Centro Coreografico Nazionale / Aterballetto

NOTTE MORRICONE
2025-07-17 20:00 - 21:30, 2025-07-18 20:00 - 21:30 (Europe/Rome) | Centro Danza Matadero, Paseo Chopera, 14, Madrid, Spain
Al festival Veranos de la Villa a Madrid, il Centro Coreografico Nazionale/Aterballetto danza Notte Morricone, l’omaggio a Ennio Morricone da parte del coreografo spagnolo Marcos Morau.
L’autore spagnolo con la sua potenza visionaria e la capacità di trasfigurare universi musicali, presenta una creazione unica che intreccia le musiche del Premio Oscar Ennio Morricone con la danza, le arti visive e le suggestioni cinematografiche.
Marcos Morau, ad oggi il più giovane coreografo ad aver ottenuto il Premio Nazionale di Danza, il più alto riconoscimento in Spagna, costruisce mondi immaginari e paesaggi dove immagine, testo, movimento, musica e spazio costituiscono un universo unico che viene costantemente nutrito dal cinema, dalla fotografia e dalla letteratura. Ora, per la prima collaborazione con il CCN/Aterballetto, ha proposto di rivolgersi a composizioni iconiche del paesaggio del cinema degli ultimi settant’anni: quelle del Premio Oscar Ennio Morricone.
Dice il regista: «di formazione classica e vocazione avanguardistica, Morricone è sempre stato al di là delle tendenze del momento. La sua musica appartiene ad un intero secolo e ha fatto rivivere molti dei nostri grandi maestri e per questa serata vorrei costruire un universo basato sulla sua sensibilità per confermare che la sua eredità è ancora più viva che mai e che, come direbbe lui stesso, la mia musica ha una vita propria, che può vivere lontano dai film per cui è stata creata». Scopri di più »
Durata 90′
Le performance del 17 e 18 luglio sono in collaborazione con la Direzione Generale per la Diplomazia Pubblica e Culturale e l’Istituto Italiano di Cultura di Madrid.

Il combattimento di Tancredi e Clorinda
2025-09-13 20:00 - 22:00 | Puerta de Bisagra, Toledo, Spain
Il Combattimento di Tancredi e Clorinda a Toledo è il primo spettacolo della stagione 2025-2026 del CCN/Aterballetto.
Puerta de Bisagra – Toledo, 13 settembre 2025 ore 20.00 e 21.30
Con il sostegno dell’Istituto Italiano di Cultura di Madrid, il CCN/Aterballetto celebra la Noche del patrimonio spagnolo con Il Combattimento di Tancredi e Clorinda.
La Puerta di Bisagra è il maestoso scenario dove prenderà vita e voce la vicenda d’amore e morte raccontata da Torquato Tasso nella Gerusalemme Liberata (1575) e messa in musica da Claudio Monteverdi (1624). La performance, firmata da Fabio Cherstich e Philippe Kratz, è interpretata dai danzatori Alessia Giacomelli e Kiran Gezels, il tenore Matteo Straffi e il clavicembalista Deniel Perer.

CREDITI
Regia e visual: FABIO CHERSTICH
Coreografia e movimenti scenici: PHILIPPE KRATZ
Musica: IL COMBATTIMENTO DI TANCREDI E CLORINDA di CLAUDIO MONTEVERDI
Danzatori: ALESSIA GIACOMELLI, KIRAN GEZELS
Cantante: MATTEO STRAFFI
Cembalo: DENIEL PERER

Coproduzione: FONDAZIONE NAZIONALE DELLA DANZA / ATERBALLETTO, TEATRO REGIO DI PARMA / FESTIVAL VERDI, TORINODANZA FESTIVAL – TEATRO STABILE DI TORINO – TEATRO NAZIONALE, GHISLIERIMUSICA – CENTRO DI MUSICA ANTICA
Il Combattimento di Tancredi e Clorinda è un progetto per la valorizzazione delle attività di spettacolo dal vivo negli istituti e nei luoghi della cultura promosso dalla Direzione generale Musei e cofinanziato della Direzione generale Spettacolo.
Per la realizzazione del progetto, i Musei nazionali di Perugia – Direzione regionale Musei nazionali Umbria – e in particolare il Museo archeologico nazionale e Teatro romano di Spoleto – hanno istituito, con il supporto della Direzione generale Musei, un partenariato condiviso da altri cinque importanti luoghi della cultura: Villa Pisani a Stra, il Castello e Parco di Racconigi, il Castello Svevo di Bari, la Certosa di San Martino a Napoli e il Parco archeologico di Venosa; a questi si aggiunge Castel Sant’Angelo a Roma, che ospiterà l’iniziativa nell’ambito della rassegna estiva Sotto l’angelo di Castello.

Il progetto si inserisce all’interno di Italia Danza, coprogettazione a cura di Direzione Generale per la Diplomazia Pubblica e Culturale del Maeci e CCN/Aterballetto per la promozione del patrimonio artistico italiano all’estero.
CORPI COME SPECCHI
Nella mia visione de Il Combattimento di Tancredi e Clorinda, immagino uno spazio ristretto e circolare, dove la vicinanza e la somiglianza dei corpi giocano un ruolo fondamentale. Con il coreografo Philippe Kratz, esploriamo l’idea dei corpi come specchi, narrando così di un’umanità in lotta contro sé stessa. Eros e Thanatos emergono come forze egualmente potenti, creando un’atmosfera paradossale in questa lotta perfettamente equilibrata tra esseri umani. Tancredi e Clorinda, nella nostra visione, sono guerrieri contemporanei legati indissolubilmente l’uno all’altra, costretti a lottare e ad agire una storia già scritta.
Una sola voce darà vita a tre personaggi: il testo stesso, Tancredi e Clorinda si fonderanno nel corpo e nel suono di un cantante. Questo suono straniato e vincolato da un percorso circolare crea una sensazione di ripetizione costante, sottolineando il ciclo senza fine di questa storia d’amore e morte, destinata purtroppo a ripetersi attraverso i secoli e giungere fino a noi con tutta la sua forza, come emanazione della potenza poetica della parola di Tasso e della musica sublime di Monteverdi.
Fabio Cherstich, Regista
LOTTA INTERIORE
Del racconto tassiano, trasposto da Claudio Monteverdi in musica, i temi più ovvi sono la lotta tra donna e uomo e la conversione religiosa, ma sono anche gli aspetti che trovo meno intriganti: adattandoli nella danza, si cadrebbe in una narrazione di circostanze di fatto.
Una lettura più filosofica o psicoanalitica di questa lotta dalla quale i due protagonisti escono sconfitti, ingannati e solitari, mi appare molto più interessante. Nell’opposizione dei due ruoli c’è già un mondo: il cercarsi, il confrontarsi e il ferirsi a vicenda. La dinamica è quella del rituale bellico e conflittuale di due entità che si avvicinano. L’assurdità dell’atto si manifesta quando una delle due persone perde la vita, e realizziamo che l’altra persona, comunque, non ha vinto… una ferita forte e condivisa, che rimane su entrambi i corpi. Sono quindi due persone che combattono tra di loro o forse è una persona che lotta con sé stessa?
Philippe Kratz, Coreografo

Cani lunari - prova aperta
2025-09-16 18:00 - 19:00 | Fonderia, via della Costituzione, 39, Reggio Emilia, 42124, Italy
Cani lunari di Francesco Marilungo è il primo appuntamento che apre la rassegna autunnale di Danza in Fonderia.
Francesco Marilungo inaugura Antologie. Nuove letture del corpo, la rassegna di Danza in Fonderia, con la prova aperta del suo ultimo lavoro. Cani lunari svela i primi frammenti della sua nuova creazione. Ispirato a un raro fenomeno ottico legato alla luna e intriso di simboli ancestrali, lo spettacolo attraversa l’immaginario della strega, della guaritrice, della magiara: figure ai confini della società, sospese tra paura e desiderio, scienza e magia, emarginazione e potere.

