Centro Coreografico Nazionale / Aterballetto

NOTTE MORRICONE
2026-01-24 18:00 - 19:30, 2026-01-25 16:00 - 17:30 (Europe/Rome) | Théâtre de Liège, Place du 20-Août, 16, Liège, 4000, Belgium
Nella prestigiosa cornice del Pays de Danses Festival di Liegi, Aterballetto danza Notte Morricone di Marcos Morau dal 23 al 25 gennaio 2026.
“Io, Ennio Morricone, sono morto”, scrisse il compositore prima di congedarsi. La sua musica, invece, non può farlo. Ed è così che i creatori e gli artisti sempre ci lasciano senza lasciarci, ed è in questo modo che la memoria si preoccupa di tenerli vivi, di tenerli al sicuro. Notte Morricone è il mio regalo, un devoto tributo alla bellezza che ha donato al mondo.
Notte Morricone si svolge nel crepuscolo di una notte ordinaria nella vita di un creativo, che solo e stordito davanti ai suoi fogli, prende appunti e visualizza melodie per film che non esistono ancora, riportando in vita storie nell’aria rarefatta della sua stanza.
Marcos Morau – Regista e coreografo

Impossibile descrivere Notte Morricone, pezzo magistrale che arriva a flutti allo spettatore, lo abbraccia con onde emotive, lo cattura nella memoria di melodie intramontabili sopravvissute di gran lunga alle immagini che le hanno generate. Incantevole pure la coreografia cesellata e sempre poetica, composta con maniacale attenzione al dettaglio: gambe e collo sembrano privi di giunture, si flettono e scattano ritmicamente come metronomi.
Maria Luisa Buzzi – Danza&Danza
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Durata 90′
Le performance sono in collaborazione con la Direzione Generale per la Diplomazia Pubblica e Culturale del Maeci e con l’Istituto Italiano di Cultura di Bruxelles.

Il combattimento di Tancredi e Clorinda
2026-01-25 15:00 - 16:00, 2026-01-25 17:00 - 18:00 | Palazzo Bentivoglio, Piazza Bentivoglio, 32, Gualtieri, RE, Italy
Il Combattimento di Tancredi e Clorinda è a Palazzo Bentivoglio di Gualtieri.
Domenica 25 gennaio 2026 ore 15.00 e ore 17.00
La Fondazione Museo Antonio Ligabue ha un sogno: trasformare il Salone dei Giganti del Palazzo Bentivoglio in un teatro vivo. Anzi, vuole che gli affreschi raffiguranti scene dalla Gerusalemme liberata di Torquato Tasso prendano vita con la danza del Combattimento di Tancredi e Clorinda a cura del Centro Coreografico Nazionale / Aterballetto.
Non si tratta di un semplice spettacolo. È un evento site-specific irripetibile. Perché la Sala dei Giganti custodisce proprio gli affreschi che narrano il tragico duello tra Tancredi e Clorinda. Arte dipinta e arte performativa si guarderanno negli occhi. Il mito diventerà carne, respiro e movimento.
Vuoi contribuire alla realizzazione di questo sogno ambizioso e far parte del mito?
Partecipa alla campagna di crowdfunding qui!

Il tema dell’amore travolto dalla guerra e dalla morte, ispirato alla vicenda di Tancredi e Clorinda raccontata da Torquato Tasso nella Gerusalemme Liberata (di cui nel 2025 ricorre il 450° anniversario dalla prima stesura) e messa in musica da Claudio Monteverdi (1624), conserva un’attualità sorprendente. Il CCN/Aterballetto interpreta questa eredità attraverso la danza, suo linguaggio privilegiato per restituire l’intensità e la drammaticità dell’opera, con una performance firmata da Fabio Cherstich e Philippe Kratz, interpretata dai danzatori Alessia Giacomelli e Kiran Gezels, dal tenore Matteo Straffi e dal clavicembalista Deniel Perer.
La performance è preceduta e seguita da interventi di Antonio Audino, critico teatrale e giornalista di RadioRai3, che con la sua nota chiarezza accenderà un bagliore contemporaneo in quelli che sono “testi sacri” del patrimonio culturale italiano.

CREDITI
Regia e visual: FABIO CHERSTICH
Coreografia e movimenti scenici: PHILIPPE KRATZ
Musica: IL COMBATTIMENTO DI TANCREDI E CLORINDA di CLAUDIO MONTEVERDI
Danzatori: ALESSIA GIACOMELLI, KIRAN GEZELS
Cantante: MATTEO STRAFFI
Cembalo: DENIEL PERER
Coproduzione: FONDAZIONE NAZIONALE DELLA DANZA / ATERBALLETTO, TEATRO REGIO DI PARMA / FESTIVAL VERDI, TORINODANZA FESTIVAL – TEATRO STABILE DI TORINO – TEATRO NAZIONALE, GHISLIERIMUSICA – CENTRO DI MUSICA ANTICA
Nato a settembre 2024, Il Combattimento di Tancredi e Clorinda è un progetto per la valorizzazione delle attività di spettacolo dal vivo negli istituti e nei luoghi della cultura promosso dalla Direzione generale Musei e cofinanziato della Direzione generale Spettacolo.
Per la realizzazione del progetto, i Musei nazionali di Perugia – Direzione regionale Musei nazionali Umbria – e in particolare il Museo archeologico nazionale e Teatro romano di Spoleto – hanno istituito, con il supporto della Direzione generale Musei, un partenariato condiviso da altri cinque importanti luoghi della cultura: Villa Pisani a Stra, il Castello e Parco di Racconigi, il Castello Svevo di Bari, la Certosa di San Martino a Napoli e il Parco archeologico di Venosa; a questi si è aggiunto Castel Sant’Angelo a Roma, che ha ospitato l’iniziativa nell’ambito della rassegna estiva Sotto l’angelo di Castello 2024.

Il progetto si inserisce all’interno di Italia Danza, coprogettazione a cura di Direzione Generale per la Diplomazia Pubblica e Culturale del Maeci e CCN/Aterballetto per la promozione del patrimonio artistico italiano all’estero.
CORPI COME SPECCHI
Nella mia visione de Il Combattimento di Tancredi e Clorinda, immagino uno spazio ristretto e circolare, dove la vicinanza e la somiglianza dei corpi giocano un ruolo fondamentale. Con il coreografo Philippe Kratz, esploriamo l’idea dei corpi come specchi, narrando così di un’umanità in lotta contro sé stessa. Eros e Thanatos emergono come forze egualmente potenti, creando un’atmosfera paradossale in questa lotta perfettamente equilibrata tra esseri umani. Tancredi e Clorinda, nella nostra visione, sono guerrieri contemporanei legati indissolubilmente l’uno all’altra, costretti a lottare e ad agire una storia già scritta.
Una sola voce darà vita a tre personaggi: il testo stesso, Tancredi e Clorinda si fonderanno nel corpo e nel suono di un cantante. Questo suono straniato e vincolato da un percorso circolare crea una sensazione di ripetizione costante, sottolineando il ciclo senza fine di questa storia d’amore e morte, destinata purtroppo a ripetersi attraverso i secoli e giungere fino a noi con tutta la sua forza, come emanazione della potenza poetica della parola di Tasso e della musica sublime di Monteverdi.
Fabio Cherstich, Regista
LOTTA INTERIORE
Del racconto tassiano, trasposto da Claudio Monteverdi in musica, i temi più ovvi sono la lotta tra donna e uomo e la conversione religiosa, ma sono anche gli aspetti che trovo meno intriganti: adattandoli nella danza, si cadrebbe in una narrazione di circostanze di fatto.
Una lettura più filosofica o psicoanalitica di questa lotta dalla quale i due protagonisti escono sconfitti, ingannati e solitari, mi appare molto più interessante. Nell’opposizione dei due ruoli c’è già un mondo: il cercarsi, il confrontarsi e il ferirsi a vicenda. La dinamica è quella del rituale bellico e conflittuale di due entità che si avvicinano. L’assurdità dell’atto si manifesta quando una delle due persone perde la vita, e realizziamo che l’altra persona, comunque, non ha vinto… una ferita forte e condivisa, che rimane su entrambi i corpi. Sono quindi due persone che combattono tra di loro o forse è una persona che lotta con sé stessa?
Philippe Kratz, Coreografo

