLAY_BACH DIVERTISSEMENT
Coreografia di Manfredi Perego
Danzatoritrici Flavio Ferruzzi, Lisa Mariani, Luca Tomasoni, Nadja Guesewell, Viola Scaglione
Musiche di J.S. Bach eseguite dal vivo da Janine Bratu
Light design di Roberta Faiolo
Costumi di Majatai
Produzione Balletto Teatro di Torino
In collaborazione con Conservatorio Statale di Musica “Giuseppe Verdi” di Torino
Durata 30 minuti
GLI AUTORI
MANFREDI PEREGO
Nasce a Parma nel 1981 e inizia a studiare danza contemporanea nella scuola di sua madre Lucia Perego. Si laurea all’Accademia di Belle Arti di Bologna e prosegue i suoi studi di danza iniziando al contempo l’attività professionale di danzatore freelance in Svizzera e Germania. Nel 2013 sviluppa il primo progetto personale di movement research. Nel 2014 fonda MP.ideograms e l’anno successivo debutta al Festival Equilibrio e alla Vetrina della Giovane danza d’autore di Ravenna. Nel 2016 partecipa al progetto “VITA NOVA” della Biennale di Venezia con il primo capitolo del progetto “Primitiva”, che prosegue nel 2017 presso Scenario Pubblico di Catania. Nello stesso anno vince il Premio GD’A Giovane Danza D’Autore. Dal 2017 collabora con il BTT Balletto Teatro di Torino come Maestro ospite e dal 2019 come coreografo. È stato Coreografo Associato presso il Centro Nazionale di Produzione della Danza Scenario Pubblico/CZD nel triennio 2019-2021. Nel triennio 2022-24 diventa Coreografo Associato presso il Festival MilanOltre. Attualmente insegna come freelance in diverse formazioni professionali in Italia e all’Estero.
BALLETTO TEATRO DI TORINO
Il Balletto Teatro di Torino è un organismo di produzione, formazione e programmazione nell’ambito della danza.
Sostenuto da MIC, Regione Piemonte, Fondazione Compagnia di San Paolo, Fondazione CRT, Città di Torino, TAP Torino Arti Performative. In rete con NEST Rete degli Organismi di Produzione di Danza del Piemonte.
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Intero: 10 euro
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Anastasia - L'ultima figlia dello Zar
2024-02-11 18:00 - 19:00 | Fonderia, via della Costituzione, 39, Reggio Emilia, 42124, Italy
Berlino, 1920. Una donna, dopo essere stata salvata dalla morte in un canale e dopo mesi di mutismo in ospedale, rivela di essere Anastasia, l’ultima figlia dei Romanov, i reali russi trucidati dalle milizie bolsceviche nel 1918. Una sopravvissuta. Uno dei casi più misteriosi del Novecento. È lei o non è lei?
Un particolare lo potrebbe svelare… il colore degli occhi… la cicatrice nascosta sotto gli abiti consunti dal tempo e dalla follia. Un modo di dire! Una parola segreta mai rivelata che ora passa di bocca in bocca. Il popolo la vuole, ora. Sono io o non sono io? La memoria giocherà con la sua immagine riflessa nei vetri di una finestra dell’ospedale, chiuso al mondo; lo rivelerà il fischio del treno perso nella neve, la musica di un carillon che improvvisamente la incanterà. Un desiderio, un sogno, un ricordo o la realtà?
La musica batte il tempo e il tempo scorre, fugge come un cavallo, senza tregua e lascia particelle di memoria e desiderio, che diventano una danza senza tempo. La danza esplode nello spazio e, in dialogo con le proiezioni video, ricrea luoghi lontani che trasformano, allargano, sbriciolano le pareti di quell’ospedale nel quale Anastasia è intrappolata nella ricerca di sé stessa.
Ma la realtà è sempre necessaria?
Spettacolo adatto ad un pubblico di tutte le età

CREDITI
Da un’idea di Roberta Ferrara
Regia, drammaturgia, scene e disegno luci Michelangelo Campanale (direttore artistico La luna nel letto)
Coreografie Roberta Ferrara
Interpreti Antonello Amati e Moreno Guadalupi / Giulia Bertoni, Serena Angelini e Rebecca Moriondo
Visual artists Alessandro Vangi e Raffaele Fiorella
Voce narrante Maria Pascale
Costumista Franco Colamorea
Produzione Equilibrio Dinamico Company e La luna nel letto
GLI AUTORI
FERRARA ROBERTA
Roberta Ferrara (1988) fondatrice, direttrice artistica e coreografa dal 2011 di Equilibrio Dinamico Dance Company, con sede nella città di Bari, Puglia, Italia. Nel 2020/21 ricopre il ruolo di direttrice artistica associata per Odyssey Dance Theatre, Singapore, tra le principali organizzazioni di arti professionali della danza in Asia. Da oltre dieci anni è direttrice artistica e coordinatrice dei due programmi internazionali di pedagogia TEEN e ENSEMBLE, ospitando annualmente oltre 30 artisti internazionali. La sua metodologia ha creato un vivaio sempre verde di generazioni future della danza realizzando sinergici interscambi formativi-culturali con diverse formazioni in Inghilterra, India, Giappone, Corea.
Laureata in Lettere Moderne – indirizzo Cultura Teatrale presso l’Università degli Studi di Bari A.Moro, con una tesi sperimentale sul valore del movimento istintivo quale dono terapeutico per danzatori e non danzatori. Appassionata pedagoga, la sua ricerca si amplia attraverso uno studio immersivo con diversi artisti di tecniche, pratiche e linguaggi della danza contemporanea internazionale. Questo connubio pone le basi ad un lavoro creativo personale dedito ad una poetica sempre connessa all’uomo e al suo universo interiore, creando una propria metodologia didattica che si approccia su più livelli di ascolto: corpo – mente – spirito.
Ospite per diverse rinomate realtà della danza tra cui Theater Basel (CH), Teatrul de Balet Sibiu (RO), English National Ballet School (UK), Delattre Dance Company (DE), Northern School of Contemporary Dance (UK), Copenaghen Dance Festival (DNK) Conservatorio Professional de Danza, Lugo (ES), Korea Ballet House (KR), Staatstheater Augsburg (DE), Conservatorio Internacional Annarella Sanchez (PT) Eko Dance Project (IT), Experimental Film Virginia (USA), Teatro Moravo Olomuc (CZ), Odt (SGP).
Le sue creazioni sono state selezionate e invitate in diversi festival internazionali tra cui Masdanza, FIDCMX Mexico, Cortoindanza, Network Danza Urbana XL e Festival Ammutinamenti Anticorpi XL, ZED Festival, Puglia Showcase, DanzInc, BallettGala Staatstheater Bremerhaven, Prospettiva Danza Teatro, Festival delle 100 Scale, Danza in Rete Festival, Lucky Trimmer, Fuoriformato Festival, Vivadança, Albania Dance Meeting, SoloCoreografico USA, Solo Contemporary Dance Festival Ankara, Sid Festival Seattle, Interdans, Split Summer Festival, Quinzena de Dança de Almada e nei Festival Solo Tanz Theater dove riceve il premio migliore coreografa e premio residenza dal direttore e chief choreographer R. Fernando dello Staatstheater Augsburg, Linkage-Contemporary Dance Miniatures Sophia dove riceve l’invito in qualità di coreografa ospite per lo Stara Zagora State Opera dalla direttrice S. Tomova e Premio InDivenire dove riceve il premio miglior progetto di danza consegnato dall’etoile L.Savignano.
Le sue classi e creazioni sono state invitate in Italia, Città del Messico, America, Albania, Kosovo, Vietnam, Belgio, Germania, Croazia, Singapore, India, Giappone, Corea, Portogallo, Turchia, Brasile, Libano, Spagna, Romania, Bulgaria, Svizzera, Repubblica Ceca, Danimarca.

EQUILIBRIO DINAMICO
Equilibrio Dinamico è stata fondata nel 2011 dalla sua attuale direttrice artistica Roberta Ferrara. La compagnia, oggi con sede a Bari, si è posta sotto i riflettori per essere un unicum nel panorama della danza italiana. Riconosciuta dal 2021 dal Ministero della cultura quale Organismo di Produzione della Danza Under35, unica realtà della Regione Puglia. Equilibrio Dinamico viene definita […]“una voce fuori dal coro”, ad evidenziare una strategia artistica in controtendenza rispetto alle “mode” della giovane danza italiana […]* con l’intento di creare una realtà dal profilo europeo che alimenta sinergie tra artisti.
Sin da subito, infatti, Roberta Ferrara ha teso a costruire una compagnia di repertorio contemporaneo dal respiro internazionale chiamando diversi coreografi a creare nuovi lavori. Diverse le voci autoriali che compongono il cahier de danse: Jiří Pokorný, Igor Kirov, Bert Uyttenhove, Matthias Kass & Clément Bugnon, Marco Blázquez, Riccardo Buscarini, Aida Vainieri, Brandon Lagaert sono solo alcune delle voci che hanno contribuito a creare un repertorio a più sguardi affiancato ad un altrettanto significativo repertorio educational a firma di: Imre van Opstal, Guy Shomroni, Lior Tavori, Alejando Moya, Miguel Altunaga Verdecia, Alice Godfrey, Isaiah Wilson, Manuel Rodriguez, Sasha Riva&Simone Repele, Pablo Girolami. Equilibrio Dinamico è invitata in stagioni e festival in Europa, America e Asia stringendo collaborazioni con diversi Istituti Italiani di cultura tra cui Messico, New York, Atene, San Paolo, San Francisco, Ankara, Colonia e Zagabria grazie alla collaborazione dell’attuale direttore generale Vincenzo Losito, responsabile di produzione.
Inoltre, Equilibrio Dinamico sviluppa progetti collaterali di formazione e promozione del pubblico creando un dialogo attivo con il circuito regionale Teatro Pubblico Pugliese e i Comuni consorziati. Dal 2022, anno di celebrazione dei dieci anni del programma internazionale di formazione ENSEMBLE, la compagnia ha siglato una partnership con VERVE, compagnia del corso di laurea specialistica della Northern School of Contemporary Dance, Leeds (UK). Attenta alle nuove voci autoriali nazionali, Equilibrio Dinamico supporta lo sguardo delle nuove generazioni attraverso l’annuale call di residenza ABITARE, un progetto di sostegno produttivo in collaborazione con l’oltre trentennale Festival internazionale multidisciplinare Castel dei Mondi, Andria.
*Carmelo Zapparrata su Hystrio, ANNO XXXV 2/2022 Aprile/Giugno
INFO & BIGLIETTI
BIGLIETTI
Intero: 10 euro
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Il servizio di biglietteria in Fonderia è attivo dalle ore 17.00.
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YELED / RHAPSODY IN BLUE / SECUS
2024-02-22 20:30 - 21:30, 2024-02-23 20:30 - 21:30 | Fonderia, via della Costituzione, 39, Reggio Emilia, 42124, Italy
Giovedì 22 / venerdì 23 febbraio 2024 – ore 20.30
A febbraio la Compagnia Aterballetto torna a danzare nella Fonderia di Reggio Emilia con un doppio appuntamento.