Crediti
Coreografia e Regia Francesco Marilungo
Con Vera Di Lecce, Barbara Novati, Roberta Racis, Alice Raffaelli, Francesca Linnea Ugolini
Costumi Lessico Familiare
Musica e Vocal Coaching Vera Di Lecce
Disegno Luci Gianni Staropoli
Foto e Video Luca Del Pia
Produzione Körper | Centro Nazionale di Produzione della Danza
Coproduzione SNAPORAZVEREIN, IRA Institute
con il sostegno di ResiDance – azione del Network Anticorpi XL
Centro di Residenza della Toscana (Fondazione Armunia Castiglioncello – CapoTrave/Kilowatt Sansepolcro), AMAT – Associazione Marchigiana per le Attività Teatrali, Consorzio PUGLIA CULTURE – Consorzio Regionale per le Arti e la Cultura in collaborazione con Associazione Menhir / festival LE DANZATRICI en plein air di Ruvo di Puglia e Ass. Cult. TEATRO MENZATI’/ TEX – Il Teatro dell’ExFadda di San Vito dei Normanni (Puglia)
con il sostegno di Cross Festival, Primavera dei Teatri Castrovillari
con il contributo di Marosi Festival, Teatro delle Moire
Scopri di più
Nei mesi invernali quando la luna è piena o quasi, può capitare che la sua luce venga rifratta dai cristalli di ghiaccio presenti nelle alte nubi generando un alone circolare attorno al satellite con due bagliori simmetrici ai lati: i cani lunari. Fenomeni atmosferici che la tradizione popolare leggeva come presagi di tempesta ma che erano anche segnali di passaggio, varchi visivi verso l’invisibile.
CANI LUNARI è un progetto coreografico che attraversa questi varchi e si immerge in un immaginario radicato nel femminile arcaico, nei saperi magici, nei corpi estatici. Un’indagine sensibile attorno alla figura della strega, della guaritrice: non come residuo folklorico o stereotipo demonizzato, ma come emblema di un sapere marginale e potente, che resiste alle logiche dell’utile e del visibile.
Attraverso un processo di ricerca che unisce materiali d’archivio, testimonianze orali, iconografie folkloriche e pratiche corporee, CANI LUNARI costruisce un rito performativo in cui il corpo danza la trance, l’estasi, la metamorfosi. Le performer con in mano corvi imbalsamati – anime fuoriuscite, animali guida, spiriti della soglia – compiono gesti sospesi tra rito e finzione, magia e gioco teatrale. Il movimento si nutre di frammentazioni, zoppie, gesti arcaici e improvvisi slittamenti verso l’animalità, evocando un mondo in cui il confine tra umano e ultra-umano è poroso e mobile. Il corpo si muove “sopra acqua e sopra vento”, secondo formule antiche che ancora oggi risuonano in alcuni territori italiani, ai margini.
Nel cuore del progetto si annida anche una riflessione sul corpo isterico, luogo femminile di crisi ed enigma, storicamente associato alla figura della strega e allo stato di possessione. Le fotografie ottocentesche della Salpêtrière diventano materiale simbolico da incarnare: corpi fuori controllo, attraversati dall’invisibile, che performano un sapere altro.
Il corpo della strega diventa organismo di passaggio tra dimensioni – come scriveva John Cotta, “non viaggiatrice tra mondi, ma luogo dell’incontro tra diverse sfere dell’essere”.
CANI LUNARI rievoca un sapere che è politico e sensoriale, un’epistemologia incarnata. L’anima, uccello o fiato, esce dalla bocca, vola, si stacca e poi ritorna nel corpo. Come nelle confessioni estorte alle donne perseguitate – spesso visionarie, narratrici, guaritrici – il corpo diventa racconto, rito di guarigione, esercizio di sopravvivenza.
Il paesaggio sonoro, firmato da Vera Di Lecce, intreccia elettronica e suono naturale, canti orali e formule magiche, in una partitura sospesa tra il terrestre e il divino.
CANI LUNARI è un attraversamento, un sabba bianco, un rituale collettivo per re-incantare il mondo.

Francesco Marilungo
Francesco Marilungo, dopo gli studi in Ingegneria e un periodo di ricerca al Von Karman Institute di Bruxelles, frequenta l’Atelier di Teatrodanza alla Paolo Grassi di Milano. Dal 2010 viene a contatto con coreografi di fama internazionale come Julie Anne Stanzak, Masaki Iwana, Yasmine Hugonnet, Jan Fabre, Romeo Castellucci. Negli anni, lavora come performer per Enzo Cosimi, Antonio Marras e Alessandro Sciarroni. Inizia un proprio percorso autoriale alla ricerca di un codice personale tra la performance, la danza e le arti visive. Paradise, vincitore del bando NEXT 2015/2016 della Lombardia, viene selezionato da Anticorpi XL per la Vetrina della Giovane Danza d’Autore 2016. Love Souvenir del 2018 è vincitore del bando Inteatro Festival e del bando Next 2017/2018 della Lombardia.
Con Party Girl, vince il premio Prospettiva Danza 2020 e Cross Award 2020 e viene selezionato per la Nid Platform 2021. Stuporosa debutta a Short Theatre Roma a settembre 2023 e inizia una tournée internazionale. Nel 2024 Stuporosa viene presentato alla Nid Platform nella sezione programmazione e vince il premio UBU 2024 come Miglior Spettacolo di Danza. Il suo nuovo progetto Cani Lunari è vincitore del Premio CollaborAction – Network Anticorpi XL e debutterà a settembre 2025.
Info&Biglietti
BIGLIETTI
Intero: 3 euro
Omaggio under 6
ACQUISTO BIGLIETTI

ONLINE: https://www.biglietteriafonderia39.it/home.aspx
Biglietteria della Fonderia: la biglietteria apre un’ora prima dell’inizio dello spettacolo (via della Costituzione 39, Reggio Emilia).

I biglietti non sono numerati.
CONTATTI PER PRENOTAZIONI
Cell e whatsapp 3341023554
Email biglietteria@aterballetto.it

Il combattimento di Tancredi e Clorinda
2025-09-22 18:00 - 18:30, 2025-09-24 18:00 - 18:30, 2025-09-25 18:00 - 18:30 | Teatro Padiglione Italia, Osaka, Japan
Il CCN/Aterballetto è a Expo 2025 Osaka con Il Combattimento di Tancredi e Clorinda.
Teatro Padiglione Italia, 22-24-25 settembre 2025 ore 18.00
Grazie al sostegno della Regione Emilia-Romagna, il CCN/Aterballetto partecipa alla settimana di protagonismo dell’Emilia-Romagna a Expo 2025 Osaka danzando Il Combattimento di Tancredi e Clorinda.
Al Teatro del Padiglione Italia prenderà vita e voce la vicenda d’amore e morte raccontata da Torquato Tasso nella Gerusalemme Liberata (1575) e messa in musica da Claudio Monteverdi (1624). La performance, firmata da Fabio Cherstich e Philippe Kratz, è interpretata dai danzatori Alessia Giacomelli e Kiran Gezels.

CREDITI
Regia e visual: FABIO CHERSTICH
Coreografia e movimenti scenici: PHILIPPE KRATZ
Musica: IL COMBATTIMENTO DI TANCREDI E CLORINDA di CLAUDIO MONTEVERDI (musica registrata da Matteo Straffi tenore e Deniel Perer clavicembalo)
Danzatori: ALESSIA GIACOMELLI, KIRAN GEZELS

Coproduzione: FONDAZIONE NAZIONALE DELLA DANZA / ATERBALLETTO, TEATRO REGIO DI PARMA / FESTIVAL VERDI, TORINODANZA FESTIVAL – TEATRO STABILE DI TORINO – TEATRO NAZIONALE, GHISLIERIMUSICA – CENTRO DI MUSICA ANTICA
Il Combattimento di Tancredi e Clorinda è un progetto per la valorizzazione delle attività di spettacolo dal vivo negli istituti e nei luoghi della cultura promosso dalla Direzione generale Musei e cofinanziato della Direzione generale Spettacolo.
Per la realizzazione del progetto, i Musei nazionali di Perugia – Direzione regionale Musei nazionali Umbria – e in particolare il Museo archeologico nazionale e Teatro romano di Spoleto – hanno istituito, con il supporto della Direzione generale Musei, un partenariato condiviso da altri cinque importanti luoghi della cultura: Villa Pisani a Stra, il Castello e Parco di Racconigi, il Castello Svevo di Bari, la Certosa di San Martino a Napoli e il Parco archeologico di Venosa; a questi si aggiunge Castel Sant’Angelo a Roma, che ospiterà l’iniziativa nell’ambito della rassegna estiva Sotto l’angelo di Castello.

Il progetto si inserisce all’interno di Italia Danza, coprogettazione a cura di Direzione Generale per la Diplomazia Pubblica e Culturale del Maeci e CCN/Aterballetto per la promozione del patrimonio artistico italiano all’estero.
CORPI COME SPECCHI
Nella mia visione de Il Combattimento di Tancredi e Clorinda, immagino uno spazio ristretto e circolare, dove la vicinanza e la somiglianza dei corpi giocano un ruolo fondamentale. Con il coreografo Philippe Kratz, esploriamo l’idea dei corpi come specchi, narrando così di un’umanità in lotta contro sé stessa. Eros e Thanatos emergono come forze egualmente potenti, creando un’atmosfera paradossale in questa lotta perfettamente equilibrata tra esseri umani. Tancredi e Clorinda, nella nostra visione, sono guerrieri contemporanei legati indissolubilmente l’uno all’altra, costretti a lottare e ad agire una storia già scritta.
Una sola voce darà vita a tre personaggi: il testo stesso, Tancredi e Clorinda si fonderanno nel corpo e nel suono di un cantante. Questo suono straniato e vincolato da un percorso circolare crea una sensazione di ripetizione costante, sottolineando il ciclo senza fine di questa storia d’amore e morte, destinata purtroppo a ripetersi attraverso i secoli e giungere fino a noi con tutta la sua forza, come emanazione della potenza poetica della parola di Tasso e della musica sublime di Monteverdi.
Fabio Cherstich, Regista
LOTTA INTERIORE
Del racconto tassiano, trasposto da Claudio Monteverdi in musica, i temi più ovvi sono la lotta tra donna e uomo e la conversione religiosa, ma sono anche gli aspetti che trovo meno intriganti: adattandoli nella danza, si cadrebbe in una narrazione di circostanze di fatto.
Una lettura più filosofica o psicoanalitica di questa lotta dalla quale i due protagonisti escono sconfitti, ingannati e solitari, mi appare molto più interessante. Nell’opposizione dei due ruoli c’è già un mondo: il cercarsi, il confrontarsi e il ferirsi a vicenda. La dinamica è quella del rituale bellico e conflittuale di due entità che si avvicinano. L’assurdità dell’atto si manifesta quando una delle due persone perde la vita, e realizziamo che l’altra persona, comunque, non ha vinto… una ferita forte e condivisa, che rimane su entrambi i corpi. Sono quindi due persone che combattono tra di loro o forse è una persona che lotta con sé stessa?
Philippe Kratz, Coreografo

Notte Morricone - prova aperta
2025-09-22 18:00 - 19:00 | Fonderia, via della Costituzione, 39, Reggio Emilia, 42124, Italy
CCN/Aterballetto – Notte Morricone – ph. Claudio Montanari
Prima prova aperta di Aterballetto della stagione 2025-26 per conoscere i nuovi danzatori della compagnia.
Lunedì 22 settembre ore 18.00 Aterballetto accoglie il suo pubblico nella sala prove della Fonderia sulle note di Notte Morricone di Marcos Morau. Durante la prova aperta verranno presentati anche i tre nuovi danzatori che si sono aggiunti alla compagnia: Gador Lago Benito, Gaia Mentoglio e Luigi Civitarese.
Le prove aperte sono momenti unici in cui è possibile assistere alla realizzazione di uno spettacolo, dialogare con gli artisti e sorprendersi con l’arte della danza: un’occasione speciale che lascia entrare il pubblico nella routine quotidiana dei danzatori e dei coreografi.