NOTTE MORRICONE
2026-01-28 19:30 - 21:00, 2026-01-29 19:30 - 21:00 | Theater Gütersloh, Barkeystraße 15, Gütersloh, 33330, Germania
Il 28 e 29 gennaio 2026, Aterballetto danza Notte Morricone di Marcos Morau al Theater Gütersloh in Germania.
“Io, Ennio Morricone, sono morto”, scrisse il compositore prima di congedarsi. La sua musica, invece, non può farlo. Ed è così che i creatori e gli artisti sempre ci lasciano senza lasciarci, ed è in questo modo che la memoria si preoccupa di tenerli vivi, di tenerli al sicuro. Notte Morricone è il mio regalo, un devoto tributo alla bellezza che ha donato al mondo.
Notte Morricone si svolge nel crepuscolo di una notte ordinaria nella vita di un creativo, che solo e stordito davanti ai suoi fogli, prende appunti e visualizza melodie per film che non esistono ancora, riportando in vita storie nell’aria rarefatta della sua stanza.
Marcos Morau – Regista e coreografo

Impossibile descrivere Notte Morricone, pezzo magistrale che arriva a flutti allo spettatore, lo abbraccia con onde emotive, lo cattura nella memoria di melodie intramontabili sopravvissute di gran lunga alle immagini che le hanno generate. Incantevole pure la coreografia cesellata e sempre poetica, composta con maniacale attenzione al dettaglio: gambe e collo sembrano privi di giunture, si flettono e scattano ritmicamente come metronomi.
Maria Luisa Buzzi – Danza&Danza
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Durata 90′

Rhapsody in blue / Solo Echo / Glory Hall
2026-02-06 19:30 - 21:00, 2026-02-07 19:30 - 21:00 | Royal Theatre, 805 Broughton Street, Victoria, Canada
Aterballetto danza in Canada all’interno del Dance at the Royal Series di Dance Victoria il 6 e 7 febbraio 2026.
In scena Rhapsody in blue di Iratxe Ansa e Igor Bacovich, coreografia divertente, vivace, come l’omonimo brano di Gershwin. A seguire Solo Echo di Crystal Pite che, attraverso le sonate per pianoforte e violoncello di Brahms, invoca l’inverno per esprimere qualcosa di essenziale sull’accettazione e la perdita. L’ultima coreografia Glory Hall è la nuova produzione firmata da Diego Tortelli, che regala alla compagnia e al pubblico un affresco di sensualità e travolgente vitalità.

Impromptus. Arie, danze e improvvisazioni
2026-02-06 21:00 - 22:00 | Artificerie Almagià, via dell’Almagià, 50, Ravenna, Italy
IMPROMPTUS
Arie, danze e improvvisazioni
Il Centro Coreografico Nazionale / Aterballetto e Fondazione Ravenna Manifestazioni collaborano ancora insieme per dare vita al progetto dove danza e musica si incontrano, si intrecciano e si trasformano in performance inedite. La volontà è quella di creare uno spazio creativo in cui coreografi e musicisti lavorino fianco a fianco, dando forma a opere che nascono dall’improvvisazione e dalla reciproca ispirazione.
L’obiettivo del progetto è di esplorare nuovi modi di interazione tra movimento e suono, favorendo una relazione fluida e spontanea tra le due discipline. Danzatori e musicisti attraverso la sperimentazione artistica si spingono oltre i confini tradizionali della composizione, creando brevi performance (dai 15 ai 20 minuti) che esprimano l’intensità di questo incontro.
Venerdì 6 febbraio, ore 21.00
Artificerie Almagià, Ravenna
Simone Zanchini fisarmonica
Matilde Di Ciolo e Matteo Capetola danzatori

Impromptus. Arie, danze e improvvisazioni
2026-02-07 20:30 - 21:30 | Fonderia, via della Costituzione, 39, Reggio Emilia, 42124, Italy
IMPROMPTUS
Arie, danze e improvvisazioni
Il Centro Coreografico Nazionale / Aterballetto e Fondazione Ravenna Manifestazioni collaborano ancora insieme per dare vita al progetto dove danza e musica si incontrano, si intrecciano e si trasformano in performance inedite. La volontà è quella di creare uno spazio creativo in cui coreografi e musicisti lavorino fianco a fianco, dando forma a opere che nascono dall’improvvisazione e dalla reciproca ispirazione.
L’obiettivo del progetto è di esplorare nuovi modi di interazione tra movimento e suono, favorendo una relazione fluida e spontanea tra le due discipline. Danzatori e musicisti attraverso la sperimentazione artistica si spingono oltre i confini tradizionali della composizione, creando brevi performance (dai 15 ai 20 minuti) che esprimano l’intensità di questo incontro.
Sabato 7 febbraio, ore 20.30
Fonderia, Reggio Emilia
Simone Zanchini fisarmonica
Matilde Di Ciolo e Matteo Capetola danzatori
Dalle ore 19.30 aperitivo a cura del Mercato del Tricolore / Campagna Amica

Info & Biglietti
BIGLIETTI
10 euro
ACQUISTO BIGLIETTI

ONLINE: https://www.biglietteriafonderia39.it/home.aspx
Biglietteria della Fonderia: la biglietteria apre un’ora prima dell’inizio dello spettacolo (via della Costituzione 39, Reggio Emilia).

I biglietti non sono numerati.
CONTATTI PER PRENOTAZIONI
Cell e whatsapp 3341023554
Email biglietteria@aterballetto.it

Rhapsody in blue / Solo Echo / Glory Hall
2026-02-11 19:30 - 21:00, 2026-02-12 19:30 - 21:00 | Memorial Auditorium, 551 Jane Stanford Way, Stanford, 94305, United States
Aterballetto danza a Stanford in California l’11 e 12 febbraio 2026.
In scena Rhapsody in blue di Iratxe Ansa e Igor Bacovich, coreografia divertente, vivace, come l’omonimo brano di Gershwin. A seguire Solo Echo di Crystal Pite che, attraverso le sonate per pianoforte e violoncello di Brahms, invoca l’inverno per esprimere qualcosa di essenziale sull’accettazione e la perdita. L’ultima coreografia Glory Hall è la nuova produzione firmata da Diego Tortelli, che regala alla compagnia e al pubblico un affresco di sensualità e travolgente vitalità.

BOW
2026-02-12 18:00 - 19:00 | Fonderia, via della Costituzione, 39, Reggio Emilia, 42124, Italy
BOW – prova aperta
Per la prima volta Gaetano Palermo e Michele Petrosino sono ospiti della rassegna Danza in Fonderia.
Lo spettatore avrà l’opportunità di assistere al work in progress di BOW, nuovo progetto coreografico che indaga l’atto dell’inchino come gesto attraversato dal tempo.
Lontano dall’essere un elogio, BOW esplora l’inchino come forma corporea ambigua e stratificata, che nel corso della storia ha assunto un forte valore sociale, politico e culturale. Tra ripiegamento verso il sé e apertura verso l’altro, il gesto si fa luogo di tensione tra riconoscimento e sottomissione, intimità e rappresentazione pubblica.Attraverso il corpo dei performer, BOW riattiva la memoria di questo gesto nel presente, rendendo visibili le dinamiche temporali che continuano ad abitare i nostri corpi.