In scena, un trittico composto da due coreografie di repertorio: Yeled di Eyal Dadon in apertura di serata e Secus di Ohad Naharin a conclusione. Ad intervallarle, la nuova produzione creata da Iratxe Ansa e Igor Bacovich sulle note di George Gershwin, in debutto al Teatro Regio di Parma il 17 febbraio: Rhapsody in Blue.
La serata coinvolge l’intera compagnia di 16 danzatori e danzatrici: nella prima creazione il coreografo israeliano Eyal Dadon conduce una riflessione sul momento della vita in cui si perde l’innocenza dei bambini; con Rhapsody in Blue Iratxe Ansa e Igor Bacovich offrono una lettura innovativa della celebre rapsodia di Gershwin, proprio all’alba dei 100 anni dalla composizione; conclude Secus, il capolavoro eclettico di Ohad Naharin, una coreografia audace e stravagante fatta di corse, assoli, gesti tersi e duetti interrotti.

E’ consigliato l’acquisto di biglietti online. Sarà possibile prenotare telefonicamente, tramite e-mail e WhatsApp, da martedì 13 febbraio 2024.

CREDITI
YELED
Creazione per 16 danzatori della compagnia
Coreografia Eyal Dadon
Musica Eyal Dadon
Set e luci Fabiana Piccioli
Costumi Bregje Van Balen
Produzione Fondazione Nazionale della Danza / Aterballetto
Coproduzione Fondazione I Teatri di Reggio Emilia
Con il contributo dell’Ufficio Culturale dell’Ambasciata di Israele in Italia
Premiere 27 Aprile 2022, Reggio Emilia, Teatro Municipale Valli
Durata 30′
—
RHAPSODY IN BLUE
Creazione per 16 danzatori della compagnia
Coreografia Iratxe Ansa e Igor Bacovich
Musica George Gershwin, Rhapsody in Blue
Scene e costumi Fabio Cherstich
Luci Eric Soyer
Produzione Fondazione Nazionale della Danza / Aterballetto
In coproduzione con Fondazione Teatro Regio di Parma
Premiere 17 febbraio 2024, Teatro Regio di Parma
Durata 20′
—
SECUS
Riallestimento per 16 danzatori della compagnia
Coreografia Ohad Naharin
Musica Chari Chari, Kid 606 + Rayon (mix: Stefan Ferry), AGF, Chronomad (Wahed), Fennesz, Kaho Naa Pyar Hai, Seefeel, The Beach Boys
Sound design & editing Ohad Fishof
Costumi Rakefet Levy
Luci Avi Yona Bueno (Bambi)
Assistenti alla coreografia Rachael Osborne, Ian Robinson
Creazione per Batsheva Dance Company (all’interno di Three, 2005)
Produzione Fondazione Nazionale della Danza / Aterballetto
Coproduzione Festival Oriente Occidente (I), Les Halles de Schaerbeek (B), Malraux scène nationale Chambéry Savoie (F)
Premiere 6 Settembre 2019, Festival Oriente Occidente, Teatro Zandonai, Rovereto
Durata 30’

Info & Biglietti
BIGLIETTI
Intero: 10 euro
Ridotto under 30, scuole di danza, Liceo Coreutico Matilde di Canossa, over 65, soci CRAL Comune di Reggio Emilia: 6 euro
Ridotto under 8: 3 euro
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Il servizio di biglietteria in Fonderia è attivo dalle ore 19.30.
I biglietti non sono numerati.
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THE RED SHOES - NBDT/PHILIPPE KRATZ
2024-03-02 20:30 - 21:30 | Fonderia, via della Costituzione, 39, Reggio Emilia, 42124, Italy
Prova aperta ore 18.00 – Spettacolo ore 20.30
Danzatori e danzatrici del Nuovo Balletto di Toscana portano in scena The Red Shoes, firmato dal pluripremiato coreografo tedesco Philippe Kratz, dedicato all’omonima fiaba di Hans Christian Andersen.
Come nella fiaba della ragazza Karen e di un paio di strane scarpe rosse, Andersen sfida ripetutamente nelle sue opere la tradizionale giustapposizione tra soggetto e oggetto. La creazione di Kratz, con musiche appositamente composte da Pierfrancesco Perrone, affronta questo legame stranamente indissolubile, che non è determinato solo dall’utilità funzionale o dal vano desiderio di possesso, ma può comportare anche una perdita di autonomia. Le proiezioni legate ai desideri che dominano il nostro mondo delle merci e dei consumi vengono riprese anche dividendo in due lo spazio scenografico. In contrasto con la fiaba, che si conclude con la violenta liberazione della protagonista dalle scarpette rosse e con la sua redenzione, la coreografia di Kratz si concentra infine sulla messa in discussione del ruolo degli oggetti nelle relazioni interpersonali.
Non percepisco Karen come disobbediente o vanitosa; una prospettiva che è enfatizzata nella fiaba. Al giorno d’oggi siamo così abituati a consumare e spesso vediamo i prodotti come un mezzo per raggiungere un fine, per farci notare dagli altri, per relazionarci con gli altri e per enfatizzare la nostra individualità. Anche Karen cerca di entrare in contatto con gli altri e di trovare sicurezza attraverso le scarpe rosse. In questo fallisce miseramente. Eppure, ciò che cerca corrisponde a un desiderio che molti di noi probabilmente conosciamo: appartenere a un collettivo e tuttavia rimanere un individuo.
Philippe Kratz

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CREDITI
Coreografia e scenografia: Philippe Kratz (Reggio Emilia/Leverkusen)
Drammaturgia: Sarah Ströbele (Lipsia/Magdeburgo)
Musica: Pierfrancesco Perrone
Luci: Giulia Maria Carlotta Pastore (Light Designer)
Costumi: Grace Lyell (Parigi)
Prima Rappresentazione: 19 Ottobre 2023, Teatro Sociale Di Trento
Durata: 60 Minuti
Interpreti: Nuovo Balletto Di Toscana, 10 Danzatrici E Danzatori (Firenze)
GLI AUTORI
NUOVO BALLETTO DI TOSCANA

Il Nuovo Balletto Di Toscana è una struttura produttiva di rigoroso impianto professionale, nato nel 2018 con un organico formato da 10 danzatori. Il programma artistico della compagnia fiorentina, anche grazie a una équipe di collaboratori e autori di fama, a fianco di Cristina Bozzolini, richiama una costante e coerente linea culturale con l’affermazione del primato della coreografia contemporanea e una pluralità di linguaggi espressivi.

Da diversi anni vanta un rapporto consolidato con il Teatro del Maggio Musicale Fiorentino, con la rappresentazione di balletti a serata intera, come La Bella Addormentata di Diego Tortelli e Cenerentola firmata da Jiří Bubeníček, oltre alla partecipazione all’interno di alcune opere quali: Le Villi coreografia di Susanna Sastro, Fernando Cortez coreografia di Alessio Maria Romano e Die Fledermaus coreografia di Karl Schreiner.

Contemporaneamente la compagnia si è impegnata in una nuova creazione di Arianna Benedetti portando in scena lo spettacolo dal titolo Pulcinella, Uno di Noi vincitore nel 2019 del bando SIAE Per chi crea. Le collaborazioni del NBDT si estendono inoltre ad altri prestigiosi teatri italiani tra cui La Fenice di Venezia e il Teatro Regio di Parma e attualmente prosegue le tournée in Italia e all’estero con Cenerentola di Jiri Bubenicek, Bayadère – il regno delle ombre, di Michele Di Stefano (a cui è stato conferito il premio Danza&Danza come migliore produzione italiana del 2021), Quatuor pour la fin du temps di Mario Bermùdez Gil e Midnight Youth di Philippe Kratz.

PHILIPPE KRATZ
Vincitore del 32° Concorso Internazionale di Coreografia di Hannover e Coreografo dell’anno 2019 (Danza&Danza), Kratz è noto per il suo variegato linguaggio compositivo che combina la danza contemporanea con elementi tecnici provenienti dall’hip hop e dalla danza classica
europea. Recentemente ha presentato la sua coreografia ‘Solitude Sometimes‘al Teatro alla Scala di Milano, condividendo la serata con autori apprezzati nei teatri di tuttoil mondo quali Jiří Kylián, Nacho Duato, David Dawson, invitato dal direttore del corpo di ballo scaligero Manuel Legris.

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COL TEMPO - AMBRA SENATORE
2024-03-13 20:30 - 21:30 | Fonderia, via della Costituzione, 39, Reggio Emilia, 42124, Italy
Ambra Senatore ama sorprendere e portare lo spettatore con malizia e una punta di provocazione su percorsi, veri o falsi, con i quali gioca e si prende gioco dello spettatore stesso. Come sempre nelle sue coreografie, i personaggi si delineano, le situazioni e le storie si sviluppano. Le discrepanze inattese, l’assurdo e la distrazione dal reale sono gli ingredienti principali delle sue coreografie. Ambra Senatore vuole creare lo stupore, se ne va per scatenare una risata. Fine osservatrice del mondo umano, è sempre attenta, l’esser altro è la sua seconda natura e dà un significato preciso alla sua danza. Ecco perché spesso rompe il quarto muro diventando complice degli spettatori, giocando con loro e interpellandoli. Dieci anni dopo la sua prima coreografia di gruppo intitolata Passo, Ambra Senatore si dedica a una nuova creazione con la complicità degli interpreti di allora. Oggi riunisce infatti questo gruppo di ballerini, ormai ben rodati dopo dieci anni di lavoro insieme, per realizzare una danza generosa e aperta verso l’altro; un passo a quattro sull’essere un gruppo, interrogandosi sull’esistenza e desiderando la felicità.