Info & Biglietti
BIGLIETTI
Intero: 3 euro
Omaggio under 6
ACQUISTO BIGLIETTI

ONLINE: https://www.biglietteriafonderia39.it/home.aspx
Biglietteria della Fonderia: la biglietteria apre un’ora prima dell’inizio dello spettacolo (via della Costituzione 39, Reggio Emilia).

I biglietti non sono numerati.
CONTATTI PER PRENOTAZIONI
Cell e whatsapp 3341023554
Email biglietteria@aterballetto.it

Caracalla Danza
2025-09-26 17:45 - 19:15, 2025-09-27 17:45 - 19:15, 2025-09-28 17:45 - 19:15 | Terme di Caracalla, Viale delle Terme di Caracalla n.52, Roma, Roma, Roma, 00153, Italia
CARACALLA DANZA
PRIMA EDIZIONE 26 – 27 – 28 SETTEMBRE
Una nuova iniziativa della Soprintendenza Speciale di Roma e di CCN/Aterballetto
Compagnia ospite Gauthier Dance//Dance Company Theaterhaus Stuttgart
in collaborazione con Romaeuropa Festival 2025
Un sito straordinario, con il suo patrimonio archeologico unico al mondo, dal 2024 ospita un palcoscenico sospeso sopra uno specchio. Una istallazione voluta per riportare alle Terme di Caracalla l’acqua, suo elemento fondamentale, dove si riflette il monumento.
Con Caracalla Danza la Soprintendenza Speciale di Roma in coprogettazione con il CCN/Aterballetto, che torna nello spazio che inaugurò il 13 aprile 2024 sulle note di Rhapsody in blue di George Gershwin, mette la danza al centro di un diverso modello di valorizzazione di un luogo unico.
Il CCN/Aterballetto danzerà il lunare passo a due Reconciliatio di Angelin Preljocaj e presenterà in prima assoluta una nuova creazione di Diego Tortelli, pensata proprio per essere danzata nell’acqua. Il palcoscenico sarà condiviso con una delle maggiori compagnie europee, la Gauthier Dance // Dance Company Theaterhaus Stuttgart guidata da Eric Gauthier, che darà vita alle coreografie firmate da Marco Goecke, Hofesh Shechter e Sharon Eyal.
Il 26, 27 e 28 settembre con tre serate si inaugura così Caracalla Danza che nei prossimi anni si strutturerà definitivamente come appuntamento ricorrente ogni settembre, al termine degli importanti lavori di riqualificazione delle Terme di Caracalla.

INFO E BIGLIETTERIA
Gli spettacoli inizieranno poco prima del tramonto, indicativamente tra le 17.45 e le 18.00. L’ingresso allo spazio scenico sarà possibile a partire dalle ore 17.00. L’accesso all’area poltrone non sarà permesso dopo l’inizio dello spettacolo.
Biglietti:
Da 20 euro
Biglietti disponibili dal 3 settembre su
Musei Italiani:
www.museiitaliani.it
App di Musei Italiani disponibile su Google Play e su App Store
PROGRAMMA DELLA SERATA
Sharon Eyal: ALONE
Con i danzatori di Gauthier Dance // Dance Company Theaterhaus Stuttgart. Prima romana.
Coreografia e Costumi: Sharon Eyal
Design del Suono: Josef Laimon
Musica: Eliza
Disegno Luci: Alon Cohen
Assistente alla Coreografia: Clyde Emmanuel Archer
Con ALONE, Sharon Eyal torna al grande ensemble che l’ha resa celebre. La coreografa dimostra il potere ipnotico della sincronia e la dinamica incredibile di un organismo composto da corpi umano-macchina. Minime variazioni o trasformazioni seriali rompono l’ordine dei suoi gruppi di danzatori; gli individui si liberano dai modelli ripetitivi di una società apparentemente post-umana.
Marco Goecke: Monstruo Grande
Con due danzatori di Gauthier Dance // Dance Company Theaterhaus Stuttgart. Prima romana
Coreografia: Marco Goecke
Musica: Mercedes Sosa
Disegno Luci: Mario Daszenies
Costumi: Michaela Springer
La creazione di Marco Goecke si distingue per precisione ed energia. Suonata sulle potenti musiche di Mercedes Sosa, questo passo a due si sviluppa in una performance ricca di movimento dinamico e tensione emotiva, catturando l’attenzione fin dal primo istante.
Angelin Preljocaj: RECONCILIATIO
Con Estelle Bovay e Arianna Kob, danzatrici del CCN/Aterballetto. Prima romana
Coreografia: Angelin Preljocaj
Musica: Ludwig Van Beethoven, Sonata per pianoforte n. 14 al chiaro di luna
Costumi: Igor Chapurin
Luci: Cecile Giovansili
Assistente alla coreografia: Claudia De Smet
Riallestimento dalla creazione del 2010 Suivront mille ans de calme
Produzione Fondazione Nazionale della Danza / Aterballetto
Coproduzione Fondazione Teatro Comunale di Bologna
La danza, arte dell’indicibile per eccellenza, è in grado di svolgere la delicata funzione di svelare le nostre paure, le angosce e le speranze, evocandole. Il duetto prescelto per raccontare il tema della riconciliazione è tratto da Suivront mille ans de calme (Seguiranno mille anni di calma), un lavoro caratterizzato da una vena poetica e impressionista, ispirato ad una lettura assidua ma non letterale dell’Apocalisse. Per il coreografo, nello spettacolo originale, e tantomeno nel duetto femminile che è stato adattato per “Memorare 2024” alla Basilica di San Petronio a Bologna, non vanno ricercati quindi riferimenti puntuali al testo di San Giovanni. Come indica l’etimologia della parola apocalisse, sollevare il velo, si tratta invece di rivelare, svelare, mettere in evidenza elementi presenti nel nostro mondo, ma sottratti ai nostri sguardi. Che nella delicata relazione tra le protagoniste del duetto emergono, visibili e invisibili.