CREDITI
una performance di Gaetano Palermo, Michele Petrosino
sound design Luca Gallio
light design in via di definizione
produzione: KLm
con il sostegno di SIAE – Per Chi Crea
con il supporto di SupportER – Rete Anticorpi Emilia-Romagna
Con il sostegno del MiC e di SIAE, nell’ambito del programma “Per Chi Crea”
SCOPRI DI PIù
Bow è un progetto coreografico incentrato sull’atto dell’inchino o della riverenza (in inglese bow) tipico dei contesti teatrali e religiosi e diffuso in forme e modalità differenti anche sul piano sociale dei saluti, del riconoscimento e del consenso. Attraverso una scrittura incarnata nel corpo dei performer, l’idea è quella di sviluppare un’analisi delle tensioni e delle ambiguità tipiche di questo gesto ripercorrendone la storia attraverso un catalogo delle sue varianti volto a coglierne le implicazioni sociopolitiche e psicologiche.
Insieme ripiegamento verso il sé e apertura verso l’altro, la pratica dell’inchino o della riverenza, è segno di un’attestazione di presenza cui si riconosce potenza vitale, mondana o divina. A questo riconoscimento, di cui l’inchino è la significazione corporea, corrisponde una disposizione umana di dipendenza, obbligo, servizio o preghiera, volti al trascendimento di un limite o all’ottenimento di un dono, di una grazia. Al confine tra intimità soggettiva e rappresentazione pubblica, questo gesto assume diverse significazioni in base al grado di piegamento che dalla semplice inclinazione del capo può arrivare fino alla genuflessione o alla prostrazione assoluta. Abnegazione e salvezza, servilismo e potere convivono in una tensione fisica che trova nell’inchino la sua fragile e potente misura.
PALERMO / PETROSINO

Palermo/Petrosino è un duo composto da Gaetano Palermo e Michele Petrosino, attivo tra danza contemporanea e arti visive. La loro ricerca indaga l’ontologia del movimento, dalla stasi alla trasformazione, con una forte attenzione ai dispositivi percettivi e alla relazione tra corpo, immagine e sguardo. Il loro lavoro è sostenuto e presentato da istituzioni e festival quali La Biennale di Venezia, Triennale Milano, MAMbo Bologna, Fondazione I Teatri di Reggio Emilia, Teatro Regio di Parma, Santarcangelo Festival, Kilowatt Festival. Nel 2025 vincono il bando SIAE – Per Chi Crea con BOW.
Gaetano Palermo, con formazione tra filosofia, arti performative e arti visive (Università di Bologna, IUAV Venezia, Accademia di Kassel), ha lavorato con artisti quali Bruce Nauman, Romeo Castellucci, Chiara Guidi, Claudia Castellucci, Tamara Cubas. Ha presentato lavori alla Biennale di Venezia, in festival e contesti nazionali e internazionali.
Michele Petrosino, artista e performer, ha una formazione tra teatro, danza e studi letterari (Università di Bologna). Ha collaborato con Kinkaleri, Nico Vascellari, Bruce Nauman, ed è performer in Bros di Romeo Castellucci (2021–2023). Insieme a Palermo è autore di Still, vincitore del Premio CosmoGiani 2024.

INFO & BIGLIETTI
BIGLIETTI
3 euro per tutti / omaggio under 6
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I biglietti possono essere acquistati online su www.biglietteriafonderia39.it.
Il servizio di biglietteria in Fonderia è attivo un’ora prima dell’inizio dello spettacolo.
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CONTATTI
Cell e whatsapp 3341023554

Studio su Macbeth
2026-02-23 18:00 - 19:00 | Fonderia, via della Costituzione, 39, Reggio Emilia, 42124, Italy
Studio per Macbeth – prova aperta
Danza in Fonderia apre le porte a una prova aperta di Studio su Macbeth, nuovo lavoro di Monica Casadei con la sua compagnia Artemis Danza.
Un’immersione nel processo creativo che rilegge il capolavoro shakespeariano attraverso il corpo, il ritmo e la tensione del tempo interiore. Ambizione, potere e destino prendono forma in una scrittura coreografica intensa e viscerale, dove il movimento diventa spazio di conflitto e trasformazione. Un’occasione unica per assistere da vicino alla nascita di una creazione e al dialogo vivo tra danza e drammaturgia.

Di origine ferrarese e laureata con lode con una tesi su Platone e la danza, Monica Casadei, dopo una carriera agonistica in ginnastica ritmica, si dedica allo studio della danza classica e moderna, prima in Italia, poi a Londra, infine a Parigi, dove incontra i coreografi Pierre Doussaint e Isabelle Doubouloz e il maestro André Cognard Hanshi So shihan, con il quale tutt’ora pratica l’arte marziale dell’Aikido. Fonda in Francia la compagnia Artemis Danza, con la quale si trasferisce in Italia nel 1997 dando vita a un’intensa attività di produzione che conta, ad oggi, oltre quaranta creazioni originali. Dal 1998 al 2007 la Compagnia è in residenza alla Fondazione Teatro Due di Parma, mentre dal 2014 è in residenza artistica al Teatro Comunale di Bologna. Artemis Danza è stata invitata nei più importanti teatri e Festival italiani, in numerose tournée e festival internazionali.
Fondamentali nella ricerca artistica di Monica Casadei sono la contaminazione con differenti territori artistici, culturali e geografici, oltre all’esplorazione di luoghi e spazi urbani che divengono teatro di azioni performative.
Accanto all’attività di produzione, Artemis sostiene, produce e promuove giovani autori e realizza molteplici attività per la formazione del pubblico.

INFO & BIGLIETTI
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3 euro per tutti / omaggio under 6
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Made in Italy 37.0
2026-02-26 20:30 - 21:30 | Fonderia, via della Costituzione, 39, Reggio Emilia, 42124, Italy
I giovani talenti di Agora Coaching Project per Danza in Fonderia.

Protagonisti della serata sono i danzatori di Agora Coaching Project, un progetto di alta formazione promosso e sostenuto dalla MM Contemporary Dance Company e dall’A.S.D Progetto Danza di Reggio Emilia con la direzione artistica di Michele Merola ed Enrico Morelli. Iniziato nel 2010, il corso sta ottenendo pieno riconoscimento nel mondo della danza europea e vanta collaborazioni con insegnanti e coreografi di fama internazionale.
Per la nuova serata di Made in Italy Agora Coaching Project porterà sul palco della Fonderia coreografie di Roberto Tedesco, già danzatore di Aterballetto e da diversi anni una delle firme autoriali più interessanti del panorama coreografico italiano.

AGORA COACHING PROJECT
AGORA COACHING PROJECT è un progetto annuale di perfezionamento nella danza rivolto a danzatori di età compresa fra i 18 e i 22 anni, che ha sede a Reggio Emilia. Nato nel 2010, è diretto da Michele Merola ed Enrico Morelli, ed è promosso e sostenuto dalla MM Contemporary Dance Company e dal Centro Permanente Danza di Reggio Emilia. Si prefigge di formare artisti pronti ad affrontare in maniera flessibile la varietà del mercato internazionale della danza, artisti capaci di rispondere alle richieste di diversa natura, tecnico/stilistica, che provengono da questo stesso mercato. Il progetto vuole offrire un ampio ventaglio di stimoli, di carattere tecnico, culturale e di scambio tra allievi e coreografi, ciascuno dei quali proviene da e opera in realtà diverse tra le più interessanti del panorama internazionale. Agora infatti fa incontrare i ragazzi con affermati coreografi di orientamento stilistico diverso, e ha visto in questi anni la presenza di tanti nomi illustri: con Michele Merola ed Enrico Morelli collaborano alla realizzazione del progetto diversi docenti, dotati, ciascuno, di provata e qualificata esperienza nel settore.