CREDITI
Coreografia Ambra Senatore con la partecipazione degli/delle interpreti
Interpretazione Caterina Basso, Claudia Catarzi, Matteo Ceccarelli, Ambra Senatore
Musica Originale Jonathan SeilmanLuci Fausto BonviniDurata 1hProduzione CNN de Nantes
Coproduzione Théâtre de La Ville (Parigi), Torinodanza Festival/Teatro Stabile – Teatro Nazionale Torino
LA COREOGRAFIA
“Abbiamo iniziato le prove a fine gennaio 2020 e uno dei motivi di base era la riflessione sull’atto creativo nel contesto storico, politico e sociale: riflessione ispirata anche dagli interessanti incontri con scienziati e filosofi con punti di vista diversi sul mondo e sul presente, realizzati attraverso il progetto Conversation, dialogue ouvert avec la danse. Essendo una piccola comunità facente parte di una comunità ben più grande, ci siamo chiesti quali erano i nostri desideri e come realizzarli insieme. Alcuni di essi possono essere realizzati sul palcoscenico. E gli altri? Non trovando sempre le risposte, abbiamo nel frattempo giocato con le domande. Poco dopo l’inizio delle prove, il tempo si è fermato per tutti. Per lungo tempo, comprimendosi. Le settimane di prove sono state ridotte della metà. I desideri e le domande non avevano più niente a che fare con l’esperienza inattesa degli ultimi mesi. Nel momento in cui scrivo queste righe, lo spettacolo non esiste ancora. Esisterà grazie all’incontro con gli spettatori. Creare uno spettacolo è come viaggiare: ci si prepara, si fanno le prove ma ci sono sempre tante sorprese e imprevisti. Siamo all’inizio del viaggio e non so quale forma prenderà esattamente. Certo, la voglia di danzare e di sentirsi bene insieme è presente fin dall’inizio, con la speranza che sia possibile su larga scala.”Ambra Senatore
AMBRA SENATORE
AMBRA SENATORE

Ambra Senatore, coreografa e interprete, direttrice del Centre Chorégraphique National de Nantes. La danza di Ambra Senatore è vicina all’essere umano e ama uscire e incontrare persone e luoghi. La coreografa crea opere che parlano della collettività e creano legami tra le persone. Le relazioni sono al centro di tutta la sua ricerca. Nel suo lavoro la vita quotidiana è “osservata con la lente d’ingrandimento”, spostata e capovolta. Amante delle sorprese, dei tagli e delle ripetizioni che ricordano il cinema, Ambra Senatore ricompone la realtà alla maniera di un regista. In Italia si è formata con R. Castello e R. Giordano, con cui ha presto collaborato. Come interprete ha lavorato con J. C. Gallotta, G. Rossi, G. Lavaudant e A. Tagliarini. All’inizio degli anni Duemila crea pezzi in collaborazione mentre completa un dottorato in danza contemporanea. Nel 2004 ha iniziato a scrivere coreografie con assoli, che ha eseguito fino al 2009, e poi con pezzi di gruppo, affermando il suo stile ibrido che unisce danza, teatro e profonda umanità. Come direttrice del CCN di Nantes dal 2016, Ambra Senatore promuove uno stile di danza generoso e curioso (creazioni site-specific in parchi pubblici, mercati, scuole, musei, siti del patrimonio, stazioni ferroviarie, ecc.), che considera un mezzo per condividere e conoscere sé stessi e gli altri.

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ONDE - SIMONA BERTOZZI/NEXUS
2024-03-20 20:30 - 21:30 | Fonderia, via della Costituzione, 39, Reggio Emilia, 42124, Italy
Affidata all’impeto energetico e all’orizzonte visionario di giovani presenze e corporeità, Onde prende forma attraverso una pratica performativa, coreografica e musicale che si apre al presente di corpi protesi e fluttuanti tra estasi, guizzi animali e curvature verso l’evanescenza. Ritmo e sforzo si intrecciano con tentativi di evasione, di attesa e sottrazione. Non c’è tempo per definire i confini delle posture, gli equilibri sono istanti sottili e subito reclinati verso altre congiunzioni e desideri. Il dialogo tra volumi anatomici e sonori moltiplica le prospettive di incontro, confonde le coordinate temporali e, come il propagarsi di onde d’urto, sfuma i contorni delle azioni individuali, tra provenienza e proiezione.
Segnare, battere, balbettare, tendere, risegnare, farsi lievi ma anche irruenti, audaci come la falena che va verso la luce anche se può bruciarla. Di The Waves, il celebre play-poem di Virginia Woolf, Onde incorpora la corrente continua delle immagini e la necessità di rigenerarsi nel ritmo, tra momenti di essere e universalità dei moti percettivi.
Adamantina è la scrittura coreografica traboccante di inventiva; si espande e indietreggia, diviene “vortico e volteggio”, rimanda con fantasia al mondo animale senza mai soffermarsi in posa. E allora quegli anemoni, quelle falene, quei granchi che ci sembra di intravedere sono forse solo vibrazione, identità mutanti come le maree.
Maria Luisa Buzzi, Danza&Danza

CREDITI
Concept e coreografia Simona Bertozzi
Interpreti Arianna Brugiolo, Rafael Candela, Valentina Foschi
Musiche originali eseguite dal vivo Luca Perciballi
Disegno luci Rocio Espana Rodriguez
Costumi Vicini D’Istanti
Foto e video Luca Del Pia
Organizzazione Miriana Erario
Stampa e comunicazione Michele Pascarella
Durata 60’
Produzione Nexus, in coproduzione con Festival Danza Estate, Operaestate Festival Veneto/CSC.
Con il sostegno di MiC, Regione Emilia Romagna, Comune di Bologna.
In collaborazione con Dialoghi – Residenze delle Arti Performative a Villa Manin 2021. Residenza creative presso: CSC Centro per la scena contemporanea, ALMASTUDIOS Bologna, Artists in ResidenSì Bologna 2023.
SIMONA BERTOZZI
Coreografa, danzatrice e performer, Simona Bertozzi è laureata al Dipartimento delle Arti, della Musica e dello Spettacolo dell’Università di Bologna. Una delle pioniere delle rivoluzioni dell’arte coreutica novecentesca, Loïe Fuller, è stata l’oggetto della sua tesi di laurea. Da giovanissima, si è formata in ginnastica artistica e danza classica, per poi approfondire lo studio della danza contemporanea in Italia e in diversi Paesi, tra cui Francia, Spagna, Belgio e Inghilterra. Numerose le sue collaborazioni come interprete, tra gli altri con i coreografi Tomas Aragay (cia Societat Doctor Alonso-Spagna) e, dal 2005 al 2010, con Virgilio Sieni. Inizia l’attività di coreografa nel 2005, con un percorso di ricerca e produzione lavorando con danzatori e performer professionisti, ma anche con bambini, adolescenti e amatori, con richiedenti asilo e con giovani immigrati di seconda generazione. Simona Bertozzi pratica una danza in cui la coreografia costituisce un territorio di accadimenti, un sistema complesso abitato dal corpo, risultante di pratiche, pensieri e discipline che rendono la creazione una entità stratificata, in dialogo con il presente. Nel 2007 vince il concorso coreografico GD’A (Giovani Danzautori dell’Emilia Romagna) e nel 2008 fonda la Compagnia Simona Bertozzi | Associazione Culturale Nexus. Negli anni i progetti hanno ottenuto sostegni e ospitalità da parte di importanti circuiti regionali, italiani ed europei, mediante coproduzioni e residenze coreografiche con circuitazione nazionale e internazionale. Nel 2008 è la coreografa italiana selezionata per il festival Aerowaves, The Place Theatre (Londra) e nello stesso anno con il solo Terrestre prende parte al progetto internazionale Choreoroam, sostenuto da British Council/The Place, Dansateliers/Rotterdam e Bassano Opera Festival. Con il collettivo Gemelli Kessler (Simona Bertozzi, Marcello Briguglio, Celeste Taliani) vince Il Coreografo Elettronico 2009 come miglior produzione indipendente con il lavoro di video danza: Terrestre-movement in still life. Nel 2012 il collettivo si occupa della creazione di I was wondering, opera di video danza realizzata per il centenario della nascita di Michelangelo Antonioni. Negli anni si sono consolidate importanti collaborazioni con artisti e studiosi tra cui: Francesco Giomi direttore artistico di Tempo Reale, Enrico Pitozzi e Cristiana Natali docenti dell’Università di Bologna, Egle Sommacal musicista e chitarrista dei Massimo Volume, Angela Baraldi attrice e cantante e Tabea Martin coreografa e danzatrice con cui ha co-creato This is my last dance lavoro che ha avuto una importante circuitazione europea tra cui gli Swiss Dance Days.
INFO & BIGLIETTI
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Intero: 10 euro
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Il servizio di biglietteria in Fonderia è attivo dalle ore 19.30.
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DECISIONE CONSAPEVOLE - ROBERTO TEDESCO / Körper
2024-03-28 21:00 - 22:00 | Fonderia, via della Costituzione, 39, Reggio Emilia, 42124, Italy
Una mappa concettuale pensata per guidare le sessioni di improvvisazione.
Ecco cosa è stata finora Decisione Consapevole.
Ma se usassimo la mappa come se fosse un vero e proprio schema da seguire per creare un lavoro coreografico che vedrà quattro danzatori alle prese con le loro decisioni? Uno spazio vuoto a disposizione da riempire e svuotare attraverso la consapevolezza di ogni singolo interprete. Il rispetto del gusto gioca un ruolo fondamentale per far sì che il tutto risulti omogeneo e che le diverse personalità siano vestite da un unico abito.
L’abito veste gli interpreti di specifiche qualità e atteggiamenti, ritmi e modi minuziosamente studiati. L’abito pone limiti che comprendono però infinite libertà. L’abito è tutto ciò che esorta alla decisione. Forse allora è l’abito la stessa consapevolezza?
Isolamento, intimità, comunicazione, comunità sono le quattro parole chiave. Sebbene queste vadano a restringere il cerchio e a rendere la decisione dell’interprete meno variegata e più rispettosa, infinite sono ancora le possibilità che ogni singola parola suggerisce.
Le decisioni totalmente consapevoli dei danzatori sulla parola chiave da scegliere per proporre la propria azione nello spazio costituirà la costruzione della scena, decisioni che possono sì esistere singolarmente ma anche e soprattutto convivere con tutte le altre.