Marco Goecke: INFANT SPIRIT
Con i danzatori di Gauthier Dance // Dance Company Theaterhaus Stuttgart. Prima romana
Coreografia: Marco Goecke
Disegno Luci: Udo Haberland
Costumi: Michaela Springer
Musica: Antony and the Johnsons
Scintilla iniziale fu l’ispirazione proveniente dalla leggendaria compagnia della sua città natale, il Tanztheater Wuppertal Pina Bausch, a condurre Marco Goecke verso la danza. Ha incontrato la pioniera del teatro-danza solo poche volte, ma ha comunque avuto un ruolo importante nella sua carriera – anche molto tempo dopo che aveva lasciato Wuppertal. Nel 2004, lei invitò il giovane coreografo a presentare i suoi due pezzi Blushing e Mopey al festival 30 Years of Tanztheater Wuppertal. Ancora oggi si percepisce la gratitudine di Goecke quando parla di quanto significasse per lui la fiducia ricevuta. Il suo solo Infant Spirit è un omaggio a Pina Bausch, alla quale il coreografo deve moltissimo.
Hofesh Shechter: BONUS TRACK
Con i danzatori di Gauthier Dance // Theaterhaus Stuttgart. Prima italiana
Coreografia e Composizione: Hofesh Shechter
Disegno Luci: Mario Daszenies
Costumi: Gudrun Schretzmeier & Hofesh Shechter
Direzione Prove: Kim Kohlmann
Eric Gauthier ha chiesto a Hofesh Shechter, artista residente della sua compagnia, di creare una coreografia che potesse funzionare come opera autonoma, adatta anche alla mobilità e idealmente a esibizioni all’aperto. Un lavoro veramente accessibile che porti la danza contemporanea soprattutto a un pubblico giovane. Chi conosce Shechter non dubita che ha saputo affrontare questa sfida con naturalezza – specialmente perché le origini di Bonus Track risiedono proprio in un progetto di sensibilizzazione. Tempo fa, Shechter aveva adattato elementi della sua coreografia Clowns per alcune performance open-air a Londra con un cast ridotto di otto danzatori. Da questa base ha creato una nuova versione su misura per e con Gauthier Dance, rielaborando anche la sua colonna sonora – come sempre originale.
Diego Tortelli: LIMEN
Con Estelle Bovay e Arianna Kob, danzatrici del CCN/Aterballetto
Coreografia: Diego Tortelli
Costumi: Sportmax
Musica: Weyes Blood
Nuova produzione creata appositamente per le Terme di Caracalla, prima assoluta
Limen (dal latino: soglia — tra reale e riflesso, tra presenza e dissolvenza) è un dialogo coreografico tra due presenze femminili che emergono dal velo d’acqua come da una soglia invisibile. Si specchiano, si sfiorano, si cercano e si disgregano, come riflessi instabili sulla pelle liquida della superficie. La loro danza si muove sul confine — tra corpo e eco, tra gesto e memoria, tra ciò che appare e ciò che svanisce. L’intervento riattiva la memoria del luogo — un tempo tempio del corpo, della cura, del rito collettivo — e la trasforma in un gesto intimo, circolare, quasi sussurrato. Le due danzatrici non incarnano personaggi, ma forze speculari, archetipi gemelli che si cercano senza mai coincidere del tutto, come due metà di un’immagine riflessa che trema nell’acqua.
Gauthier Dance//Dance Company Theaterhaus Stuttgart
Gauthier Dance//Dance Company Theaterhaus Stuttgart è una compagnia giovane e dinamica composta da 16 artisti altamente individuali e versatili, diretta dal danzatore, coreografo, musicista e carismatico ambasciatore della danza Eric Gauthier. Fondata nell’ottobre 2007, la compagnia si è affermata a velocità record sulla scena della danza tedesca, diventando da tempo un marchio riconosciuto a livello internazionale.
Il repertorio include lavori dello stesso Gauthier e di celebri coreografi contemporanei come Mauro Bigonzetti, Sidi Larbi Cherkaoui, Marie Chouinard, Sharon Eyal, Andonis Foniadakis, William Forsythe, Itzik Galili, Jiří Kylián, Lightfoot/León, Hans van Manen, Marcos Morau, Ohad Naharin e Sasha Waltz.
Oltre alle esibizioni nella sua sede al Theaterhaus Stuttgart, la compagnia è regolarmente in tournée in importanti città della danza a livello internazionale, tra cui Toronto, New York, Tel Aviv, Venezia, Amsterdam, San Pietroburgo, Monaco, Québec City, Montréal, Berlino e Chicago. Gauthier Dance//Dance Company Theaterhaus Stuttgart è stata segnalata come “Highlight tedesco” nell’annuario 2022 della rivista specializzata tanz.
Parallelamente alla crescente fama, Gauthier Dance ha intensificato le collaborazioni con coreografi di fama mondiale – in particolare con gli artisti in residenza Marco Goecke (da gennaio 2019 all’estate 2023), Hofesh Shechter (dal 2021) e Barak Marshall (a partire dalla stagione 2024/25). Anche durante la pandemia, la compagnia non si è fermata, lanciando un’iniziativa incoraggiante che ha attirato grande attenzione anche al di fuori del mondo della danza: tra l’inverno e la primavera del 2021, 16 coreografi, 16 videomaker e 16 compositori hanno creato un assolo per ciascun membro della compagnia. The Dying Swans Project è ancora disponibile gratuitamente nella mediateca del canale televisivo tedesco 3sat. Il progetto ha ricevuto un’accoglienza entusiasta, tanto che il Presidente della Repubblica tedesca Frank-Walter Steinmeier ha voluto saperne di più attraverso una videochiamata con Eric Gauthier.
Tra i programmi recenti si segnalano le serate a tema Swan Lakes (2021), con prime mondiali firmate da Marie Chouinard, Marco Goecke, Hofesh Shechter e Cayetano Soto, e The Seven Sins (2022), in cui Aszure Barton, Sidi Larbi Cherkaoui, Sharon Eyal, Marco Goecke, Marcos Morau, Hofesh Shechter e Sasha Waltz hanno ciascuno trasformato un peccato capitale in una creazione coreografica. La stagione 2022/23 ha celebrato i 15 anni della compagnia con 15 YEARS ALIVE, mentre nel 2024 è andato in scena ELEMENTS, con prime mondiali di Mauro Bigonzetti, Sharon Eyal, Andonis Foniadakis e Louise Lecavalier.
La stagione 2024/25 ha avuto due nuove produzioni spettacolari: FireWorks, in cui Mauro Bigonzetti, Virginie Brunelle, Stijn Celis, Dominique Dumais, Andonis Foniadakis, Marco Goecke, Johan Inger, Barak Marshall, Benjamin Millepied e Sofia Nappi hanno firmato nuove creazioni brevi per celebrare i 40 anni del Theaterhaus come faro culturale per Stoccarda; e, nell’estate 2025, la compagnia ha aperto il COLOURS International Dance Festival con la prima mondiale di The Turning of Bones, creata da una star della coreografia internazionale come Akram Khan.
Accanto alle attività performative “tradizionali”, Gauthier Dance si distingue sin dagli inizi per il suo impegno in un formato socio-culturale pionieristico: con Gauthier Dance Mobile porta la danza a chi non può recarsi a teatro, visitando case di riposo, ospedali o strutture per persone con disabilità. Nel 2022, il Theaterhaus e Eric Gauthier hanno avviato un nuovo capitolo di questo programma con l’iniziativa MOVES FOR FUTURE, coinvolgendo la nuova compagnia giovanile. I Gauthier Dance JUNIORS//Theaterhaus Stuttgart accendono l’entusiasmo per la danza nelle nuove generazioni attraverso numerose performance nelle scuole della regione, dimostrando grande maturità anche nelle loro produzioni indipendenti, che non hanno nulla da invidiare a quelle dei colleghi più esperti.
www.theaterhaus.com/de/gauthier

NOTTE MORRICONE
2025-10-02 19:30 - 21:00, 2025-10-03 19:30 - 21:00, 2025-10-04 19:30 - 21:00 | Theater Winterthur, Theaterstrasse 4-6, Winterthur, 8402, Svizzera
Dal 2 al 4 ottobre a Winterthur il Centro Coreografico Nazionale/Aterballetto danza Notte Morricone di Marcos Morau, insieme all’orchestra Musikkollegium Winterthur.
Dal 2 al 4 ottobre 2025 Aterballetto presenta l’omaggio alla musica di Ennio Morricone, che per le date nel teatro svizzero sono suonate dal vivo dall’Orchestra Musikkollegium Winterthur sotto la bacchetta del Maestro Maurizio Billi. Le recite danno il via al tour 2025-2026 della compagnia.
“Io, Ennio Morricone, sono morto”, scrisse il compositore prima di congedarsi. La sua musica, invece, non può farlo. Ed è così che i creatori e gli artisti sempre ci lasciano senza lasciarci, ed è in questo modo che la memoria si preoccupa di tenerli vivi, di tenerli al sicuro. Notte Morricone è il mio regalo, un devoto tributo alla bellezza che ha donato al mondo.
Notte Morricone si svolge nel crepuscolo di una notte ordinaria nella vita di un creativo, che solo e stordito davanti ai suoi fogli, prende appunti e visualizza melodie per film che non esistono ancora, riportando in vita storie nell’aria rarefatta della sua stanza.
Marcos Morau – Regista e coreografo

Impossibile descrivere Notte Morricone, pezzo magistrale che arriva a flutti allo spettatore, lo abbraccia con onde emotive, lo cattura nella memoria di melodie intramontabili sopravvissute di gran lunga alle immagini che le hanno generate. Incantevole pure la coreografia cesellata e sempre poetica, composta con maniacale attenzione al dettaglio: gambe e collo sembrano privi di giunture, si flettono e scattano ritmicamente come metronomi.
Maria Luisa Buzzi – Danza&Danza
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Durata 90′

VISIONI DEL CORPO: LE DONNE DELLA FOTOGRAFIA CONTEMPORANEA
2025-10-08 20:30 - 21:30 | Fonderia, via della Costituzione, 39, Reggio Emilia, 42124, Italy
La fotografia al femminile è il focus del nuovo appuntamento di Visioni del corpo: conoscere l’arte contemporanea attraverso la danza d’autore.

Grazie alla collaborazione curatoriale di Nicolas Ballario (uno dei 100 volti più influenti nel mondo dell’arte per Il Giornale dell’arte), continua a vivere l'”enciclopedia danzante”, che parla del mondo attraverso la danza, mettendo il corpo al centro dell’umano.
Per la rassegna Antologie. Nuove letture del corpo Nicolas Ballario ha scelto di presentare le opere fotografiche di Tina Modotti, Diane Arbus, Cindy Sherman, Nan Godin, Lisetta Carmi, che saranno accompagnate dalle coreografie create per l’occasione da Sofia Nappi, una delle coreografe italiane più apprezzate nel panorama contemporaneo.

APERITIVO IN FONDERIA
Dalle ore 19.30 alle ore 20.30 degustazione di vini e prodotti locali, grazie alla collaborazione con Coldiretti Reggio Emilia.

Sofia Nappi
Sofia Nappi è coreografa e direttrice artistica di KOMOCO, compagnia di danza contemporanea con sede in Italia e attiva a livello internazionale, di cui è co-fondatrice insieme alle sue prime muse, Adriano Popolo Rubbio e Paolo Piancastelli. Fin da subito le prime creazioni di Sofia con KOMOCO hanno vinto importanti premi: il Partner Introdans Award (Rotterdam International Duet Choreography Competition 2021), e il 1° Premio, il Premio della Critica e il Premio Produzione al 35° International Choreography Competition Hannover dalla Fondazione Tanja Liedtke e Marco Goecke (2021).
Attualmente i lavori di KOMOCO firmati da Sofia vengono presentati in Italia e con tournée internazionali in Europa ma anche in Messico, Canada, Serbia, ospiti di istituzioni e festival internazionali. Come coreografa indipendente Sofia firma anche nuove creazioni per compagnie di danza e teatri internazionalmente riconosciuti (Nederlands Dans Theater 2, Leipzig Ballet, Gauthier Dance//Dance Company Theaterhaus Stuttgart, Ballet BC, Göteborg Opera, National Theatre Mannheim, Staatsoper di Hannover, Scottish Dance Theatre).
Parallelamente, il lavoro di Sofia Nappi si sviluppa anche nel campo della ricerca e della formazione professionale a livello internazionale, in stretta collaborazione con i danzatori della compagnia KOMOCO. Dal 2022 organizza due volte l’anno a Firenze il workshop di compagnia “Komoco Intensive”, cui partecipano danzatori professionisti provenienti da tutto il mondo. Sofia è diplomata all’Alvin Ailey American Dance Theatre di New York; la sua formazione è stata particolarmente segnata anche dallo stretto contatto con Hofesh Shechter Dance Company e lo studio di Gaga, linguaggio del celebre coreografo Ohad Naharin.