INTERPRETI AGORA COACHING PROJECT
Riccardo Basile, Sara Bianchi, Tommaso Brintazzoli, Alisa Businaro, Anita Campanini, Simone Casella, Giovanni Cennamo, Giulia Chiletti, Margherita Ciardi, Alessandra Fusco, Giulia Giannini, Samuele Iannacchero, Louis Franck Kamta, Marica Lisco, Elena Manfredini, Nicolò Marroccu, Linda Massai, Sofia Oliva, Alessia Romeo, Paula Salinas Alvarez, Alice Scarangelli, Loris Schirinzi, Gabriel Sprovieri, Chiara Tonussi, Claudio Tornesi, Carolina Torrini, Michelle Tuani, Eva Vannini, Camilla Veronesi

INFO E BIGLIETTI
BIGLIETTI
Intero: 10 euro
Ridotto under 30, scuole di danza, Liceo Coreutico Matilde di Canossa, over 65, soci CRAL Comune di Reggio Emilia: 6 euro
Ridotto under 8: 3 euro
ACQUISTO BIGLIETTI
I biglietti possono essere acquistati online su www.biglietteriafonderia39.it
La biglietteria apre un’ora prima dell’inizio dello spettacolo
I biglietti non sono numerati
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Cell e whatsapp 3341023554
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Body Sweats
2026-03-01 18:00 - 19:00 | Fonderia, via della Costituzione, 39, Reggio Emilia, 42124, Italy
Girls just wanna have… PLEASURE
La prova aperta di Giorgia Lolli dà il via alla Dance Week che omaggia la creatività femminile.
Il piacere può essere una forza motrice nella creazione? Il nuovo progetto di Giorgia Lolli è un omaggio alla Baronessa Elsa von Freytag-Loringhoven, artista femminista, “madre” del Dadaismo.
CREDITI
Di Giorgia Lolli
Con Vittoria Caneva, Elena Grappi, Maria Chiara Vitti, Giorgia Lolli​
Costumi Eva-Liis Lidenburg, Sara Lando (tigre)
Suono Sebastian Kurtén
Drammaturgia Piero Ramella
Produzione: Nexus Factory
con il contributo di Ministero della Cultura, Regione Emilia-Romagna, Comune di Bologna
con il sostegno di supportER – Rete Anticorpi Emilia-Romagna, Nouveau Grand Tour 2024 (IIC di Parigi e Le Gymnase CNDC, Roubaix), Ira Institute, Operaestate/CSC Centro di Residenza del Veneto – Vene.Re, Piemonte dal Vivo nell’ambito del progetto Residenze Coreografiche Lavanderie a Vapore, I Teatri di Reggio Emilia, HOME 2025 / Dance Gallery Perugia, City of Espoo Culture Committee, Graner (Barcellona)
all’interno di LANDING, progetto sostenuto dal Ministero degli Affari Esteri e della Cooperazione Internazionale realizzato da Santarcangelo Festival, in collaborazione e con il sostegno di Istituto Italiano di Cultura di Oslo
residenza artistica presentata nell’ambito del network R.O.M. (Residencies On the Move) per Reykjavik Dance Festival, su invito di Santarcangelo Festival, in partnership con La Balsamine (Belgio), le joli collectif – Théâtre l’Aire Libre (Francia), Théâtre Prospero e Théâtre Periscope (Canada)
il network R.O.M. è sostenuto dall’Unione Europea nell’ambito del programma Europa Creativa, dal Conseil des arts de Montréal e dal Conseil des arts et des lettres du Québec
SCOPRI DI PIù
BODY SWEATS è un omaggio alla Baronessa Elsa von Freytag-Loringhoven (1874-1927), poetessa e artista d’avanguardia, apripista del movimento Dada. Il titolo è tratto dalla sua omonima collezione di poesie, manifesto erotico e proto-punk. Danza, lecture performance, lettura di poesie, workout: il sudore sarà una via per esplorare l’intrecciarsi di fatica e piacere, il legante di un collage eterogeneo di materiali danzati e testuali. Lettere d’amore tra amiche ed amanti. Una ginnastica senz’acqua in body tigrati. Una poesia per la Baronessa. Dedicarle una spaccata. Dada(umpa).

Il mio interesse per i suoi scritti – audaci e a lungo trascurati – nasce dalla capacità di intrecciare sottotesti nella sua poesia, in particolare intorno all’erotismo femminile. Proto-punk nevrastenica, cleptomane e cacciatrice di uomini, la Baronessa ha lasciato un’eredità che apre la strada alle dive eccentriche del XXI secolo (da Courtney Love a Lady Gaga).
Prendendo in prestito il titolo della sua unica raccolta di poesie, BODY SWEATS, immagino una coreografia che trasudi dalla materialità corporea.
In questa prospettiva, il sudore diventa traccia e stimolo per indagare l’intreccio tra sforzo, piacere ed empowerment. Il progetto esplora il nostro rapporto con i sistemi di rigore, particolarmente densi di sottotesti quando si attinge al background di danzatrici – dal balletto all’acquagym, fino alla cultura del fitness. In studio, il lavoro propone di ripercorrere questi linguaggi di movimento familiari dalla prospettiva dell’io femminista, per riflettere su come riscriverne il significato attraverso la pratica stessa.

Giorgia Lolli
GIORGIA LOLLI

Giorgia Lolli (Reggio Emilia, 1996), ha conseguito un Master in Coreografia presso l’Helsinki Uniarts (2025) e negli ultimi tre anni ha lavorato tra l’Italia e la Finlandia. Dal 2022 insegna Dance Well – Ricerca di movimento per il Parkinson nell’ambito del progetto europeo coordinato da Operaestate. Il suo lavoro coreografico ha attraversato diverse piattaforme straniere e nazionali (Anghiari Dance Hub 2020, Vetrina della Giovane Danza d’Autore 2021, SIAE Per Chi Crea 2023, Nuovo Forno del Pane 2023, MAMbo – Museo di Arte Moderna di Bologna). Con EAT ME, vincitore di DNAppunti Coreografici, ha debuttato a Romaeuropa Festival 2024.

INFO & BIGLIETTI
BIGLIETTI
3 euro per tutti / omaggio under 6
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I biglietti non sono numerati.
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Rhapsody in blue
2026-03-02 20:30 - 21:30 | Teatro Ambra Jovinelli, Via Guglielmo Pepe, 45, Roma, Italy
Il CCN/Aterballetto danza a Roma all’interno della stagione danza 2026 di ORBITA | Spellbound.
Lunedì 2 marzo 2026 Aterballetto danza Rhapsody in Blue di Iratxe Ansa e Igor Bacovich al Teatro Ambra Jovinelli a Roma. La serata è completata da Holy Shift, coreografia di Mauro Astolfi danzata da Spellbound Contemporary Ballet.

Sabotage
2026-03-03 20:30 - 21:30 | Fonderia, via della Costituzione, 39, Reggio Emilia, 42124, Italy
Girls just wanna have… FREEDOM
La premiere italiana di Sabotage di Sara Angius e Johanna Ehlert è a Reggio Emilia, all’interno della Dance Week che omaggia la creatività femminile.
Attraverso un ironico e profondo gioco di movimento danzatori e marionette si manipolano a vicenda, in una rete vivente di controllo, libertà e poetica ribellione.