CREDITI
Coreografia: Roberto Tedesco
Interpreti: Mattias Amadori, Eleonora Dominici, Laila Luchetta Lovino, Francesco Misceo
Musiche: Eskmo, Brendan Angelides / Rival Consoles / The Gentleman Losers / Pan-American /
J.S. Bach / Raime / Senking
Sound designer: Giuseppe Villarosa
Disegno luci: Giacomo Ungari
Costumi: Francesca Messori
Durata: 50′
Produzione: Körper | Centro Nazionale di Produzione della Danza
Coproduzione: Centro Coreografico Nazionale Aterballetto
in collaborazione con ArtistiAssociati / ARTEFICI.ResidenzeCreativeFVG
Il progetto è stato realizzato con il contributo di ResiDance XL – luoghi e progetti di residenza per creazioni coreografiche azione della Rete Anticorpi XL – Network Giovane Danza D’autore coordinata da L’arboreto – Teatro Dimora di Mondaino

Progetto finalista di DNA appunti coreografici 2022
Progetto selezionato agli Open Studios della NID 2023
L'AUTORE
ROBERTO TEDESCO

Roberto Tedesco, nato nel 1992, ha iniziato a studiare danza all’età di undici anni.
Nel 2009 entra a far parte della Scuola del Balletto di Toscana, danzando subito per la compagnia giovanile Junior Bdt. Nel 2011 entra a far parte di Aterballetto dove rimane per dieci anni, lavorando con grandi coreografi della scena nazionale e internazionale, tra cui: Ohad Naharin, Jiri Kylian, Hofesh Shechter, William Forsythe, Johan Inger, ecc. Sempre come danzatore con Aterballetto, inizia a coreografare e partecipa due volte al Concorso Coreografico Internazionale di Hannover, vincendo il premio della critica. Partecipa due volte al Concorso Coreografico Internazionale di Hannover, vincendo il premio della critica. Per Aterballetto crea Cemento per il progetto In/Finito e Turn the tide per il progetto MicroDanze. Dal luglio 2021 inizia un percorso come coreografo freelance.
Viene selezionato per la Vetrina Giovane Danza D’Autore con il duetto Punch 24. Lo stesso duetto viene riallestito per sei danzatori della MMcontemporarydancecompany prendendo il nome di Round Trip.
In Germania, mette in scena il duetto Line-up al National Theater Mannheim, crea By the throat per il Ballett Vorpormmern e viene selezionato per il progetto Think Big alla Staatsoper Hannover dove crea Superorganismo. Accede a ResiDance XL- azione del Network Anticorpi, attraverso il quale inizia a lavorare al progetto Decisione consapevole. Con quest’ultimo, è tra i finalisti di DNA appunti coreografici 2022 e nel 2023 accede agli Open Studios della NID di Cagliari.

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MELTING POT 0116 - ROBERTO ZAPPALÀ / PRIMA ASSOLUTA
2024-04-12 21:00 | Fonderia, via della Costituzione, 39, Reggio Emilia, 42124, Italy
Melting Pot 0116 è un lavoro che, come suggerisce il titolo, riunisce in una composizione originale frammenti di diverse creazioni realizzate nel corso del tempo da Roberto Zappalà. In particolare sono incluse sequenze da 74bpm tratto da I am beautiful (2016), 24 préludes (2007) e Mediterraneo (2001) – tutte produzioni per la sua compagnia – I’m a good cook. Spaghetti anybody?, creazione realizzata nel 2004 per la compagnia svedese Norrdans, e sud-virus, commissionato dal Goteborg Ballet nel 2011. All’interno di questo intreccio di coreografie che hanno segnato il suo percorso creativo, il coreografo realizzerà una parte inedita, appositamente concepita per questa creazione.
L’idea principale è quella di emancipare il lavoro, mettendolo costantemente in discussione attraverso nuovi interventi coreografici pensati per i danzatori del momento: un melting pot sempre work in progress.
“Oltre ad elaborare delle parti nuove sono state recuperate e rielaborate alcune scene di vecchi lavori apportando una nuova e fresca gestualità, frutto di un rinnovato confronto fisico. Immagini visionarie, spazi interrotti, gesti poetici per percorrere un tracciato fatto di misura gestuale ma anche del suo contrario. Un sunto nato qualche anno fa ma che ad ogni ripresa viene prosciugato del passato e inondato di futuro” – Roberto Zappalà

CREDITI
Regia e coreografie Roberto Zappalà
Musiche Johann Sebastian Bach, Puccio Castrogiovanni, Frédéric Chopin, Lautari, Gustav Mahler, Salvo Farruggio, Giovanni Sollima
Coordinamento artistico Silvia Oteri e Fernando Roldan Ferrer
Interpreti Benedetta Agostinis, Giulia Berretta, Siria Cacco, Melania Caggegi, Andrea Rachele Bruno, Laura Finocchiaro, William Mazzei, Paola Tosto, Alessandra Verona
Set, luci e costumi Roberto Zappalà
Realizzazione costumi Majoca
Direzione tecnica Sammy Torrisi
Tour management Federica Cincotti
Direzione generale Maria Inguscio
Una coproduzione Scenario Pubblico|Compagnia Zappalà Danza-Centro di Rilevante Interesse per la Danza e Menhir/Le danzatrici en plein air –
In collaborazione con Asti Teatro Festival e Centro Coreografico Nazionale/ Aterballetto – con il sostegno di MiC Ministero della Cultura e Regione Siciliana Assessorato del Turismo, dello Sport e dello Spettacolo
PRIMA ASSOLUTA 12 aprile 2024 Centro Coreografico Nazionale/Aterballetto
BIOGRAFIE
COMPAGNIAZAPPALÀDANZA2
La compagniazappalàdanza2 è formata da danzatori scelti dal percorso MoDem PRO, già prezioso bacino da cui la compagnia stessa ha attinto negli anni per il suo organico.
Dal 2023 al via un nuovo capitolo per la CZD2. L’obiettivo principale sarà concentrarsi sulla conservazione del repertorio della Compagnia Zappalà Danza.
La riflessione che Roberto Zappalà porta avanti da un certo periodo troverà concretezza nell’apprendimento, nello sviluppo, e infine nella messa in scena delle grandi, medie e piccole produzioni storiche del repertorio del coreografo.
L’importanza del repertorio nel contesto della danza a livello nazionale e internazionale è un tema a cui Zappalà dedica la sua attenzione da molti anni. Questa dedizione non riguarda solo la conservazione delle sue opere, ma è rivolta a tutta la coreografia contemporanea, che nel tempo si è dimostrata uno strumento di ricerca e autentica rappresentazione del pensiero di ogni singolo coreografo.
Negli ultimi anni, la CZD2 ha dimostrato una notevole maturità ed è stata costantemente arricchita dalla presenza di danzatori delle nuove generazioni, in possesso di ottime qualità tecniche oltre che di sensibilità creativa, con una spiccata predisposizione al linguaggio MoDem, linguaggio che rappresenta l’essenza della poetica di Roberto Zappalà. E sono proprio queste qualità che oggi portano la CZD2 a assumersi l’importante compito di conservare e mantenere vivo il repertorio del coreografo.
Roberto Zappalà
Roberto Zappalà é direttore artistico e coreografo della Compagnia Zappalà Danza, che ha fondato nel 1990 a Catania. Realizza solo per la propria compagnia oltre 80 creazioni prevalentemente a serata intera, Le sue creazioni “A.semu tutti devoti tutti?” (2009, ripresa nel 2019) e “La Nona-dal caos, il corpo” (2015) hanno ricevuto il Premio Danza&Danza Produzione Italiana dell’Anno.
Progettualità articolate hanno accompagnato il percorso creativo del coreografo catanese, da ‘re-mapping-sicily’, inedita rilettura della Sicilia per mezzo del suo personale linguaggio, a ‘Transiti Humanitatis’ con cui continua a raccontare l’umanità tramite i gesti e il corpo, la loro storia, la loro trasformazione nel tempo e nello spazio, o al contrario la loro permanenza immutabile.
Diverse le collaborazioni con altre compagnie, tra queste Balletto di Toscana, la Scuola di Ballo del Teatro alla Scala di Milano, Norrdans (S), ArtEZ Arnhem (NL), la Fondazione Theaterwerkplaats Generale Oost (NL), Goteborg Ballet/Opera di Goteborg (S). Nel 2011 realizza le coreografie della cerimonia di apertura dei Mondiali di Scherma. Nel 2016 cura il progetto Insieme – Parata Urbana per Torinodanza e il Défilée della Biennale di Lione.
Ha collaborato con registi d’opera quali Federico Tiezzi, Daniele Abbado e Giorgio Barberio Corsetti e con artisti del panorama internazionale tra questi Giovanni Sollima, Paolo Fresu, Fabio Vacchi, Puccio Castrogiovanni, Vincenzo Pirrotta, Luca Ballerini, Alfio Antico, Gianluigi Trovesi, Nello Toscano e altri.
Con Christian Graupner (Humatic, Berlino) ha realizzato l’installazione interattiva “MindBox”, secondo premio al Guthman Musical Instrument Competition (Atlanta/USA 2011). La Malcor D’ ha pubblicato il suo libro Omnia Corpora sulla metodologia del suo lavoro.
Roberto Zappalà è responsabile del recupero e ideazione di Scenario Pubblico a Catania, inaugurato nel 2002, residenza della Compagnia Zappalà Danza e raro esempio in Italia di centro coreografico. Nel 2015 Scenario Pubblico|Compagnia Zappalà Danza é riconosciuto Centro Nazionale di Produzione della Danza dal MiC e nel 2022 ottiene l’upgrade in C.R.I.D. (Centro di rilevante interesse nazionale per la danza).
Il suo stile coreografico, dopo anni di ricerca del movimento insieme ai suoi danzatori, è divenuto un linguaggio con una sua ben definita e singolare identità denominato MoDem Movimento Democratico. Ogni anno Roberto Zappalà seleziona un gruppo di danzatori dal percorso MoDem Pro che confluiscono nella CZD2 compagniazappalàdanza2.
Roberto Zappalà é artista associato al festival MilanOltre per il triennio 2022 – 2024. Tra i numerosi premi ricevuti, il Premio dell’Associazione Nazionale Critici di Teatro (2013) e il Premio Hystrio ‘corpo a corpo’ (2022).
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Made in Italy 31.0
2024-04-18 21:00 - 22:00, 2024-04-19 21:00 - 22:00 | Fonderia, via della Costituzione, 39, Reggio Emilia, 42124, Italy
Doppia replica:
giovedì 18 aprile – ore 21.00
venerdì 19 aprile – ore 21.00
Protagonisti della serata sono i danzatori di Agora Coaching Project, un progetto di alta formazione promosso e sostenuto dalla MM Contemporary Dance Company e dall’A.S.D Progetto Danza di Reggio Emilia con la direzione artistica di Michele Merola ed Enrico Morelli. Iniziato nel 2010, il corso sta ottenendo pieno riconoscimento nel mondo della danza europea e vanta collaborazioni con insegnanti e coreografi di fama internazionale.
ALLEGRO di Maša Kolar