Nicolas Ballario
Nicolas Ballario, classe 1984, si occupa di arte contemporanea applicata ai media. Dopo aver terminato gli studi all’accademia di fotografia entra nella factory di Oliviero Toscani ‘La Sterpaia’, della quale diventerà poi responsabile culturale. Ha collaborato con le più importanti istituzioni artistiche e con numerose testate e nel 2016 è stato il più giovane di sempre a vincere il Premio Bassani, uno dei più prestigiosi riconoscimenti per giornalisti che si sono distinti in ambito culturale e ambientale. Attualmente è autore e conduttore dei programmi di arte contemporanea di Radio Uno Rai e collabora con L’Espresso (dove tiene una rubrica fissa settimanale), Living del Corriere della Sera, il Post e Il Giornale dell’Arte. Nel 2019 conduce il format sulla fotografia “Camera Oscura”, su LA7, mentre dal 2020 è alla conduzione su Sky Arte delle trasmissioni “Io ti vedo, tu mi senti?”, “Italia Contemporanea” e “The Square”. Dirige la neonata azienda di produzione di mostre “Piuma” ed è fondatore e presidente di Cucù, studio di comunicazione dedicato alla cultura. Cura esposizioni e cataloghi. Il magazine Artribune lo ha inserito nel ‘Best of’ delle eccellenze del mondo dell’arte per due anni consecutivi: nel 2019 per la radio e nel 2020 per i progetti televisivi.

Info&Biglietti
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I biglietti possono essere acquistati online su www.biglietteriafonderia39.it.
Il servizio di biglietteria in Fonderia è attivo dalle ore 19.30.
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FONDERIA ATERBALLETTO
via della Costituzione 39, Reggio Emilia

MICRODANZE / ODEC
2025-10-09 - 2025-10-10, 2025-10-10 - 2025-10-11, 2025-10-11 - 2025-10-12, 2025-10-12 - 2025-10-13, 2025-10-18, 2025-10-19 | Gorizia, Gorizia, Italy
LE MICRODANZE A GO! 2025 CAPITALE EUROPEA DELLA CULTURA
ODEC – One Dance European City è un progetto che unisce Italia e Slovenia attraverso la danza, nato dalla collaborazione tra ArtistiAssociati, il Teatro Nazionale Sloveno di Nova Gorica e il Centro Coreografico Nazionale/Aterballetto, con il sostegno dell’Unione Europea (Programma Interreg VI-A Italia-Slovenia, GO! 2025).
Il percorso porta la danza fuori dai teatri, trasformando Gorizia e Nova Gorica in un palcoscenico diffuso: nove brevi performance, firmate da importanti coreografi contemporanei, vengono ospitate in spazi storici e luoghi simbolici delle due città, per creare un’esperienza artistica condivisa e senza confini.

Come si svolge

Il percorso si svolge in parte a piedi e in parte in shuttle bus ed ha una durata di circa 2 ore e 30 minuti. Il mattino il percorso si svolge da Nova Gorica a Gorizia (ritrovo alle ore 10.15 al Teatro Nazionale Sloveno Nova Gorica). Il pomeriggio il percorso si svolge da Gorizia a Nova Gorica (ritrovo alle ore 14.15 a Borgo Live Academy). Ciascuna passeggiata prevede la visione di 9 performance. Al termine del percorso i partecipanti sono riaccompagnati al luogo di partenza.

Quando si svolge

Giovedì 9, venerdì 10, sabato 11, domenica 12 ottobre
Sabato 18, domenica 19 ottobre
Ore 10.30 e ore 14.30

ODEC è un invito a vivere i luoghi in modo nuovo, grazie alla danza che rigenera lo sguardo e unisce le due città in un unico racconto culturale, nel segno dello spirito GO! 2025 – Capitale europea della cultura.

Le compagnie che prendono parte a ODEC oltre a CCN/Aterballetto di Reggio Emilia sono la Compagnia Arearea di Udine con NLOCC – Nexus Luminoso Oltre i Confini del Corpo di Anna Savanelli, la Compagnia Bellanda di Monfalcone con Dira Libido di Giovanni Leonarduzzi, la House of Ivona di Fagagna con KUXAPHE di Pablo Girolami, e lo Studio Za Svobodni Ples di Lubiana con De Gratiis, SHE walks up the stairs three times di Daša Grgič.
Il progetto è stato realizzato in collaborazione con il Comune di Gorizia, il Comune di Nova Gorica, la Biblioteca pubblica France Bevk di Nova Gorica, la Fondazione Carigo, l’Epic Center, la Scuola primaria Sant’Angela Merici – Cooperativa Abimis, l’Eda Center, l’Educandato Uccellis di Udine e l’Associazione Danza e Balletto.

I luoghi e le performance

BorGo Live Academy
via Rastello, 29 – Gorizia
Near Life Experience di Angelin Preljocaj
Performer: Arianna Kob, Albert Carol Perdiguer

Palazzo de Grazia
Via Guglielmo Oberdan, 15 – Gorizia
A Gig di Diego Tortelli
Performer: Estelle Bovay, Leonardo Farina (9-12 ottobre),
Ana Patricia Alves Tavares, Nolan Millioud (18-19 ottobre)

Fondazione CaRiGo
Via Giosuè Carducci, 2 – Gorizia
Platform 02 di Ina Lesnakowski
Performer: Gador Lago Benito

Istituto Madri Orsoline
Via Palladio, 6 – Gorizia
KUXAPHE di Pablo Girolami
Performer: Pablo Girolami
prod. Associazione House of IVONA

Piazza Transalpina/Europe Square
Gorizia/Nova Gorica
Eppur si muove. Festa funesta di Francesca Lattuada
Performance partecipata con gli studenti dell’Educandato Statale Collegio Uccellis di Udine

Eda Center
Delpinova Ulica, 18b – Nova Gorica
De Gratiis, SHE walks up the stairs three times di Daša Grgič
Performer: Mojca Majcen, Anja Möderndorfer, Daša Grgič
collaborazione artistica Leonardo Bordin
prod. Studio za svobodni ples Ljubljana

Municipio di Nova Gorica
Trg Edvarda Kardelja, 1 – Nova Gorica
NLOCC – Nexus Luminoso. Oltre i Confini del Corpo di Anna Savanelli
Performer Desy Falletta, Piera Gentile, Anna Savanelli, Riccardo Socionovo
prod. Compagnia Arearea

Goriška knjižnica Franceta Bevka
Trg Edvarda Kardelja, 4 – Nova Gorica
Afterimage di Philippe Kratz
Performer: Matteo Fiorani

Teatro Nazionale Sloveno Nova Gorica
Trg Edvarda Kardelja, 5 – Nova Gorica
Dira Libido di Giovanni Leonarduzzi
Performer: Claudia Lia Latini, Giovanni Leonarduzzi
prod. Compagnia Bellanda

Viaggio nel repertorio del balletto. Teatro San Carlo di Napoli
2025-10-11 18:00 - 19:15 | Fonderia, via della Costituzione, 39, Reggio Emilia, 42124, Italy
Viaggio nel repertorio del balletto, curato e condotto dalla giornalista e critico di danza Francesca Pedroni, con le étoiles del Teatro San Carlo di Napoli.
Giselle: romanticismo, punte e ballet blanc
A cura di Francesca Pedroni
Con le Étoiles Anna Chiara Amirante e Alessandro Staiano, Corpo di ballo del Teatro San Carlo di Napoli
Titolo iconico del romanticismo, nato a Parigi nel 1841 con le coreografie di Jean Coralli e Jules Perrot e la musica di Charles Adam, Giselle è un balletto immancabile dal repertorio di ogni grande compagnia di tradizione. Una storia d’amore che si consuma tra la radiosa ambientazione realistica e contadina del primo atto e il regno notturno del bosco popolato dagli spiriti delle Villi, fanciulle morte di dolore per essere state abbandonate prima delle nozze. Diafane, in tutù bianco e punte, si risvegliano da mezzanotte all’alba e costringono diabolicamente ogni uomo che finisce nel loro cerchio infernale a danzare fino alla morte.
Il Corpo di ballo del Teatro San Carlo di Napoli, diretto da Clotilde Vayer, porta in scena in novembre Giselle a Napoli nella versione coreografica di Patricia Ruanne, ed è intorno a questo titolo che riprende il Viaggio nel repertorio del balletto curato da Francesca Pedroni per il Centro Coreografico Nazionale / Aterballetto. Un incontro spettacolo tra letture, racconti e clip video, con la preziosa partecipazione delle Étoiles Anna Chiara Amirante e Alessandro Staiano, del Corpo di Ballo del San Carlo, che danzeranno dal vivo alcuni tra gli estratti più rappresentativi del balletto, in dialogo con la curatrice.

ANNA CHIARA AMIRANTE
Nata a Napoli, si forma presso la scuola di ballo del Teatro San Carlo di Napoli.
Nel 2006 entra a far parte della compagnia del Teatro San Carlo di Napoli diretta da Elisabetta Terabust. Nello stesso anno Alberto Testa decide di assegnarle il “Premio Positano” come giovane talento emergente. Nel dicembre 2006 entra a far parte del corpo di ballo del Teatro alla Scala di Milano diretto da Frederic Olivieri.
Nel 2007 entra nella compagnia del Teatro dell’Opera di Roma diretta da Carla Fracci, dove interpreta da subito ruoli da solista e prima ballerina tra i quali la principessa russa, i due grandi cigni e il pas de trois ne Il lago dei cigni, le pietre preziose ne La bella addormentata nel bosco, le tre odalische nel balletto Sheherazade, per il balletto Sogno di una notte di mezza estate Paul Chalmer crea per lei il ruolo di “Venere”, in seguito viene scelta per il ruolo della “Fata Confetto”nel balletto Lo Schiaccianoci.
Ma è nell ‘ottobre 2011 che al Teatro dell’Opera va in scena la prima Bayadere, dove Anna Chiara viene scelta per il ruolo da protagonista di “Nikija”. Nell’ottobre 2012 balla il ruolo da prima ballerina della “ballerina di strada” e quello delle “amiche di Kitri” nel Don Quixote di Messerer.