“Sabotage”, come spettacolo ospite a Halle, dà vita ai burattini e trasforma le persone in marionette. Magnifico.
Di Anja Falgowski – 3 novembre 2024

CREDITI
Concetto, coreografia, produzione: Sara Angius
Concetto, messa in scena, scenografia, figure: Johanna Ehlert
Interpreti: Sara Angius, Vittoria Franchina, Joshua Haines, Stefano Roveda
Disegno luce: Tommaso Contu
Coproduzione e supporto: Kulturhaus Steinfurth (DE), Eisfabrik Hannover, Hannover (DE); Blick Théâtre, Toulouse (FR); Puppentheater Halle, Halle (DE); MWK Niedersächsisches Ministerium für Wissenschaft und Kultur (DE); Stiftung Niedersachsen (DE); SBK Stiftung Braunschweigischer Kulturbesitz, Braunschweig (DE); Kulturbüro der Landeshauptstadt Hannover (DE); Kulturbüro der Stadt Braunschweig (DE); Die Braunschweigische Stiftung (DE); Lessingtheater, Wolfenbüttel (DE); Jahrmarkttheater, Bostelwiebek (DE)
Con l’aiuto di TANZKOOP Braunschweig (DE); Landesverband Freie Darstellende Künste in Niedersachsen e.V. (DE); Theater Fadenschein, Braunschweig (DE); Festival Danse Èlargie (FR)
SCOPRI DI PIù
È sempre stato così e sempre lo sarà. Intrappola chi lo rifiuta, perché fa parte della nostra natura: il desiderio di libertà e di potere. C’è chi vive con l’illusione della propria autonomia, senza cercare di sottrarsi alla danza. E c’è chi continua a lottare, ingenuamente, egoisticamente, fiduciosamente, ostinatamente, ciecamente e senza vedere attraverso tutti i veli del nostro mondo creato dall’uomo. A tentoni nell’oscurità della nostra esistenza gerarchica, costi quel che costi. E se fosse questo il significato di essere vivi?
SABOTAGE parla letteralmente di manipolazione, di tirare i fili. Qual è la realtà?
Che ne è del nostro libero arbitrio in un’epoca in cui abbiamo tutti i mezzi per essere la generazione più avanzata della storia dell’umanità? Ci rifugiamo in mondi digitali illusori, lasciamo che siano gli algoritmi a guidare le nostre azioni, lasciamo che le fake news plasmino la nostra percezione del mondo, ci presentiamo attraverso dei filtri per adattarci meglio a questo mondo irreale.

SABOTAGE getta uno sguardo umoristico e drammatico sulla natura umana. Quanto del nostro libero arbitrio è reale e quanto è solo un’altra illusione, un’altra parte accuratamente costruita del sistema?
Senza parole, solo con movimenti virtuosi, viene costruita una metafora dell’interdipendenza, del potere e della lotta umana con la realtà e l’illusione: chi manipola chi?
Una forma originale di teatro di figura in cui realtà e apparenza si fondono in un’unica danza: poetica, sensibile, cruda, profonda, assurda, scioccante, stridente.
Umana.
Un’opera che non appartiene a nessuna scatola.
SARA ANGIUS

Sara Angius è una danzatrice e coreografa contemporanea italiana con base a Braunschweig, in Germania. La sua ricerca artistica esplora profondamente le dimensioni esistenziali e interiori dell’essere umano, indagando gli stati emotivi che si nascondono oltre la superficie e i confini tra realtà, immaginazione e percezione. Il suo lavoro si sviluppa attraverso un linguaggio interdisciplinare che fonde danza contemporanea, teatro di figura, animazione di oggetti, teatro fisico e illusionismo, con l’intento di stimolare l’immaginazione dello spettatore e superare le regole tradizionali della percezione scenica.
Formata professionalmente presso l’Accademia DanceHaus di Milano, dove ha anche completato gli studi in Communication Sciences for the Performing Arts all’Università Statale di Milano, Angius ha iniziato la sua carriera come interprete in compagnie e progetti internazionali, incluso lo Staatstheater Braunschweig e collaborazioni con artisti come James Thierrée per Frôlons all’Opéra Garnier di Parigi.
Come coreografa ha ottenuto riconoscimenti in festival internazionali: è stata premiata al Stuttgart International Solo-Tanz-Theater Festival e il suo duo The Fish Bowl ha vinto il primo premio al Certamen Internacional de Coreografía Burgos–New York.
Negli ultimi anni ha ampliato il suo lavoro includendo la produzione di INCOGNITUM, il suo primo dance film presentato e premiato in festival internazionali, e ha collaborato come insegnante e guest choreographer in istituzioni europee e festival di danza. Dal 2024 collabora con l’Institute of Dance Arts (Anton Bruckner Private University) e dal 2022 partecipa attivamente alla cooperativa artistica TANZKOOP per sostenere la scena indipendente.

INFO & BIGLIETTI
BIGLIETTI
Intero: 10 euro
Ridotto under 30, scuole di danza, Liceo Coreutico Matilde di Canossa, over 65, soci CRAL Comune di Reggio Emilia: 6 euro
Ridotto under 8: 3 euro
ACQUISTO BIGLIETTI
I biglietti possono essere acquistati online su www.biglietteriafonderia39.it.
Il servizio di biglietteria in Fonderia è attivo un’ora prima dell’inizio dello spettacolo.
I biglietti non sono numerati.
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Cell e whatsapp 3341023554

K.I.nd of Human
2026-03-04 20:30 - 21:30 | Fonderia, via della Costituzione, 39, Reggio Emilia, 42124, Italy
Girls just wanna have… HUMANITY
Con K.I.nd of Human di Roberta Pisu / Arcis_collective la Dance Week che omaggia la creatività femminile ha il suono del sax!
L’IA può creare arte? Quattro danzatori e quattro sassofoni rivendicano l’arte come atto profondamente umano, partendo da una riflessione sull’immenso potenziale dell’intelligenza artificiale.

CREDITI
Direzione artistica e coreografia: Roberta Pisu
Composizione: Leonhard Kuhn
Musica: Arcis Saxophon Quartett
Danzatori: Edoardo Cino, Fabio Calvisi, Vittoria Franchina, Sofia Casprini
Curazione costumi: Bregje van Balen
Sartoria: Lucia Zettl
Assistente coreografia: Francesca Poglie
Riprese: Florian Leuschner, Georg Stirnweiß
Montaggio video: Alfonso Fernández Sánchez
Foto: Martin Misere, Georg Stirnweiß, Robert Fischer, Luca Di Bartolo
Produzione: arcis_collective
SCOPRI DI PIù
K.I.nd of Human è una performance di 60 minuti con quattro danzatori e quattro musicisti, che esplora il rapporto in continua evoluzione tra l’umanità e l’intelligenza artificiale.
Presentata in anteprima nel 2022 a Monaco di Baviera, l’opera indaga l’immenso potenziale dell’IA, affrontandone al contempo i limiti intrinseci—il più evidente dei quali è l’incapacità di sperimentare la mortalità. Con una partitura originale di Leonard Kuhn, composta in collaborazione con l’intelligenza artificiale, la musica si trasforma progressivamente da elettronica ad acustica, riflettendo un viaggio dall’artificiale all’umano.
Lo spettacolo si apre con i musicisti che suonano i sassofoni immersi sott’acqua, i loro suoni intrecciati con composizioni elettroniche—a evocare metaforicamente la nascita degli umanoidi. Man mano che il pezzo si sviluppa, sia la musica che il movimento eliminano gradualmente gli strati di artificialità, culminando in un finale completamente acustico che celebra la bellezza effimera dell’esistenza umana.