Allegro è una coreografia incentrata sul personaggio di Leonard Bernstein, presentato attraverso l’ambiente in cui si è espresso meglio, ossia la musica in tutte le sue forme. Ecco perché è stata scelta una delle sue interpretazioni più significative, ovvero la direzione orchestrale delle nove sinfonie di Beethoven. Oltre alla musica, la coreografia si concentra sulla performance dal vivo di Bernstein e osserva il suo gesto di direttore d’orchestra: dato che la specificità di questo gesto è individuale e autentica per ogni direttore, il carattere allegro e gioioso di Bernstein viene alla ribalta ed è segnato in musica proprio dal termine Allegro.
Questi due concetti chiave, tempo ‘allegro’ e gesto del direttore, sono diventati la spina dorsale di questo lavoro: si è arrivati a cinque unità separate ma unite da questi concetti. I gesti del direttore spaziano da quelli molto astratti trasferiti a tutto il corpo, a gesti molto concreti, come l’utilizzo della bacchetta da direttore d’orchestra con cui i ballerini comunicano e/o manipolano altre persone.
La forma stessa della scena attraverso la scenografia (sedie bianche) e costumi (in uniforme nera) suggerisce un’orchestra. E’ questa forma che ha permesso di strutturare cinque scene diverse mantenendo un senso di unità e integrità. Con la loro danza, i gesti, le manipolazioni reciproche e il gioco delle sedie, i ballerini si dissolvono e ricostruiscono ogni singola scena, stabilendo un’idea sempre diversa della gerarchia dell’orchestra.
L’esperienza lavorativa che i giovani danzatori raccolgono all’interno del progetto di danza Agora Coaching Project, nell’incontro con i diversi linguaggi coreografici di autori che hanno costruito questi stessi o simili coreografie con professionisti, è molto intensa, emozionante, e anche molto preziosa. Questo è il momento in cui questi giovani talenti della danza, ancora sotto la protezione del progetto Agora, appaiono davanti al loro futuro pubblico, danzando coreografie con un’estetica sempre nuova di un coreografo a loro sconosciuto. Le dinamiche create nell’affrontare l’incertezza artistica di questo progetto sono un importante strumento educativo. Per me è stato un grande piacere far parte di questo significativo momento di trasformazione dei giovani ballerini. – Maša Kolar

LAST MOVEMENT OF HOPE – I CHAPTER di Adriano Bolognino
«In questo momento storico che ci accomuna tutti, fatto di paura, instabilità e ignoto, ci sembra ormai che le nostre vite non possano percorrere le vie che avevamo immaginato. Ogni mattone delle nostre costruzioni sembra sgretolarsi ad ogni nuova scossa. Guerre, fenomeni ambientali, il nostro mondo ci sta crollando addosso e siamo sempre più inermi ad attendere, perchè non abbiamo spesso la possibilità di avere potere, o posizioni che ci permettano di reagire o di decidere. Siamo tutti nella stessa condizione, ma non è vero forse che tutti abbiamo le stesse possibilità di azione, che sia di pensiero o fisica. Non agiamo o scappiamo.
Scappare da tutto questo male, anche se ci costa tanto, sembrerebbe la via più serena; e ci affanniamo tremendamente per continuare a ricercare quel barlume di speranza che possa farci credere ancora in questa vita. Sperando per un nuovo luogo forse, fatto di sicurezza e amore. Siamo un esercito del niente, che si ritrova a combattere contro mostri imbattibili, schiacciati da forze che non possiamo fronteggiare, distrutti dalle nostre stesse guerre. E come impavidi cavalieri, spinti da grandi sogni, ci imbattiamo in questo tortuoso cammino, inconsapevoli, o magari costretti a lottare per ideali che non sono i nostri. Come una madre che porta in grembo la sua preziosa creatura, aggiungere e non distruggere quei mattoni che con tanta pazienza ognuno di noi sta pian piano posizionando nel proprio cammino.
Mi piacerebbe creare una danza che possa essere colonna sonora di quanto stiamo vivendo attraverso rapporti intersecati con se stessi e gli altri; vissuti tutti nello stesso spazio, luogo del passato, del presente, e di un diverso futuro. Le stesse paure, le stesse difficoltà, lo stesso ultimo movimento di speranza. Un’avventura, un viaggio nella debolezza, inutilità forse, dell’essere umano, che porta però con se sempre la gran forza di chi si rialza quando tutto sembra non donare più nulla se non demolizione. Un momento di riflessione anche rispetto al nostro rapporto con il pianeta che ci ospita, e che forse non siamo più in grado di accudire e gestire. Un dialogo con la natura, non solo illuminante di quanto siamo piccoli in confronto ad essa, ma di quanto siamo stati e siamo tuttora ingrati nell’ammazzare vita nella sua totalità. Quasi come a capovolgere il famoso Dialogo della natura e di un islandese di Giacomo Leopardi. Riportarlo nella nostra realtà, in cui siamo noi stessi a farci del male, colpendo la natura tutta, a cui senza senno diamo ancora colpe. Un ultimo movimento, che sia di ritrovata energia e consapevolezza. Correndo insieme verso un futuro meno ombroso.» – Adriano Bolognino
Voglio, avrò — se non qui,
in altro luogo che ancora non so.
Niente ho perduto. Tutto sarò.
Fernando Pessoa
INTERPRETI
18 aprile
Giulia Lusetti, Corrado Azzollini, Federico Musumeci, Filippo Penco, Gennaro Todisco, Laura Dell’Agnese, Lucrezia Maggiore, Martina Procacci, Maya Maselli, Nicole Forni, Susanna Russing, Elisa Bocconi, Gabriele Scarcia, Gaia Zorilla, Giada Piccinini, Jasmine Begici, Sara Ferrentino, Giorgia Raffetto, Carlotta Maucioni
19 aprile
Aurora Lattanzi, Jacopo Bellani, Alessia Russo, Anna Dal Maso, Chiara Barrile, Diletta Suman, Giovanni Karol Borriello, Gioele Marcante, Giulia Boccarossa , Laura Miotti, Lucrezia Capuzzelli, Luna Lefebvre, Martina Pagliari, Salvatore Bruno, Vittoria Facci
AGORA COACHING PROJECT
Agora Coaching Project è un progetto annuale di perfezionamento nella danza rivolto a danzatori di età compresa fra i 18 e i 22 anni, che ha sede a Reggio Emilia. Nato nel 2010, è diretto da Michele Merola ed Enrico Morelli, ed è promosso e sostenuto dalla MM Contemporary Dance Company e dal Centro Permanente Danza di Reggio Emilia. Si prefigge di formare artisti pronti ad affrontare in maniera flessibile la varietà del mercato internazionale della danza, artisti capaci di rispondere alle richieste di diversa natura, tecnico/stilistica, che provengono da questo stesso mercato. Il progetto vuole offrire un ampio ventaglio di stimoli, di carattere tecnico, culturale e di scambio tra allievi e coreografi, ciascuno dei quali proviene da realtà diverse e interessanti del panorama internazionale. Agora ai ragazzi di incontrare affermati coreografi di orientamento stilistico diverso e ha visto in questi anni la presenza di tanti nomi illustri: con Michele Merola ed Enrico Morelli collaborano alla realizzazione del progetto diversi docenti, dotati, ciascuno, di provata e qualificata esperienza nel settore.
MAŠA KOLAR
MAŠA KOLAR
È nata a Zagabria. La sua formazione di danza è iniziata in Croazia e proseguita in Belgio. Ha conseguito il BA in Danza Contemporanea alla Università delle arti di Zurigo e un Master in Studi di Cultura. La sua carriera di ballerina professionista è iniziata nel 1986 al Comedy Theatre di Zagabria, e proseguita nel 1992 al Semperoper Ballet Dresden, dove nel 1995 ha ottenuto lo status di solista. Nel 1998 entra a far parte del Thoss TanzKompanie di Kiel e successivamente di Hannover, concludendo con Aterballetto a Reggio Emilia. Successivamente, ha iniziato a coreografare per il Balletto del Teatro Nazionale di Belgrado, la Compagnia di Danza Bitef, il Balletto Nazionale della Gioventù di Amburgo, per tutte e tre le compagnie di balletto nazionali croate (Zagabria, Spalato e Fiume). Nella stagione 2017/18 è stata nominata direttore artistico della Compagnia di Balletto di Fiume, e attualmente lavora come coreografa e produttrice nella sua settima stagione.
ADRIANO BOLOGNINO
ADRIANO BOLOGNINO
Nasce a Napoli nel 1995. Vince il premio Danza&Danza 2022 come Coreografo Emergente. Per la stagione 2023/24 gli sono commissionati nuovi lavori per la Compagnia del Teatro dell’Opera di Roma e per la compagnia maltese nazionale ZfinMalta. Crea la coreografia “Come Neve” selezionata per Danza Urbana XL 2023; crea per le étoiles Eleonora Abbagnato e Jacopo Tissi durante la MFW23. Nel 2022 crea “White Room” per la Compagnia Opus Ballet. È stato selezionato per “Prove d’autore – Anticorpi XL e crea “SKRIK” per la MM Contemporary Dance Company. Il lavoro “Rua da Saudade”, selezionato per la NID Platform 2021 e CallforCreation/Orsolina28, debutta a TorinoDanza Festival. È selezionato da ADH19, dove crea “Gli Amanti”, piece selezionata per Aerowaves 21. Nel 2020 la Biennale di Venezia gli commissiona un nuovo lavoro per il festival. Vince nel 2019 il Premio Prospettiva Danza Padova. Le sue creazioni vanno in scena in contesti nazionali ed internazionali tra cui Cross Festival, Kilowatt Festival, Interplay Festival, BMotion Opera Estate, Fabbrica Europa, Gender Bender Festival, DAP Festival, Danza Estate Bergamo, Festival Exister, Moving Colors Festival, Ammutinamenti Festival, Artissima Festival, Festival Aperto etc.