Sempre nel 2014 interpreta vari ruoli da prima ballerina e solista nel suo teatro d’origine il Teatro San Carlo di Napoli come nella Giselle di Lyudmila Semenyaka.
Nel 2016 viene scelta dal maestro M.Lavrosky per il ruolo dei “giovani trovatori” nel balletto Romeo e Giulietta.
Di recente danza il ruolo della “Fata confetto” in Lo Schiaccianoci di Charles Jude.
Interpreta poi altri ruoli da protagonista quali:

“Regina di cuori” nel balletto Alice in Wonderland (cor. Gianluca Schiavoni)
“Echos pas de deux” nel balletto Pink Floyd Ballet (cor. Roland Petit)
Gymnopédies pas de deux (cor. Roland Petit)
“Marina” nel balletto Zorba il greco (cor. L.Massine)
Cenerentola (cor. Giuseppe Picone)
“Marguerite” nel balletto La dama delle camelie (cor. Derek Deane)
“Ippolita” nel balletto Sogno di una notte di mezza estate (cor. Paul Chalmer)
“Regina delle driadi” nel Don Quixote (cor. Aleksej Fadeecev)
“Odette/Odile” nel balletto Il lago dei cigni (cor. Patrice Bart)
Theme and Variations (cor. George Balanchine)
“Giulietta” nel balletto Romeo & Giulietta (cor. Kenneth Macmillan)

Nel dicembre 2022, con il ruolo di Odette/Odile, le viene conferita la nomina da Étoile del Teatro San Carlo dalla direttrice Clotilde Vayer.
A gennaio 2023 partecipa come protagonista alla produzione A Thousand Tales di Francesco Ventriglia all’Opera di Dubai come protagonista, “Raymonda” nel balletto Raymonda, Serenade di George Balanchine.
Nel settembre 2023 riceve ancora una volta il “Premio Positano”, questa volta come miglior interprete.
In seguito interpreta ruoli nei balletti Suite en Blanc di Serge Lifar, In the middle somewhat elevated di William Forsythe, in Onegin di John Cranko.
Partecipa inoltre a vari gala nazionali e internazionali interpretando ruoli di repertorio classico e contemporaneo.
ALESSANDRO STAIANO
Si diploma nel 2011 presso la Scuola di Ballo del Teatro di San Carlo. Nel 2012 lavora al Teatro dell’Opera di Roma per la produzione di Romeo e Giulietta di Patrice Bart. Con il Corpo di Ballo del Teatro di San Carlo, danza da solista e primo ballerino in produzioni quali Lo Schiaccianoci, Romeo e Giulietta, Carmen, Il Lago dei Cigni, Without Words, Il Pipistrello (solista czarda), Cantata, Don Chisciotte, Carmina Burana, Mozart Requiem, Le Corsaire (Conrad).
Nel 2015 danza da primo ballerino ne Lo Schiaccianoci e Giselle. Partecipa al 9° Festival Internacional de Ballet di Cali Colombia. Nel 2016 danza nel ruolo di Frantz, nella Coppélia di Roland Petit. Sempre nel 2016 viene scelto da maestro Lavrosky per interpretare uno dei ruoli principali nel balletto Romeo e Giulietta. Ha partecipato agli spettacoli di “Bolle and Friends” affiancando la star internazionale con il pas de deux di Proust ou les intermittences du coeur (Roland Petit) nel ruolo di Saint Loup.
È invitato come primo ballerino ospite, presso l’Opera National de Bordeaux, per interpretare il ruolo di Franz, nella Coppélia di Charles Jude.
Nel 2017 interpreta il ruolo del Principe, al fianco di Maria Eichwald, nella Cenerentola.
Nello stesso anno interpreterà il ruolo del Fante in Alice in Wonderland (cor. Gianluca Schiavoni ) con Alicia Amatrain.

Nel 2022, sotto la direzione di Clotide Vayer viene nominato Étoile del Teatro San Carlo interpretando il ruolo di “Romeo” nel balletto Romeo e Giulietta (cor. Kenneth MacMillan).
Come Étoile interpreta:
La Rose Malade (cor. Roland Petit), i ruoli principali nel balletto Pink Floyd (cor. Roland Petit ), Zorba il Greco (cor. Leonide Massine), Dama delle Camelie (cor. Derek Deane), Don Chisciotte (cor. Aleksej Fadeecev), Lago dei cigni (R. Nureyev / P. Bart/ R. Nunez), Theme and Variations (G. Balanchine), In the middle somewhat elevated (W.Forsythe), Serenade (Balanchine), A Thousand tales (F. Ventriglia), Don Chisciotte (R. Nureyev), Suite en blanc (S. Lifar), Le Jeune homme et la mort (R. Petit), Onegin (J. Cranko).
Partecipa a numerosi gala nazionali ed internazionali, portando in scena passi a due come: Diana and Acteon , Lago dei Cigni, Pas d’esclave, le Corsaire, Raymonda, Talisman, Don Chisciotte, Sherazade e Thais.
Nel corso della sua carriera ha danzato accanto ad étoile di fama internazionale tra cui: Maria Eichwald, Alicia Amatriain, Maia Makhateli, Ludmila Konovalova, Maria Yakovleva, e molte altre
FRANCESCA PEDRONI
Critico di danza del quotidiano Il manifesto e della rivista Danza&Danza. Per il canale Classica HD (o Sky Classica, canale 124) ha lavorato come autrice e regista della serie Danza in Scena, più di 70 documentari dedicati ad artisti come William Forsythe, Pina Bausch, Alessandra Ferri. Per il cinema ha scritto e diretto il docufilm Roberto Bolle. L’arte della Danza prodotto da Classica e Artedanza srl. Ha curato la collana di dvd I capolavori della danza, edita da Classica HD e dal Corriere della Sera. Insegna Storia della danza all’Accademia Teatro alla Scala dal 2000. Conduce gli incontri di balletto per gli abbonati Under30/35 del Teatro alla Scala.
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Biglietto unico: 6 euro
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NOTTE MORRICONE
2025-10-15 20:00 - 21:30 | National Theater of Opera and Ballet, Pallati i Kulturës, Sheshi Skënderbej, Tirana, Albania
Aterballetto danza Notte Morricone di Marcos Morau all’International Dance Festival of Tirana diretto da Angelin Preljocaj.
“Io, Ennio Morricone, sono morto”, scrisse il compositore prima di congedarsi. La sua musica, invece, non può farlo. Ed è così che i creatori e gli artisti sempre ci lasciano senza lasciarci, ed è in questo modo che la memoria si preoccupa di tenerli vivi, di tenerli al sicuro. Notte Morricone è il mio regalo, un devoto tributo alla bellezza che ha donato al mondo.
Notte Morricone si svolge nel crepuscolo di una notte ordinaria nella vita di un creativo, che solo e stordito davanti ai suoi fogli, prende appunti e visualizza melodie per film che non esistono ancora, riportando in vita storie nell’aria rarefatta della sua stanza.
Marcos Morau – Regista e coreografo

Impossibile descrivere Notte Morricone, pezzo magistrale che arriva a flutti allo spettatore, lo abbraccia con onde emotive, lo cattura nella memoria di melodie intramontabili sopravvissute di gran lunga alle immagini che le hanno generate. Incantevole pure la coreografia cesellata e sempre poetica, composta con maniacale attenzione al dettaglio: gambe e collo sembrano privi di giunture, si flettono e scattano ritmicamente come metronomi.
Maria Luisa Buzzi – Danza&Danza
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Durata 90′

Stuporosa
2025-10-16 20:30 - 21:30 | Fonderia, via della Costituzione, 39, Reggio Emilia, 42124, Italy
Stuporosa di Francesco Marilungo è una vorticosa danza in cui tarantismo, “possessione” e lamento funebre ipnotizzano lo spettatore.
Arriva in Fonderia il Premio Ubu Miglior spettacolo di danza 2024. Francesco Marilungo si ispira ai rituali funebri della tradizione popolare, al tarantismo e al ballo di San Vito per creare Stuporosa, un incredibile lavoro collettivo per 5 performer sull’universalità del dolore luttuoso e sulla sua guarigione.

Crediti
regia e coreografia Francesco Marilungo
con Vera Di Lecce, Martina Di Prato, Barbara Novati, Roberta Racis, Francesca Linnea Ugolini
musica e vocal coaching Vera Di Lecce
spazio e luci Gianni Staropoli
costumi Lessico Familiare
foto e video Luca Del Pia
produzione Körper | Centro Nazionale di Produzione della Danza
co-produzione Fabbrica Europa
con il sostegno di IntercettAzioni – Centro di Residenza Artistica della Lombardia
con il supporto di Short Theatre Festival, Fuori Programma Festival, Teatro Akropolis & Dracma Teatro – Progetto CURA, Did Studio, Base Milano, Qenhun
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Così, apparentemente senza motivo, piangono le cinque performer di Stuporosa, dando vita a un pianto che assume varie sfumature, ora trattenuto, ora soffocato, ora si fa musica, ora sfocia nella speranza, ora diviene canto ricalcando le sonorità di un antico lamento funebre salentino.
I loro corpi si frammentano alla ricerca di forme arcaiche, lontane, che si perdono e sciolgono all’istante. Queste forme sono le figure di pathos, immagini archetipiche del patire umano che si sono tramandate nel tempo attraverso secoli e civiltà, immagini appartenenti a riti funebri passati ma che hanno valore universale perché da quando è stato creato, l’essere umano ha sofferto sempre allo stesso modo. Le cinque performer cercano di recuperare un senso di collettività, una ritualità, di instaurare nuove forme di mutuo soccorso, sussurrando antiche formule magiche, rievocando danze tradizionali, cantando una ninna nanna salentina.
In Stuporosa, come per certi versi avviene nel pianto rituale, si assiste a una stilizzazione del pathos, una sua de-isterizzazione; e la performance in sé vuole essere un invito a riflettere sullo stato di lutto, sulla necessità umana di un istituto culturale condiviso, di un rito comunitario, per superare momenti di crisi individuali.