In un’epoca in cui l’intelligenza artificiale è sempre più integrata nelle nostre vite, K.I.nd of Human solleva domande profonde: cosa ci definisce veramente come esseri umani? L’opera si concentra su tre qualità fondamentali: fisicità, transitorietà e unicità. La coscienza umana è inseparabile dal corpo; ogni esperienza è singolare e finita, modellata dall’inevitabilità della vita e della morte, che danno profondità e significato alla nostra esistenza. L’IA, pur essendo dotata di intelligenza, manca di questa temporalità fisica ed emotiva. Questa produzione non si limita a criticare la tecnologia, ma dialoga con essa, sfidando le paure diffuse riguardo all’ascesa dell’IA e invitando il pubblico a esplorarne le possibilità sconosciute.
L’IA può creare arte? L’arte richiede consapevolezza di sé, intenzione e una prospettiva unica— tratti che l’intelligenza artificiale, nonostante i suoi progressi, potrebbe non possedere mai del tutto. Durante le prove, l’IA ha agito come un partner creativo, suggerendo idee coreografiche e musicali. Tuttavia, sono stati gli artisti umani a modellare e interpretare questi spunti, rivelando che l’essenza dell’arte potrebbe rimanere un mistero intrinsecamente umano—uno che l’IA, per quanto avanzata, non è ancora in grado di replicare. Eppure, mentre la tecnologia continua a evolversi, i confini tra artificiale e organico restano incerti, spingendoci a chiederci quanto di noi stessi siamo disposti a cedere alla macchina.
Roberta Pisu / Arcis_collective

Roberta Pisu (Cagliari, 1984) è danzatrice e coreografa italiana. Dopo la formazione in Francia all’Académie de Danse Classique Princesse Grace e il Bachelor in Danza Contemporanea all’Accademia Nazionale di Danza di Roma, sviluppa una carriera internazionale collaborando con coreografi di rilievo come William Forsythe, Wayne McGregor, Jacopo Godani, Marco Goecke, Emanuel Gat e Ismael Ivo. Dal 2012 al 2023 è solista allo Staatstheater am Gärtnerplatz di Monaco di Baviera, dove avvia anche un intenso percorso coreografico firmando numerose creazioni per il teatro.
Nel 2020 co-fonda a Monaco arcis_collective insieme all’Arcis Saxophon Quartett, di cui è Direttrice Artistica. Il collettivo nasce con l’obiettivo di fondere musica da camera e danza contemporanea in un’esperienza performativa unitaria, in cui musicisti e danzatori condividono pienamente la scena. Ispirato all’intimità e alla profondità emotiva della musica da camera, arcis_collective affronta temi sociali e culturali attraverso un linguaggio contemporaneo, promuovendo una forte interazione tra suono, corpo e presenza scenica.
Con arcis_collective Roberta Pisu firma numerose opere presentate in teatri, festival e spazi non convenzionali in Germania e in Italia, tra cui HEIMAT, 2xGETANZT, K.I.nd of Human, Quirky Night Club Chronicles, Live.Love.Arcis, LUX e WHITE. Accanto all’attività creativa, dal 2024 insegna composizione coreografica alla Iwanson International School of Contemporary Dance di Monaco, proseguendo la sua ricerca sul dialogo tra musica e movimento e sulla ridefinizione dei confini delle arti performative.

INFO & BIGLIETTI
BIGLIETTI
Intero: 10 euro
Ridotto under 30, scuole di danza, Liceo Coreutico Matilde di Canossa, over 65, soci CRAL Comune di Reggio Emilia: 6 euro
Ridotto under 8: 3 euro
ACQUISTO BIGLIETTI
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I biglietti non sono numerati.
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Dreamers
2026-03-04 20:30 - 22:00, 2026-03-05 20:30 - 22:00, 2026-03-06 20:30 - 22:00 | Teatro Sociale, Piazza Giuseppe Garibaldi 14, Rovigo, 45100, Italy
Al Teatro Sociale di Brescia, Aterballetto danza Dreamers, serata composta dalle coreografie firmate da Tortelli, Kratz, Preljocaj e Pite.
Un unico spettacolo che riunisce la firma di Crystal Pite, la coreografa più richiesta tra Europa e America, con quelle di Diego Tortelli e Philippe Kratz, due degli autori under 40 più interessanti e apprezzati nel panorama internazionale. Completa la serata un passo a due di Angelin Preljocaj, coreografo nell’Olimpo della danza.
Dreamers si apre con Preludio del bresciano Diego Tortelli, una lettera d’amore al corpo per cinque danzatori costruita attorno ad alcuni dei più intensi poemi e brani del cantautore australiano Nick Cave, che con la sua voce inconfondibile avvolge lo spettatore.
Al centro della serata, “O” di Philippe Kratz, ex danzatore di punta di Aterballetto e ora coreografo ricercato dai più importanti teatri. In uno stato di trascendenza emotiva, assistiamo all’incontro tra l’essere umano e il robot, due entità che si muovono insieme al ritmo infinito dei loro cuori inarrestabili.
Segue Reconciliatio di Angelin Preljocaj, duetto sul Chiaro di luna di Beethoven che racconta il tema della riconciliazione attraverso un lavoro caratterizzato da una vena poetica e impressionista, ispirato ad una lettura assidua ma non letterale dell’Apocalisse.
Chiude la serata la soffice bufera di neve di Solo Echo di Crystal Pite, che si ispira a due sonate per violoncello e pianoforte di Johannes Brahms e ai versi profondi di Mark Strand. In scena si respira l’inverno dell’anima: il tempo rallenta, il corpo si fa veicolo di un’introspezione commossa e potente. Con delicatezza e intensità, Pite riflette sul tema della perdita, sull’accettazione del cambiamento e sul mistero della resilienza.

Le Palestriti
2026-03-06 19:00 - 20:00, 2026-03-07 19:00 - 20:00 | Fonderia, via della Costituzione, 39, Reggio Emilia, 42124, Italy
Girls just wanna have… A MEDAL
Le Palestriti di Simona Bertozzi: per la Dance Week che omaggia la creatività femminile uno spettacolo che riflette sulla potenza delle donne.
Quattro performer donne trasformano l’allenamento ginnico in festa collettiva, creando un linguaggio di gesti, suoni e corpi che celebra forza, grazia e potenza condivisa.
Doppia replica
venerdì 6 e sabato 7 marzo ore 19.00

CREDITI

Progetto e coreografia Simona Bertozzi
Preparazione vocale Meike Clarelli
Creato con e danzato da Arianna Brugiolo, Federica D’Aversa, Paola Drera, Valentina Foschi
Musica Originale Meike Clarelli, Davide Fasulo
Disegno luci e assistenza tecnica Rocio Espana Rodriguez

Organizzazione Miriana Erario

Ufficio stampa Michele Pascarella
Foto e video Luca Del Pia
Produzione Nexus 2024-2025
Con il sostegno di MIC, Regione Emilia-Romagna, Comune di Bologna
Con il supporto di Festival Danza Estate
In collaborazione con ALMASTUDIOS Bologna

SCOPRI DI PIù

Le Palestriti prende forma all’interno del progetto ATHLETES, aprendo nuove possibilità di ricerca e composizione nell’intersezione tra danza, sport e vocalità – elementi fondanti dell’intero progetto.
Il lavoro si ispira al mosaico delle Palestriti di Villa del Casale, a Piazza Armerina, una rara rappresentazione di agonismo femminile dell’antichità.
Qui, le atlete, con attrezzi ginnici, non solo esaltano la bellezza e la potenza del gesto individuale, ma fanno festa celebrando la vincitrice e trasformando l’atletismo in un atto di affermazione collettiva.
Nel quadro coreografico Le Palestriti, il radunarsi e il convergere verso un’esperienza comune e vertiginosa dei corpi emerge come necessità irrinunciabile, per allenare le anatomie e per farle deflagrare.

Le performer disseminano una grammatica di gesti, suoni e vocalità in cui l’affiorare delle singole presenze diventa occasione per espandere la percezione individuale e trasfigurarla in un atto di reciprocità e espansione del corpo collettivo.
Le Palestriti sviluppa una fisicità cruda e fluida, con ondate ferine che trasformano lo spazio: da palestra a territorio poroso, ibrido, un crocevia di relazioni, ritualità e alfabeti gestuali sospesi tra forza e grazia.
In questa dinamica, la scena si configura come un playground di traiettorie, dove i corpi si muovono in un ostinato esercizio di ascolto, elevando l’allenamento e la cura del gesto a pratiche di resistenza e trasformazione.