INFO E BIGLIETTI
BIGLIETTI
Intero: 10 euro
Ridotto under 30, scuole di danza, Liceo Coreutico Matilde di Canossa, over 65, soci CRAL Comune di Reggio Emilia: 6 euro
Ridotto under 8: 3 euro
ACQUISTO BIGLIETTI
I biglietti possono essere acquistati online su www.biglietteriafonderia39.it
La biglietteria apre un’ora prima dell’inizio dello spettacolo
I biglietti non sono numerati
CONTATTI
Cell e whatsapp 3341023554
Email biglietteria@aterballetto.it

HO CUORE
2024-04-24 20:00 - 22:30 | Fonderia, via della Costituzione, 39, Reggio Emilia, 42124, Italy
Due repliche: ore 20.00 e ore 21.30
La parola Coraggio deriva dal latino cor habeo, che vuol dire avere cuore.
Un frammento di vita.
Un frammento di vita insieme.
Un frammento prima di uscire e affrontare con coraggio insieme quello che sarà di loro e fra loro vivere quel momento importante fatto di insicurezze, separazioni, avvicinamenti e respiri all’unisono ripercorrono una piccola parte del loro trascorso che li ha portati ad avere coraggio per quella scelta decisa e elaborata assieme.
Lo spettatore sarà immerso all’interno del frammento vissuto.
Solo pochi alla volta potranno vivere e respirare insieme agli interpreti il loro frammento.
CREDITI
Di Laura Matano
Danzano Melissa Bortolotti, Danilo Smedile
Musiche A.V.
Disegno Luci Gessica Germini
Co- Prodotto da Compagnia Simona Bucci
Durata 40 minuti
XL COMPANY
XL Company é una compagnia di danza contemporanea con sede a Reggio Emilia, sotto la direzione artistica di Laura Matano ed Emanuela Baratin. Ha lo scopo di creare progetti dove il movimento, il corpo, il gesto diventino materia e superficie per l’espressione individuale e collettiva, strumenti di sperimentazione coreografica; collaborare con diversi coreografi e realtà internazionali. Alcuni recenti lavori: Frau – Taulant Shehu (Germania); Luce – Natalia Iwaniec (Polonia/UK); Hurricane – Damian Munoz (Spagna); Now – Laura Matano; Prima di domani – Laura Matano; If – Simona Bucci. La compagnia partecipa a numerosi eventi culturali, proponendo anche progetti di danza e visual-art, video-danza e performance site-specific, ponendo come focus l’importanza della relazione e l’anticonformismo.

INFO E BIGLIETTI
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Intero: 10 euro
Ridotto under 30, scuole di danza, Liceo Coreutico Matilde di Canossa, over 65, soci CRAL Comune di Reggio Emilia: 6 euro
Ridotto under 8: 3 euro
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FORM 0
2024-05-09 21:00 - 22:00 | Fonderia, via della Costituzione, 39, Reggio Emilia, 42124, Italy
Le cose visibili possono essere invisibili. Se qualcuno va a cavallo in un bosco, prima lo si vede, poi no, ma si sa che c’è. Nella Firma in bianco, la cavallerizza nasconde gli alberi e gli alberi la nascondono a loro volta. Tuttavia il nostro pensiero comprende tutti e due, il visibile e l’invisibile. E io utilizzo la pittura per rendere visibile il pensiero.
R.Magritte
Il perfetto equilibrio delle forme può essere appagante… ma anche inquietante.
Prendendo le mosse dal fascino per la simmetria intesa come strumento compositivo per
trasmettere armonia, e dai molteplici significati simbolici dello specchio nelle arti, in FORM 0, il suo primo duo femminile, Riccardo Buscarini esplora la simmetria come luogo
di disarmonia e conflitto.
Come può un dialogo essere possibile se vediamo noi stessi mentre guardiamo l’altro?
Che cosa avviene se la somiglianza ci porta a fonderci l’uno nell’altro e a perdere la nostra identità?
Da uno specchio distorto si materializza un’immagine mostruosa.
A seguire FORM 0 – Guardare la simmetria
Incontro con il pubblico moderato dalla artista e ricercatrice Eleonora Marzani, che introdurrà i temi della simmetria e dello specchio alla base del processo creativo di questo lavoro.

CREDITI
concept / coreografia Riccardo Buscarini
danza Annalisa Perricone, Giulia Quacqueri
musiche originali di Alessandro Baldessari assistito da Luca Felici, “Nostalgia for Nothing” (A.Baldessari) e Sonata per pianoforte n. 3, Op. 2 n. 3, in do maggiore (L. Van Beethoven)
costumi Mara Leonora Pieri
luci Alessandro Gelmini
produzione De Arte Saltandi
Progetto vincitore del Premio Theodor Rawyler 2023/Festival TenDance, Latina. Con il sostegno di Citofonare PimOff 2024, Milano, Centro Coreografico Nazionale/Aterballetto e ResExtensa Porta d’Oriente – Centro Nazionale di Produzione della Danza e AREA Mediterranea – AnT Artisti nei Territori.
Si ringraziano Eleonora Marzani, Giada Mazzocco, Roberta Ferrara e Vincenzo Losito, MM Contemporary Dance Company, Marta Castelletta, Viola Rango, Bagart Company Novara e tutte le Persone che hanno attraversato e che incontreranno questo progetto.
RICCARDO BUSCARINI
Coreografo vincitore di numerosi riconoscimenti in Italia e all’estero, Riccardo Buscarini si diploma alla London Contemporary Dance School nel 2009. Vince il Premio Prospettiva Danza 2011, Fondo Fare Anticorpi 2012, The Place Prize 2013 con Athletes, partecipa ai progetti internazionali danceWEB (Impulstanz, Vienna), ArtsCross London 2013 (UK, Taiwan e Cina), Performing Gender (Italia, Croazia, Spagna, Paesi Bassi), MAM-Maroc Artist Meeting a Marrakech, NID Platform 2014 e 2022 e collabora con Summerhall (Edimburgo), London Festival of Architecture 2016 e 2019, Nahmad Projects (Londra) e UNA Galleria a Spazio Leonardo, Milano. Silk, la sua creazione per il Chelyabinsk Contemporary Dance Theater (Russia), è stata nominata a due Golden Mask 2018 al Teatro Bolshoi di Mosca per poi essere riallestita su ŻfinMalta, la Compagnia Nazionale di Danza di Malta. Nel 2019 ha due commissioni, una su Equilibrio Dinamico Dance Company, l’altra per il Chelyabinsk Contemporary Dance Theater. Nel 2020 crea per EDGE (The Place, Londra), per il 45o Cantiere Internazionale d’Arte di Montepulciano e nel 2022 per ŻfinMalta (Requiem for Juliet, tratto da W. Shakespeare). Nel 2023 fonda De Arte Saltandi, associazione culturale di cui è presidente, ispirata a Domenichino da Piacenza e dedicata ad eventi multidisciplinari di danza e coreografia.

INFO E BIGLIETTI
BIGLIETTI
Intero: 10 euro
Ridotto under 30, scuole di danza, Liceo Coreutico Matilde di Canossa, over 65, soci CRAL Comune di Reggio Emilia: 6 euro
Ridotto under 8: 3 euro
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I biglietti possono essere acquistati online su www.biglietteriafonderia39.it
La biglietteria apre un’ora prima dell’inizio dello spettacolo
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A LOT OF / SEHNSUCHT
2024-05-15 21:00 - 22:00 | Fonderia, via della Costituzione, 39, Reggio Emilia, 42124, Italy
A LOT OF
In costante ricerca. Il bisogno dell’altro. Avidità di contatto, profumi e sapori. Liberati del freno inibitorio del pudore e delle convenzioni sociali cosa potrebbe accadere? Siamo tutti animali? Quanto possiamo desiderare chi ci circonda? Quanto e quanti possiamo amare? Due corpi, poi uno e poi improvvisamente tre. Imprevisti e probabilità. Ritmi e rituali che percuotono, s’intrecciano e distorcono. La grazia innaturale di Nijinski. L’istinto predatorio appartiene al DNA dell’essere umano. Marcare il territorio diventa un gioco, immaginare diventa un’esigenza. Quanto spazio abbiamo nel nostro corpo, nella nostra mente e nel nostro animo? Quanto possiamo ospitare dentro di noi? Fame.
SCOPRI DI PIù
Il numero 3 e la costante dell’opera: 3 performer in scena, 3 autori differenti, 3 composizioni musicali, 3 personaggi storici, 3 parti.
La prima delle tre parti e un duetto ispirato a L’Apre s-midi d’un Faune, coreografato da Nizinksij nel 1912. L’autore nell’opera originale affronta il tema della pulsione sessuale non controllabile da cui scaturisce un enorme senso di colpa. Nei suoi Diari, scritti sette anni dopo il balletto, si evince che il coreografo si e ispirato alla sua stessa vita con Djagilev di cui era amante. Da qui ne deriva il suo contrasto interiore dovuto da un lato alla censura morale per gli anni che correvano e dall’altro alla fortissima attrazione per le prostitute di cui si serviva.
La seconda parte e un solo costruito sulla costante e ripetuta ricerca di virilita ed erotismo insita gia inconsapevolmente nella memoria popolare. Un tuffo all’interno del sacrificio, un rito volto a un piacere piu alto. Movimenti carnali che si scontrano con la piu sensuale delle delicatezze. Un corpo che osserva e scruta. Un corpo che grida e assapora. Un corpo che si adagia su melodie conosciute affondandosi a memorie ancestrali.
La terza parte racconta una storia d’amore antica per origine, contemporanea di definizione. In scena due corpi che si amano fino a che un terzo prende il posto di uno dei due, una nuova coppia si forma ma per poco, diventeranno un trio; il triangolo composto dal leggendario Vaslav Nijinksij, dalla contessa Romola de Pulszky e dall’impresario Sergej Pavlovic Djagilev prende forma sulla scena attraverso tenerezza, passione, voyeurismo, divertimento, rabbia e solitudine. La forza di Romola, la volontà di Nijinksij, la furia di Djagilev si intrecciano in forme, traiettorie, schemi, esplosioni. Tre persone che si amano. Anche questo e amore? Cosa muove le lore anime e i loro corpi?
La musica parte dalla rielaborazione di due opere immortali: L’Apre s-midi d’un Faune di Debussy e Le Sacre du Printemps di Stravinskij. I temi vengono rielaborati e decostruiti con un approccio elettro acustico, il materiale armonico reiterato in maniera quasi catartica al fine di sottolineare le sfumature erotiche e folli della poetica tormentata di Nijinski. La ripetizione musicale e parte fondamentale del processo, matrice di un sentimento primitivo raffinatosi in Uomo moderno, vittima dell’amore e delle sue conseguenze.