Francesco Marilungo
Francesco Marilungo, dopo gli studi in Ingegneria e un periodo di ricerca al Von Karman Institute di Bruxelles, frequenta l’Atelier di Teatrodanza alla Paolo Grassi di Milano. Dal 2010 viene a contatto con coreografi di fama internazionale come Julie Anne Stanzak, Masaki Iwana, Yasmine Hugonnet, Jan Fabre, Romeo Castellucci. Negli anni, lavora come performer per Enzo Cosimi, Antonio Marras e Alessandro Sciarroni. Inizia un proprio percorso autoriale alla ricerca di un codice personale tra la performance, la danza e le arti visive. Paradise, vincitore del bando NEXT 2015/2016 della Lombardia, viene selezionato da Anticorpi XL per la Vetrina della Giovane Danza d’Autore 2016. Love Souvenir del 2018 è vincitore del bando Inteatro Festival e del bando Next 2017/2018 della Lombardia.
Con Party Girl, vince il premio Prospettiva Danza 2020 e Cross Award 2020 e viene selezionato per la Nid Platform 2021. Stuporosa debutta a Short Theatre Roma a settembre 2023 e inizia una tournée internazionale. Nel 2024 Stuporosa viene presentato alla Nid Platform nella sezione programmazione e vince il premio UBU 2024 come Miglior Spettacolo di Danza. Il suo nuovo progetto Cani Lunari è vincitore del Premio CollaborAction – Network Anticorpi XL e debutterà a settembre 2025.
Info&Biglietti
BIGLIETTI
Intero: 10 euro
Ridotto under 30, scuole di danza, Liceo Coreutico Matilde di Canossa, over 65, soci CRAL Comune di Reggio Emilia: 6 euro
Ridotto under 8: 3 euro
ACQUISTO BIGLIETTI

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Biglietteria della Fonderia: la biglietteria apre un’ora prima dell’inizio dello spettacolo (via della Costituzione 39, Reggio Emilia).

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Ti vedo. La leggenda del Basilisco
2025-10-18 18:00 - 18:50 | Fonderia, via della Costituzione, 39, Reggio Emilia, 42124, Italy
E se ti raccontasse una favola un enorme abito di stoffa?
Ti vedo. La leggenda del Basilisco del Teatro del Buratto è uno spettacolo avvolgente e poetico, pensato per i più piccoli, che intreccia teatro, mito e magia.Tra streghe, incantesimi e il temuto Re dei serpenti, i bambini saranno trasportati in un viaggio emozionante dove paura e coraggio si incontrano. Un piccolo eroe e un terribile basilisco ci insegneranno che, a volte, basta guardare oltre le apparenze per scoprire che ogni creatura nasconde una possibilità di cambiamento.
Età consigliata: da 4 anni

CREDITI
un progetto di Emanuela Dall’Aglio
con Emanuela Dall’Aglio, Riccardo Paltenghi
regia Emanuela Dall’Aglio
paesaggi sonori e luci Mirto Baliani
costruzioni Emanuela Dall’Aglio, Michele Columna, Riccardo Paltenghi, Caterina Berta
assistente alla regia Beatrice Masala
Una coproduzione Teatro del Buratto, CSS Teatro stabile di innovazione del Friuli Venezia Giulia
età consigliata dai 4 anni
durata 50 minuti
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“Vi vedo, tutte le creature che gli uomini chiamano mostri.
Creature mostruose? mostruose?… chi sono mai? Sono coloro che non possono essere salvati, che sono di una forma non adatta a questo mondo, ma se per una volta fossero loro gli eroi, incauti goffi involontari salvatori di loro stessi.”
N. Haynes

Un abito storia che racconta un mito.
Una grande gonna che contiene in sé tutti gli elementi di questa storia. Una montagna di stoffa rossa in cui una narratrice racconta di una strega e del suo basilisco.
L’uomo ha bisogno di costruire e combattere mostri che racchiudano in sé il male e i difetti del mondo, e questo spettacolo nasce con la creazione, il rito magico che fa nascere un basilisco.
Ora però dobbiamo fronteggiare il Re dei serpenti, una creatura non adatta alla vita tra gli uomini, dai poteri soprannaturali, che semina terrore e che con il solo sguardo trasforma gli esseri viventi in pietra.
Nei secoli molte leggende lo hanno visto come protagonista terribile e mortale.
Attingendo da alcune di queste, la nostra storia inizia con l’arrivo del Basilisco in un tranquillo villaggio, il suo potere genera paura e sconcerto, gli abitanti che non sanno come cacciarlo, incapaci di difendersi da questa magia, si chiudono in casa spaventati.

Ma questa creatura è davvero un mostro o forse è solo incapace di cambiare la sua natura?
Forse inconsapevole di come gestire il suo potere ne è imprigionato.
Soltanto dall’incontro scontro con un piccolo eroe inconsapevole, attraverso il suo incauto coraggio e la sua dolcezza si darà al Basilisco la possibilità di una soluzione, in questo caso di un antidoto magico, uno stratagemma per non fare morire nessuno, né il mostro, né il villaggio.
Attraverso la conoscenza, il coraggio, l’incontro e anche un pizzico di magia, troviamo una nuova soluzione ad una vecchia leggenda.
Teatro del Buratto
Il Teatro del Buratto, fondato nel 1975 a Milano, è un centro di produzione teatrale che unisce teatro d’attore, teatro d’animazione e teatro su nero, con una forte attenzione alla ricerca visiva, musicale e scenografica. Le sue produzioni, rivolte a bambini, adolescenti e adulti, spaziano da classici rivisitati a nuove drammaturgie e affrontano anche temi sociali contemporanei. Attivo a livello nazionale e internazionale, il Buratto è riconosciuto dal Ministero della Cultura come Centro di Produzione Teatrale e gestisce il Teatro Bruno Munari e il Teatro Verdi a Milano. Oltre alla produzione, promuove ospitalità, formazione, laboratori, festival come IF Festival e Segnali, ed è un punto di riferimento per il teatro d’immagine e d’innovazione.
Info, Biglietti, Laboratorio
LABORATORIO AL COMPLETO
SABATO 18 OTTOBRE ORE 16.30 FAMILY CONTACT
LABORATORIO A CURA DELLA COREOGRAFA LAURA MATANO
Family Contact è un momento di condivisione tra bambini e genitori che vuole ricercare nuovi mondi. Stare insieme attraverso il corpo, il movimento, il contatto fisico, creando e costruendo una nuova unione armonica. Per bambini accompagnati da 1 genitore
(comprensivo di biglietto per lo spettacolo delle ore 18.00)
Il laboratorio è solo su prenotazione.

BIGLIETTI Biglietto unico: 6 euro
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I biglietti non sono numerati.

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Solo Echo / Reconciliatio / Glory Hall
2025-10-22 20:30 - 22:00 | Teatro Municipale Valli, Piazza Martiri del 7 luglio, Reggio Emilia, 42121, Italia
Il CCN/Aterballetto danza al Teatro Valli di Reggio Emilia per Festival Aperto.
I danzatori del CCN/Aterballetto sono i protagonisti di una produzione firmata dalla pluripremiata Crystal Pite, coreografa canadese ormai nell’Olimpo della danza. Solo Echo si ispira a due sonate per violoncello e pianoforte di Johannes Brahms e alla poesia “Lines for Winter” di Mark Strand. Come nella poesia di Strand, Solo Echo invoca l’inverno, la musica e il corpo in movimento per esprimere qualcosa di essenziale sull’accettazione e la perdita.
Reconciliatio è un delicato passo a due femminile ispirato alla lettura dell’Apocalisse, firmato da uno dei più importanti coreografi a livello internazionale Angelin Preljocaj.
L’ultima coreografia Glory Hall è la nuova produzione firmata da Diego Tortelli, che regala alla compagnia e al pubblico un affresco di sensualità e travolgente vitalità.

CREDITI
Solo Echo
Coreografia Crystal Pite
Musiche Johannes Brahms (Sonata for Cello and Piano in E Minor, Op. 38: I. Allegro non troppo; Sonata for Cello and Piano in F Major, Op. 99: II. Adagio Affettuoso)
Produzione e riallestimento Fondazione Nazionale della Danza/Aterballetto
Coproduzione Teatro Comunale di Bologna

Reconciliatio
Coreografia Angelin Preljocaj
Musica Ludwig van Beethoven, Sonata al Chiaro di Luna
Produzione Fondazione Nazionale della Danza/Aterballetto

Glory Hall
Coreografia Diego Tortelli
Musica Godspeed You! Black Emperor
Produzione Fondazione Nazionale della Danza/Aterballetto
Coproduzione Teatro Comunale di Bologna

Sogni (di una notte di mezza estate)
2025-10-29 20:30 - 21:30 | Fonderia, via della Costituzione, 39, Reggio Emilia, 42124, Italy
Debutta a Danza in Fonderia la Compagnia Natiscalzi DT con la sua rilettura contemporanea di Sogno di una notte di mezza estate di Shakespeare.
Tra corpi metamorfi, desiderio, magia e destino, la danza diventa linguaggio per esplorare i grandi temi shakespeariani, sostenuta dalle sonorità di Giuseppe Cordaro che intrecciano elettronica e frammenti di Mendelssohn. Un viaggio poetico e visionario che rinnova il dialogo con i classici, rivelando la forza sempre viva della loro magia.
CREDITI
di Natiscalzi DT
coreografie di Tommaso Monza e Claudia Rossi Valli
con Marco Bissoli, Julia Canard, Chiara Esposito, Elena Grappi, Federico Russo, Maxime Schiavon
musiche originali Giuseppe Cordaro / Mendelssohn
testi Claudia Rossi Valli / William Shakespeare
produzione cinqueminuti APS
con il sostegno di MIC – Ministero della Cultura e Regione Emilia Romagna – Spettacolo dal vivo
un ringraziamento a Vignale in Danza, Festival Teatro nel Bicchiere e Teatro Sociale di Gualtieri
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In un bosco che non appartiene a nessun tempo, ma che esiste in un limbo tra sogno e realtà, sei danzatori e danzatrii si muovono in cerca di risposte, come pedine di un gioco cosmico, apparentemente guidato dal caso.
Lo spettacolo è una rivisitazione contemporanea del classico shakespeariano Sogno di una notte di mezza estate, dove corpo e danza diventano il mezzo per esplorare temi universali quali amore e desiderio, ma anche magia e trasformazione, insieme al gioco di equivoci e al ruolo imprevedibile del destino.
I sei performer sono figure fluide, poliedriche e metamorfiche, che si muovono tra i ruoli di amanti, creature del bosco e alter ego onirici, sfidando le convenzioni di identità e realtà; la figura di Puck, guida del mondo onirico e simbolo del caso, emerge attraverso partiture corali, che rivendicano l’imprevedibile come possibilità e trasformazione, il sogno come fuga e rifugio, strumento evanescente di rivendicazione e ribellione.