Simona Bertozzi

Coreografa, danzatrice e performer, Simona Bertozzi è laureata al Dipartimento delle Arti, della Musica e dello Spettacolo dell’Università di Bologna. Una delle pioniere delle rivoluzioni dell’arte coreutica novecentesca, Loïe Fuller, è stata l’oggetto della sua tesi di laurea.
Da giovanissima, si è formata in ginnastica artistica e danza classica, per poi approfondire lo studio della danza contemporanea in Italia e in diversi Paesi, tra cui Francia, Spagna, Belgio e Inghilterra.
Numerose le sue collaborazioni come interprete, tra gli altri con i coreografi Tomas Aragay (cia Societat Doctor Alonso-Spagna) e, dal 2005 al 2010, con Virgilio Sieni. Inizia l’attività di coreografa nel 2005, con un percorso di ricerca e produzione lavorando con danzatori e performer professionisti, ma anche con bambini, adolescenti e amatori, con richiedenti asilo e con giovani immigrati di seconda generazione.
Simona Bertozzi pratica una danza in cui la coreografia costituisce un territorio di accadimenti, un sistema complesso abitato dal corpo, risultante di pratiche, pensieri e discipline che rendono la creazione una entità stratificata, in dialogo con il presente.
Nel 2007 vince il concorso coreografico GD’A (Giovani Danzautori dell’Emilia Romagna) e nel 2008 fonda la Compagnia Simona Bertozzi | Associazione Culturale Nexus.
Negli anni i progetti hanno ottenuto sostegni e ospitalità da parte di importanti circuiti regionali, italiani ed europei, mediante coproduzioni e residenze coreografiche con circuitazione nazionale e internazionale.
Nel 2008 è la coreografa italiana selezionata per il festival Aerowaves, The Place Theatre (Londra) e nello stesso anno con il solo Terrestre prende parte al progetto internazionale Choreoroam, sostenuto da British Council/The Place, Dansateliers/Rotterdam e Bassano Opera Festival.
Con il collettivo Gemelli Kessler (Simona Bertozzi, Marcello Briguglio, Celeste Taliani) vince Il Coreografo Elettronico 2009 come miglior produzione indipendente con il lavoro di video danza: Terrestre-movement in still life. Nel 2012 il collettivo si occupa della creazione di I was wondering, opera di video danza realizzata per il centenario della nascita di Michelangelo Antonioni.
Negli anni si sono consolidate importanti collaborazioni con artisti e studiosi tra cui: Francesco Giomi direttore artistico di Tempo Reale, Enrico Pitozzi e Cristiana Natali docenti dell’Università di Bologna, Egle Sommacal musicista e chitarrista dei Massimo Volume, Angela Baraldi attrice e cantante e Tabea Martin coreografa e danzatrice con cui ha co-creato This is my last dance lavoro che ha avuto una importante circuitazione europea tra cui gli Swiss Dance Days.

INFO & BIGLIETTI
BIGLIETTI
Intero: 10 euro
Ridotto under 30, scuole di danza, Liceo Coreutico Matilde di Canossa, over 65, soci CRAL Comune di Reggio Emilia: 6 euro
Ridotto under 8: 3 euro
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I biglietti non sono numerati.
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Enough
2026-03-07 15:00 - 16:00, 2026-03-07 17:00 - 18:00 | Fonderia, via della Costituzione, 39, Reggio Emilia, 42124, Italy
Girls just wanna have… ANOTHER POINT OF VIEW
Per la Dance Week che omaggia la creatività femminile Lara Guidetti presenta in prova aperta il suo nuovo duetto Enough.
Lara Guidetti si ispira al romanzo Narciso e Boccadoro di Herman Hesse per il suo nuovo duetto maschile. Un work in progress sull’affinità e l’attrazione che generano tensione continua.

CREDITI
Una co-produzione SPACCA / Sanpapié e Drama Teatro
Con il sostegno di NEXT-laboratorio delle idee
Coreografia e regia: Lara Guidetti
Consulenza drammaturgica: Saverio Bari
Assistente alla coreografia e consulenza creativa: Fabrizio Calanna
Scene e costumi: Maria Barbara De Marco
Musiche originali ed elaborazioni sonore: Marcello Gori
Light designer: Alessandro Barbieri
Interpreti: Michele Ho, Gabriel Interlando
Uno speciale ringraziamento ad Helga ed Angelo
SCOPRI DI PIù
Enough è un duetto maschile in costruzione concepito come opera coreografica installativa, un dispositivo di osservazione che indaga la natura del doppio non come opposizione binaria, ma come coabitazione impossibile di due forze interne. Il lavoro prende ispirazione dal romanzo Narciso e Boccadoro di hermann hesse, inteso come campo simbolico e non narrativo: una relazione fondata sull’affinità, sull’attrazione e sull’impossibilità della fusione. l’altro non è complemento né soluzione, ma ciò che manca, ciò che ferisce, ciò che innesca il movimento. la danza si colloca in questa soglia instabile, dove il desiderio di unità genera una tensione che non si risolve mai e dove la separazione non è negazione, ma condizione necessaria dell’esistenza stessa del legame.

LARA GUIDETTI

Lara Guidetti nel 2006 si diploma come danzatrice e coreografa presso l’Atelier di teatro-danza della Scuola Paolo Grassi di Milano, studiando con grandi maestri nazionali e internazionali. Prosegue nella formazione legata al mondo della danza e della performing-art studiando diversi metodi di pedagogia e training attraverso laboratori e produzioni. Nel 2008 fonda la compagnia Sanpapié di cui è direttrice artistica, coreografa, regista e interprete, presentando opere in tutta Italia, Europa, Cina e Arabia Saudita. Nel 2017 il suo spettacolo LEI ha vinto il Premio Bonacina. Collabora con la compagnia JGM di Lisbona, con la Scala di Milano in qualità di danzatrice e acrobata e firma le coreografie di opere liriche. È stata docente presso le scuole Paolo Grassi e Dancehaus di Milano e la scuola del Teatro Stabile di Torino. Dal 2022 è artista associata del festival MilanOltre e collaboratrice del CCN/Aterballetto come coreografa e curatrice di progetti site-specific e di welfare culturale.

INFO & BIGLIETTI
BIGLIETTI
3 euro per tutti / omaggio under 6
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Pina!
2026-03-07 15:00 - 16:00, 2026-03-07 17:00 - 18:00 | Fonderia, via della Costituzione, 39, Reggio Emilia, 42124, Italy
Girls just wanna have… AN IDOL
Pina! di Monica Casadei è in prova aperta per la Dance Week che omaggia la creatività femminile.
Monica Casadei dà vita ad un omaggio personale a Pina Bausch, un dialogo dove il suo segno coreografico incontra la poetica della madre del Tanztheater.
CREDITI
Coreografia Monica Casadei
Contenuti video tratti da Un Secolo di Danza scritto e realizzato da Sonia Schoonejans
Assistente di produzione Mattia Molini
Danzatori Alfonso Donnarumma, Sofia Gentiluomo, Minami Michiwaki, Mattia Molini, Carlotta Quercetani
Produzione Compagnia Artemis Danza
Con il contributo di Ministero della Cultura, Regione Emilia-Romagna – Assessorato alla Cultura, Comune di Parma
Durata 20 minuti circa
SCOPRI DI PIù
Un omaggio intenso e personale a Pina Bausch firmato da Monica Casadei.
Ispirato al documentario Un secolo di danza di Sonia Schoonejans, lo spettacolo intreccia immagini video e coreografie originali in un dialogo tra memoria storica e linguaggio contemporaneo. Attraversano il linguaggio fisico e dinamico che contraddistingue da sempre lo stile della compagnia Artemis Danza, la performance si snoda in un continuo gioco di rimandi, evocazioni e contrappunti, inoltrandosi nella poetica coreografica di Pina, restituendone al pubblico la forza visionaria e la capacità di parlare ancora oggi a tutti noi.
MONICA CASADEI