SEHNSUCHT

Sehnsucht è una parola chiave dello spirito romantico tedesco, che incarna un concetto tipico della cultura romantica, reso in italiano come “dipendenza dal desiderio”. Heidegger, invece, ne individua un diverso significato, poiché Sucht è da intendere nel suo significato originario come “dolore”: “La nostalgia è il dolore della vicinanza del lontano”.
Sehnsucht significa desiderare di raggiungere il limite che lo divide dal prossimo, di scovarlo, di mostrarlo, di toccarlo. Corpi soli ma dipendenti che indagano, in uno spazio comune, i propri limiti in relazione al corpo, allo spazio, al tempo e all’altro. I danzatori entrano all’interno di un sistema di movimento in cui ogni elemento delinea le coordinate di partiture coreografiche caratterizzate da direzioni insolite, accelerazioni, sospensioni, cadute, equilibri e interruzioni di dinamica.
SCOPRI DI PIù
La musica, composta appositamente per la performance da Filippo Ripamonti, ha il ruolo di definire lo spazio creato dai danzatori, anche attraverso l’utilizzo di riverberi e tracciamento delle fonti. La musica si espande fino a rompere questi confini con una musica antropomorfa, non più legata alla distanza tra le molecole ma alla distanza tra le persone.
La creazione cerca di andare oltre il contenitore coreografico stesso, in una composizione istantanea, diversa ad ogni ripetizione. I danzatori entrano in una partitura di coordinate spaziali e temporali, con un vocabolario di movimento a cui attingere di volta in volta per scrivere una nuova relazione, una nuova coreografia, alla ricerca del contatto con l’altro, della riconciliazione, dell’unione.
Il flusso coreografico in cui si immergono gli interpreti si evolve e lentamente svela le relazioni interne, in una messa in discussione del limite, che li costringe all’attenzione costante verso il gruppo, al cambiamento, alla reazione istantanea.
In questo sistema i corpi si cercano, si trovano ed esplorano di nuovo il contatto, un nuovo modo di vivere la relazione in cui il pubblico si riconosce, vivendo con speranza e bramosia l’atto performativo.

CREDITI
A LOT OF
di Nicolò Abbattista e Christian Consalvo
musiche di Filippo Ripamonti
con Giovanni Careccia, Enrico Luly e Gioele Cosentino
costumi di Leonardo Rossi
coproduzione FLIC – Festival Lanciano in Contemporanea
DURATA 40′
—
SEHNSUCHT
uno spettacolo di Nicolò Abbattista e Christian Consalvo
musiche di Filippo Ripamonti
con Chiara Borghini, Giovanni Careccia, Gioele Cosentino, Arianna Cunsolo, Francesca Lastella, Enrico Luly, Nicoletta Bellazzi e Alessandro Bonacina
con il sostegno di Time To Move , Teatrino dei Fondi, Consorzio Coreografi Danza d’Autore Con.Cor.D.A, Residenze Artistiche Toscane
DURATA 30′
La compagnia Lost Movement è oggi supportata da Sanpapié, Organismo di produzione della danza sostenuto dal MiC
COMPAGNIA LOST MOVEMENT
La Compagnia Lost Movement nasce nel 2011 da un’idea di Nicolò Abbattista, in collaborazione con Christian Consalvo. Diciotto sono ad oggi le creazioni della compagnia. Le produzioni più recenti vedono il sostegno di importanti enti nazionali: Fattoria Vittadini e Fondazione Milano, Oriente Occidente di Rovereto, OPLAS/Centro Regionale Danza Umbria, Teatrino dei Fondi (Consorzio Coreografico CONCORDA) e Residenze Artistiche Toscane.
Per la distribuzione internazionale, la compagnia è sostenuta da Klub Żak e Gdansk Dance Festival (Polonia), Platform 14 (Germania) e Dance Horizons, un organismo di distribuzione con sede a Edimburgo, Scozia.
La compagnia ha vinto numerosi premi e riconoscimenti, tra cui Danz’è Off 2015 (finalista per Premio Prospettiva Danza e Teatro 2017 di Arteven), selezionata per IDACO festival (New York), Solo Dance Contest (Polonia), vincitrice di Abelianodanza Contest 2018, Time To Move 2019, Nessuno Resti Fuori festival di teatro, città e persone, e Festival Presente Futuro 2022 (Movin’Up 2021-2022, progetto di sostegno alla mobilità artistica e all’internazionalizzazione).
Dal 2023 Lost Movement è una compagnia sostenuta da Associazione Culturale Sanpapié, un organismo di produzione della danza riconosciuto dal Ministero della Cultura.

INFO E BIGLIETTI
BIGLIETTI
Intero: 10 euro
Ridotto under 30, scuole di danza, Liceo Coreutico Matilde di Canossa, over 65, soci CRAL Comune di Reggio Emilia: 6 euro
Ridotto under 8: 3 euro
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I biglietti si potranno acquistare solo la sera stessa dello spettacolo presso la biglietteria della Fonderia.
La biglietteria apre un’ora prima dell’inizio dello spettacolo.
I biglietti non sono numerati.
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MOODBOARD
2024-05-21 21:00 - 22:00 | Fonderia, via della Costituzione, 39, Reggio Emilia, 42124, Italy
Esplorare l’anima umana attraverso la danza: Moodboard è una serata composta da quattro coreografie di giovani autori, firmata Nutida Festival e Stazione Utopia. Molto più di una semplice serie di spettacoli di danza, Moodboard è un viaggio emozionante e coinvolgente che esplora l’animo umano attraverso la bellezza del movimento. Ogni pezzo porta con sé una storia unica, un messaggio profondo e una visione personale del mondo. Dalla vita e fragilità di Marilyn Monroe, alla complessità delle relazioni umane, dalla dualità delle scelte di vita, alle fasi misteriose della luna: ogni performance offre uno sguardo intimo e potente sulla nostra esistenza.
MM è una potente esplorazione della vita e della fragilità di Marilyn Monroe attraverso la danza, accompagnata dalla coreografia di Giovanni Insaudo. Lunatica racconta di un viaggio onirico attraverso le fasi della luna, interpretato da Matilde Di Ciolo e Veronica Galdo. La coreografia di Roberto Doveri cattura l’enigma delle stelle e trasforma il movimento in poesia. IN(10)SIONE è un’esplorazione della dualità umana e delle scelte che definiscono il nostro cammino nella vita. Attraverso la coreografia di Isabella Giustina e l’interpretazione di Beatrice Ciattini, lo spettacolo invita a riflettere sulle proprie certezze. A chiudere la serata, LANDSCAPE: basato sul lavoro di Harold Pinter – Paesaggio – esplora la complessità delle relazioni umane attraverso due monologhi simultanei. La coreografia di Alice Catapano offre uno sguardo profondo sulle modalità di interazione nella coppia, fraintendimenti e cortocircuiti comunicativi.
In continuità con la filosofia del Festival Nutida di Scandicci, al pubblico sarà offerto un aperitivo in Fonderia, a partire dalle ore 20.00.
CREDITI
Direzione Artistica Nutida Festival Cristina Bozzolini e Saverio Cona
Interpreti Mooniba Ensemble
Produzione Nutida Festival/Stazione Utopia

MM
Coreografia Giovanni Insaudo
Danzatrice Veronica Galdo con la partecipazione di Niccolò Poggini Musica Nick Cave & Warren Ellis
Durata 12 minuti
—
LUNATICA
Coreografia Roberto Doveri
Danzatrici Matilde Di Ciolo e Veronica Galdo
Musiche di Tale of Us
Coproduzione Nutida Festival, NBDT
Durata 7 minuti
Vincitore di “Produktionspreis Theater Pforzheim” e “Scapino Produktionspreis” per la competizione “34 International choreographic competition Hannover 2020”
—
IN(10)SIONE
Coreografia Isabella Giustina
Danzatrice Beatrice Ciattini
Musiche Raime, Svarte Greiner

Durata 17 minuti
—
LANDSCAPE
Coreografia Alice Catapano
Danzatori Alice Catapano, Matteo Capetola
Musiche Soaking – The Starwheel – Undercurrent / Watershed
Coproduzione Nutida Festival, NBDT
Durata 18 minuti
STAZIONE UTOPIA
Stazione Utopia è una cooperativa – impresa sociale per la cultura, lo spettacolo e il sociale.
Fondata nel 2010, svolge attività per conto di istituzioni pubbliche e private fra cui teatri, musei, fondazioni, festival di arte contemporanea, centri di ricerca in ambito musicale, oltre a sviluppare progetti nazionali e internazionali. Particolare attenzione è rivolta all’attivazione di programmi e pratiche di inclusione e promozione sociale destinati a pubblici a rischio di esclusione culturale e educativa, fra cui migranti, persone in situazione di disagio economico/sociale, persone con deficit cognitivo e/o disabilità.
Nell’ambito della mediazione e educazione museale, Stazione Utopia propone attività didattiche per le scuole, seminari di approfondimento per insegnanti e educatori, percorsi laboratoriali di orientamento professionale pensati per favorire l’apprendimento creativo e trasversale, attraverso l’esperienza, la conoscenza dei mestieri di artigianato artistico e la scoperta del linguaggio originale dell’opera d’arte.
​Dal 2010, Stazione Utopia offre servizi di assistenza e direzione tecnica, noleggi attrezzature scenotecniche, servizi di logistica, progettazione di eventi e realizzazione di allestimenti per mostre e spettacoli, installazioni d’arte, realizzazione di scenografie e di oggetti di scena, curando la progettazione, la sicurezza e la messa in opera.
Nel campo della produzione teatrale e delle arti contemporanee Stazione Utopia è costantemente presente dal 2010, come produttore e co-produttore di numerosi spettacoli.