Il potere visionario del sogno è sostenuto (come cifra stilistica ampiamente consolidata dalla Compagnia) anche dall’apporto scenografico e dal panorama sonoro appositamente creato dal compositore Giuseppe Cordaro, che combina sonorità elettronica a frammenti dell’opera di Mendelssohn, in connessione con la fusione tra classico e contemporaneo che caratterizza l’intero spettacolo, quasi a ribadire il groviglio di relazioni shakespeariano.
Ancora una volta la Compagnia Natiscalzi DT si cimenta in un’opera di rivisitazione del classico, come già successo con Lo Schiaccianoci e Annotazioni per un Faust, questa volta per fare rivivere la poesia senza tempo di Shakespeare, nella profonda convinzione della necessità di studiare le grandi opere con occhi nuovi di generazione in generazione; per legare autori, interpreti e pubblico in un viaggio alla riscoperta dell’ arte che ci ricorda che la magia (del teatro e non solo) non è scomparsa: è solo nascosta, in attesa di essere risvegliata.

COMPAGNIA NATISCALZI DT
Natiscalzi DT nasce dalla collaborazione tra Tommaso Monza e Claudia Rossi Valli, danzatori e coreografi uniti da un linguaggio comune che intreccia poesia, ironia e uno sguardo attento sulla vita. Fondata nel 2016, la compagnia Natiscalzi DT rappresenta un laboratorio creativo in continua evoluzione: unendo danza, teatro e arti performative, la compagnia esplora temi universali attraverso una poetica profonda e a tratti visionaria. Compagnia di spicco nel panorama del teatro danza e della danza contemporanea nazionale, la Compagnia Natiscalzi DT ha creato opere come Mary’s Bath (Premio della Critica Palio Poetico ErmoColle 2015, Menzione Speciale Premio Sonia Bonacina 2016, Finalista Direction Under 30 VII edizione 2020, Menzione d’Onore Teatro Festival Valtellina 2021); Lo Schiaccianoci (Vincitore Bando Residenze Coreografiche Lavanderia a Vapore 2016 | Fondazione Piemonte dal Vivo, selezionato da CID Cantieri OrienteOccidente 2017); DIVINO (Vincitore Bando Toscana Terra Accogliente 2022); Dreaming Costa Rica (Sostenuto nella distribuzione da MIC/Bando SIAE Per Chi Crea 2024); COSA HAI IN TESTA? (Vincitore Premio Scenario Infanzia 2024).
Info&Biglietti
BIGLIETTI
Intero: 10 euro
Ridotto under 30, scuole di danza, Liceo Coreutico Matilde di Canossa, over 65, soci CRAL Comune di Reggio Emilia: 6 euro
Ridotto under 8: 3 euro
ACQUISTO BIGLIETTI

ONLINE: https://www.biglietteriafonderia39.it/home.aspx
Biglietteria della Fonderia: la biglietteria apre un’ora prima dell’inizio dello spettacolo (via della Costituzione 39, Reggio Emilia).

I biglietti non sono numerati.
CONTATTI PER PRENOTAZIONI
Cell e whatsapp 3341023554
Email biglietteria@aterballetto.it

NOTTE MORRICONE
2025-11-01 20:30 - 22:00, 2025-11-02 16:00 - 17:30 | Teatro Comunale, Corso Martiri della Libertà, 5, Ferrara, 44121, Italia
Il 1 e 2 novembre 2025 Aterballetto danza Notte Morricone di Marcos Morau al Teatro Comunale di Ferrara per il Festival di Danza Contemporanea.
“Io, Ennio Morricone, sono morto”, scrisse il compositore prima di congedarsi. La sua musica, invece, non può farlo. Ed è così che i creatori e gli artisti sempre ci lasciano senza lasciarci, ed è in questo modo che la memoria si preoccupa di tenerli vivi, di tenerli al sicuro. Notte Morricone è il mio regalo, un devoto tributo alla bellezza che ha donato al mondo.
Notte Morricone si svolge nel crepuscolo di una notte ordinaria nella vita di un creativo, che solo e stordito davanti ai suoi fogli, prende appunti e visualizza melodie per film che non esistono ancora, riportando in vita storie nell’aria rarefatta della sua stanza.
Marcos Morau – Regista e coreografo

Impossibile descrivere Notte Morricone, pezzo magistrale che arriva a flutti allo spettatore, lo abbraccia con onde emotive, lo cattura nella memoria di melodie intramontabili sopravvissute di gran lunga alle immagini che le hanno generate. Incantevole pure la coreografia cesellata e sempre poetica, composta con maniacale attenzione al dettaglio: gambe e collo sembrano privi di giunture, si flettono e scattano ritmicamente come metronomi.
Maria Luisa Buzzi – Danza&Danza
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Durata 90′

ITALIA DANZA - VISIONI DEL CORPO. MAURIZIO CATTELAN
2025-11-04 18:30 - 19:30 | Istituto Italiano di Cultura di Parigi, 50, rue de Varenne, Parigi, France
Maurizio Cattelan Bidibidobidiboo 1996 photo Zeno Zotti copia (Palazzo Grassi, Venezia)
Martedì 4 novembre il CCN/Aterballetto è all’Istituto Italiano di Cultura di Parigi con Visioni del corpo: conoscere l’arte contemporanea attraverso la danza d’autore.

Nicolas Ballario, uno dei 100 volti più influenti nel mondo dell’arte per Il Giornale dell’arte, accompagna il pubblico alla scoperta della storia e della poetica di Maurizio Cattelan, uno degli artisti italiani contemporanei più noti e controversi a livello internazionale.
Al centro della serata vi sono tre opere di Cattelan, irriverenti e provocatorie, capaci di mettere in discussione l’arte e la società con ironia tagliente e grande impatto visivo.
La coreografa Lara Guidetti, grazie ai danzatori del CCN/Aterballetto Alessia Giacomelli e Kiran Gezels, dà corpo e movimento alle visioni “cattelaniane”, trasformando l’ironia, il paradosso e il non detto delle sue opere in gesto fisico.

Visioni del Corpo. Maurizio Cattelan per l’Istituto Italiano di Cultura di Parigi è all’interno di Italia Danza, co-progettazione della Direzione Generale per la Diplomazia pubblica e culturale (MAECI) e del CCN/Aterballetto.

Maurizio Cattelan, Him, 2001, ph Tom Lindboe (Blenheim) A

Lara Guidetti
Lara Guidetti nel 2006 si diploma come danzatrice e coreografa presso l’Atelier di teatro-danza della Scuola Paolo Grassi di Milano, studiando con grandi maestri nazionali e internazionali. Prosegue nella formazione legata al mondo della danza e della performing-art studiando diversi metodi di pedagogia e training attraverso laboratori e produzioni. Nel 2008 fonda la compagnia Sanpapié di cui è direttrice artistica, coreografa, regista e interprete, presentando opere in tutta Italia, Europa, Cina e Arabia Saudita. Nel 2017 il suo spettacolo LEI ha vinto il Premio Bonacina. Collabora con la compagnia JGM di Lisbona, con la Scala di Milano in qualità di danzatrice e acrobata e firma le coreografie di opere liriche. È stata docente presso le scuole Paolo Grassi e Dancehaus di Milano e la scuola del Teatro Stabile di Torino. Dal 2022 è artista associata del festival MilanOltre e collaboratrice del CCN/Aterballetto come coreografa e curatrice di progetti site-specific e di welfare culturale.

Nicolas Ballario
Nicolas Ballario, classe 1984, si occupa di arte contemporanea applicata ai media. Dopo aver terminato gli studi all’accademia di fotografia entra nella factory di Oliviero Toscani ‘La Sterpaia’, della quale diventerà poi responsabile culturale. Ha collaborato con le più importanti istituzioni artistiche e con numerose testate e nel 2016 è stato il più giovane di sempre a vincere il Premio Bassani, uno dei più prestigiosi riconoscimenti per giornalisti che si sono distinti in ambito culturale e ambientale. Attualmente è autore e conduttore dei programmi di arte contemporanea di Radio Uno Rai e collabora con L’Espresso (dove tiene una rubrica fissa settimanale), Living del Corriere della Sera, il Post e Il Giornale dell’Arte. Nel 2019 conduce il format sulla fotografia “Camera Oscura”, su LA7, mentre dal 2020 è alla conduzione su Sky Arte delle trasmissioni “Io ti vedo, tu mi senti?”, “Italia Contemporanea” e “The Square”. Dirige la neonata azienda di produzione di mostre “Piuma” ed è fondatore e presidente di Cucù, studio di comunicazione dedicato alla cultura. Cura esposizioni e cataloghi. Il magazine Artribune lo ha inserito nel ‘Best of’ delle eccellenze del mondo dell’arte per due anni consecutivi: nel 2019 per la radio e nel 2020 per i progetti televisivi.