Di origine ferrarese e laureata con lode con una tesi su Platone e la danza, Monica Casadei, dopo una carriera agonistica in ginnastica ritmica, si dedica allo studio della danza classica e moderna, prima in Italia, poi a Londra, infine a Parigi, dove incontra i coreografi Pierre Doussaint e Isabelle Doubouloz e il maestro André Cognard Hanshi So shihan, con il quale tutt’ora pratica l’arte marziale dell’Aikido. Fonda in Francia la compagnia Artemis Danza, con la quale si trasferisce in Italia nel 1997 dando vita a un’intensa attività di produzione che conta, ad oggi, oltre quaranta creazioni originali. Dal 1998 al 2007 la Compagnia è in residenza alla Fondazione Teatro Due di Parma, mentre dal 2014 è in residenza artistica al Teatro Comunale di Bologna. Artemis Danza è stata invitata nei più importanti teatri e Festival italiani, in numerose tournée e festival internazionali.
Fondamentali nella ricerca artistica di Monica Casadei sono la contaminazione con differenti territori artistici, culturali e geografici, oltre all’esplorazione di luoghi e spazi urbani che divengono teatro di azioni performative.
Accanto all’attività di produzione, Artemis sostiene, produce e promuove giovani autori e realizza molteplici attività per la formazione del pubblico.

INFO & BIGLIETTI
BIGLIETTI
3 euro per tutti / omaggio under 6
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EPIPHANĪA - Mi rendo manifesta
2026-03-07 20:30 - 21:30 | Fonderia, via della Costituzione, 39, Reggio Emilia, 42124, Italy
Girls just wanna have…THEIR OWN BODY
EPIPHANĪA – Mi rendo manifesta di Antonella Bertoni e Michele Abbondanza è il cuore della Dance Week che omaggia la creatività e l’universo femminili.
Tre danzatrici della Compagnia Abbondanza/Bertoni si perdono in un labirinto di stanze visive per una minuziosa esplorazione del corpo femminile, tra stereotipi di genere ed emancipazione individuale. Un vero manifesto muliebre.

CREDITI

di Michele Abbondanza e Antonella Bertoni
ideazione, scena e costumi Antonella Bertoni
con Sara Cavalieri, Valentina Dal Mas, Ludovica Messina Poerio
musiche originali Sergio Beercock
disegno luci Alessio Guerra
direzione tecnica Claudio Modugno
assistente alla creazione Eleonora Chiocchini
sartoria Manuela Gober
organizzazione, strategia e sviluppo Dalia Macii
amministrazione e produzione esecutiva Francesca Leonelli
comunicazione Erika Parise
ufficio stampa Marilù Ursi
produzione Compagnia Abbondanza/Bertoni
un ringraziamento particolare a Danio Manfredini
ringraziamo inoltre Andrea Palamidese

SCOPRI DI PIù

“Come ombre della vita, in un campo di battaglia, le tre danzatrici, anime sospese e in bilico, in lucido sonnambulismo, si mostrano per strati visibili e nascosti in una sinfonia di azioni che si offre
come una foresta di segni e di significati.
Sono ritratti tra esibizione identitaria e esuberanza visiva. Un femminile carnale ma distaccato dal protagonismo assoluto della materia umana e che lascia spazio all’immateriale.
Il soggetto diviene oggetto e solo allora gli si riconosce lo status sovrano. Sul filo del dettaglio e del particolare, pennelliamo tracce, grumi e trasparenze, disarticolando il senso che i dettagli incarnano all’interno della vita.
Il gesto indica e suggerisce senza dire, espressione di un pensiero quasi pittorico, perturbante e portatore di intensità anche emotiva.
La drammaturgia si concentra e sofferma su micro-momenti, in un apparente caos, si dipana in capitoli di un libro esploso.
Apparizioni e scomparse come dentro una trappola spaziale in un nero che è il colore in cui si genera tutto, quello da cui veniamo al mondo e quello a cui torneremo.
Un non-luogo che è una stanza, un labirinto di stanze che si perdono l’una nell’altra, una casa intera, il mondo; iperquadri che funzionano per immagini e si nutrono di pause.”
Antonella Bertoni

“Tre donne in fondo al cor, mi sono venute”
Una stanza tutta per sé, l’angolo delle donne. Scaleno: ca va sans dire. Un testing box di completa negazione al radicamento sicuro nello spazio del corpo femminile che si manifesta così in una resa
incondizionata e impudica alla distopia prospettica. Donne a pezzi e pezzi di donna, in una scatola d’arti che, come un unico organismo, respira si riproduce e collassa: la creatività inerme dei corpi restituiti alla fine ne è il segno. Dal trino all’uno e dall’uno alle mille muliebri forme, niente affatto piane ma ricche di pieghe, plissé, che, come in un puntaspilli trafiggono la scena. Corpi-lame,
sbriluccichii e moine compongono una trama dell’apparire in cui l’ordito diventa azione di visione e fissaggio di un primo punto, un punto croce naturalmente, di inizio e di inciampo, tenuto su solo
da un filo di gloria. Ora che le donne scoprono che l’uomo non è più Dio, alluciniamo qui una ideale ricomposizione dei loro pezzi sparsi.
“Tre donne in fondo al cor, mi sono venute”: Grazie alla generosità e all’incondizionata fiducia di Valentina, Ludovica e Sara.
Michele Abbondanza

Abbondanza / Bertoni

Michele Abbondanza e Antonella Bertoni. Dall’esperienza newyorkese nella scuola di Alwin Nikolais agli studi francesi con Dominique Dupuy, attraverso le improvvisazioni ‘poetiche’ di Carolyn Carlson, lo studio e la pratica dello zen, Michele Abbondanza (co-fondatore del gruppo Sosta Palmizi e docente alla Scuola di Teatro del Piccolo di Milano) e Antonella Bertoni fondano la Compagnia Abbondanza/Bertoni riconosciuta come una delle realtà artistiche più prolifiche del panorama italiano per le loro creazioni, per l’attività formativa e pedagogica e per la diffusione del teatro danza contemporaneo.
La Compagnia Abbondanza/Bertoni è in residenza al Teatro alla Cartiera di Rovereto (TN) – Italia ed è sostenuta da:
MIC, Direzione Generale Spettacolo dal Vivo
Comune di Rovereto, Assessorato alla Cultura
Provincia autonoma di Trento, servizio attività culturali
Regione autonoma Trentino Alto Adige

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BIGLIETTI
Intero: 10 euro
Ridotto under 30, scuole di danza, Liceo Coreutico Matilde di Canossa, over 65, soci CRAL Comune di Reggio Emilia: 6 euro
Ridotto under 8: 3 euro
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Preludio / An Echo, a Wave / Alpha Grace
2026-03-07 21:00 - 22:00 | Scenario Pubblico, via Teatro Massimo, 16, Catania, 95131, Italia
Aterballetto danza a Scenario Pubblico / Compagnia Zappalà Danza a Catania, il 7 e 8 marzo.
Il CCN/Aterballetto presenta una serata che attraversa corpo, anima e memoria, composta da tre creazioni che riflettono sull’intimità, sulla fragilità umana e sulla forza del sentire condiviso. Preludio di Diego Tortelli è una preghiera profana, ispirata alla scrittura di Nick Cave: cinque danzatori diventano stimoli emotivi, incarnando ossessioni, dipendenze e desideri in un inno al corpo e alla sua trasformazione continua.
An Echo, A Wave di Philippe Kratz prende spunto dal moto ipnotico del mare, simbolo di eternità e luogo di incontri, partenze e ritorni: un duetto poetico, fluido come un’onda che attraversa il tempo.
Infine, Alpha Grace, sempre di Kratz, è una riflessione sull’empatia, su quella capacità antica e sacra di riconoscersi negli altri. Solitudini e individualità si trasformano gradualmente in coralità, in un’armonia costruita sull’ascolto e sulla condivisione.
© Festival de Granada | Fermín Rodríguez