INFO E BIGLIETTI
BIGLIETTI
Intero: 10 euro
Ridotto under 30, scuole di danza, Liceo Coreutico Matilde di Canossa, over 65, soci CRAL Comune di Reggio Emilia: 6 euro
Ridotto under 8: 3 euro
ACQUISTO BIGLIETTI
I biglietti possono essere acquistati online su www.biglietteriafonderia39.it
La biglietteria apre un’ora prima dell’inizio dello spettacolo
I biglietti non sono numerati
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Cell e whatsapp 3341023554
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Stravaganze in sol minore - Reggionarra 2024
2024-05-26 10:00 - 12:30 | Fonderia, via della Costituzione, 39, Reggio Emilia, 42124, Italy
FAMILY CONTACT: IL LABORATORIO PER BAMBINI E FAMIGLIE
Domenica 26 maggio – ore 10.00 | Fonderia
“Il corpo ha le sue leggi e segue una logica che, tuttavia, non è necessariamente quella della ragione” (Kazuo Ono)
Il corpo è uno strumento espressivo capace di instaurare relazioni, creare forme, interpretare storie e musiche. L’incontro con la danza è un’importante occasione di crescita sia corporea che emotiva. Family Contact è un momento di condivisione tra bambini e genitori che vuole ricercare nuovi mondi. Stare insieme attraverso il corpo, il movimento, il contatto fisico, creando e costruendo una nuova unione armonica. Genitori e figli sperimenteranno nuove relazioni, nuovi spazi, nuovi linguaggi, tutto attraverso il corpo che si divertirà ad improvvisare e sperimentare nuovi giochi collettivi, in un dialogo non verbale ricco di legami umani. Con Family Contact il tempo si ferma e la fantasia prende il sopravvento.
MODALITà DI PARTECIPAZIONE
Il laboratorio è tenuto da Laura Matano, coreografa e performer
Per bambini da 5 a 10 anni – accompagnati da 1 genitore
Prenotazioni aperte
€ 5,00 – a persona
(comprensivo di biglietto per lo spettacolo Stravaganze in sol minore delle ore 11.30)
tel. 334 1023554 – biglietteria@aterballetto.it

LO SPETTACOLO: STRAVAGANZE IN SOL MINORE DI FRANCESCA LATTUADA
Domenica 26 maggio – ore 11.30 | Fonderia
Il virtuosismo magico di Toti Scialoja (1914-1998), maestro non solo di immagini, ma anche di parole, è alla base di questa nuova creazione per bambini e bambine, ragazzi e ragazze firmata dalla Fondazione Nazionale della Danza / Aterballetto.
Le vibrazioni quasi magiche che sgorgano dalle poesie di Scialoja sono come gli anelli infiniti che si creano alla superficie dell’acqua quando si getta un sasso: evocatori di immagini irreali o iperreali, portatori di una musicalità che mescola poesia e filastrocca, fanno sì che straordinario e spaventoso si diano la mano.
CREDITI
Regia e coreografia: Francesca Lattuada
Testi: Toti Scialoja (tratti da La mela di Amleto)
Musica: The Klezmorin, Gustav Mahler, Dean Martin, Clara Rockmore
Maschere e oggetti: Natali Fortier
Interpreti: Vittoria Franchina, Piersilvio De Santis
Coproduzione: Fondazione Nazionale della Danza / Aterballetto e Centro Teatrale Bresciano
In coproduzione con Centro Servizi Culturali Santa Chiara
INFO & BIGLIETTI
BIGLIETTI
Unico: 3 euro
CONTATTI
Cell e whatsapp 3341023554
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VISIONI DEL CORPO: IL CORPO IN PERICOLO
2024-05-27 21:00 - 22:00 | Fonderia, via della Costituzione, 39, Reggio Emilia, 42124, Italy
Visioni del corpo è un ciclo di appuntamenti che dal 27 maggio al 29 novembre 2024 vedrà un connubio tra arte e danza contemporanee, in un percorso dove il comune denominatore sarà proprio il corpo. Sei incontri sull’arte contemporanea tenuti da Nicolas Ballario, dove ad affiancare le parole ci sarà la danza, attraverso alcuni interventi performativi in connessione con le opere presentate. Ogni incontro sarà diviso in sei momenti dove Ballario introdurrà sei opere di sei artisti diversi, grandi nomi del contemporaneo noti anche a un pubblico di non appassionati. Ogni incontro sarà affidato a un coreografo, che metterà in danza le suggestioni mosse dalle opere trattate. Ogni incontro arricchirà una piccola “enciclopedia danzante” dell’arte contemporanea, indagando su come illustri artisti hanno trattato il tema del corpo. Prima e dopo gli eventi in Fonderia sarà attivo il servizio bar, per offrire un aperitivo in grado di stimolare il dialogo fra diversi pubblici e diverse forme d’arte.

Primo appuntamento: lunedì 27 maggio ore 21.00 in Fonderia

Il corpo in pericolo
Dialogano Nicolas Ballario, Roberto Escobar e Roberto Tedesco
Coreografie di Roberto Tedesco
Focus su Marina Abramovich, Jean Michel Basquiat, Joseph Beuys, Yves Kleins, Tracey Emin, Bill Viola
In partnership con

Il primo appuntamento nasce in collaborazione con il festivalfilosofia di Modena, Carpi e Sassuolo, storico appuntamento che ad ogni edizione collega una parola-chiave, la quale rinvia a questioni fondamentali della discussione filosofica e ad esperienze cruciali della condizione contemporanea, come il prossimo settembre con psiche. Una riflessione sulla mente aprirà anche il tema interpretato da Roberto Tedesco: il 27 maggio in Fonderia si indagherà Il corpo in pericolo, un macro-argomento che parte dall’antropologia del rischio e che può sfociare fino all’emergenza climatica, trattando in generale tutte le emergenze fisiche e psicosomatiche che il corpo contemporaneo affronta. A dialogare con il coreografo e con Nicolas Ballario sarà il critico cinematografico Roberto Escobar.
Il pubblico potrà vivere anche un’esperienza in VR con la MicroDanza di Francesca Lattuada, È pericoloso non sporgersi, con gli oculus disponibili un’ora prima e un’ora dopo l’incontro.
Marina Abramovic; Ulay. – Uitgever: Innsbruck : Galerie Krinzinger, 1978. From Wikimedia Commons

Info & prenotazioni
APERITIVO IN FONDERIA
Dalle ore 20.00 a cura dell’Associazione Prosit
BIGLIETTI
Unico: 3 euro
ACQUISTO BIGLIETTI
I biglietti possono essere acquistati online su www.biglietteriafonderia39.it.
Il servizio di biglietteria in Fonderia è attivo dalle ore 19.30.
I biglietti non sono numerati.
CONTATTI
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FONDERIA ATERBALLETTO
via della Costituzione 39, Reggio Emilia

Roberto Tedesco
Roberto Tedesco, nato nel 1992, ha iniziato a studiare danza all’età di undici anni.
Nel 2009 entra a far parte della Scuola del Balletto di Toscana, danzando subito per la compagnia giovanile Junior Bdt. Nel 2011 entra a far parte di Aterballetto dove rimane per dieci anni, lavorando con grandi coreografi della scena nazionale e internazionale, tra cui: Ohad Naharin, Jiri Kylian, Hofesh Shechter, William Forsythe, Johan Inger, ecc. Con Aterballetto inizia a coreografare e partecipa due volte al Concorso Coreografico Internazionale di Hannover, vincendo il premio della critica. Per Aterballetto crea Cemento per il progetto In/Finito e Turn the tide per il progetto MicroDanze.
Dal luglio 2021 inizia un percorso come coreografo freelance. Viene selezionato per la Vetrina Giovane Danza D’Autore con il duetto Punch 24. Lo stesso duetto viene riallestito per sei danzatori della MM contemporary dance company prendendo il nome di Round Trip. In Germania, mette in scena il duetto Line-up al National Theater Mannheim, crea By the throat per il Ballett Vorpormmern e viene selezionato per il progetto Think Big alla Staatsoper Hannover dove crea Superorganismo.
Accede a ResiDance XL- azione del Network Anticorpi, attraverso il quale inizia a lavorare al progetto Decisione Consapevole. Con quest’ultimo, è tra i finalisti di DNA appunti coreografici 2022 e nel 2023 accede agli Open Studios della NID di Cagliari, candidato dal Centro Nazionale di Produzione della Danza Körper. Accedendo all’azione SupportER della Rete Anticorpi Emilia-Romagna, attraverso un percorso di residenze, crea il duetto Simbiosi con cui per la seconda volta viene selezionato per la Vetrina Giovane Danza D’Autore e grazie al quale ottiene una menzione speciale durante la finale del premio Prospettiva Danza Teatro. Il Teatro Comunale di Vicenza nomina Roberto artista sostenuto, per l’edizione 2023, dal Festival Danza In Rete. Crea Standpoints per la nuova produzione Callas Callas Callas della compagnia Opus Ballet. Con lo spettacolo Decisione Consapevole, prodotto da Körper, debutta nel 2024 in anteprima presso il Centro Coreografico Nazionale / Aterballetto, co-produttore dello spettacolo.
A gennaio 2024 riceve il premio Danza&Danza come Coreografo Italiano Emergente 2023.
Roberto Escobar
Già professore di Filosofia politica e Analisi del linguaggio politico presso l’Università di Milano e collaboratore dell’inserto Domenica de Il Sole 24 Ore. Nelle sue ricerche ha indagato i fondamenti antropologici delle dinamiche dei meccanismi di potere, con specifica attenzione ai movimenti politici totalitari, al fine di recuperare un nuovo spazio di riflessione su categorie come ordine, esclusione, paura, persecuzione e sorveglianza. Tra i suoi ultimi lavori: Il buono del mondo: le ragioni della solidarietà (il Mulino, Bologna, 2018); Far fronte all’ombra. Cosa insegnano le pesti (Raffaello Cortina, Milano, 2022); I volti della paura (il Mulino, Bologna, 2023).
